Hoy se estrena "Up", de la que llevamos mucho tiempo hablando (ver entradas previas más abajo), comentando el enorme éxito del largometraje, tanto de crítica (las mejores críticas que una película de Pixar haya alcanzado nunca, apertura en Cannes) como de público - es la película en 3-D más taquillera por el momento y muy probablemente la más exitosa de la compañía. "Up" es por tanto una nueva cumbre de Pixar, una aún más alta que las anteriores, que lleva diez éxitos encadenados y ni un sólo fracaso. Sin embargo, antes de su estreno fueron muchísimas las voces que auspiciaron un fracaso rotundo de la película. Richard Greenfield, un analista de Wall Street y quizás la voz más prominente de todas las que pensaban que el film sería un fracaso, se ha disculpado públicamente por su error. Antes del estreno, Greenfield pronosticó que "los siguientes doce o dieciocho meses serán difíciles para los inversores de Disney, sobre todo debido a que UP será un fracaso. Recomendamos a los inversores vender sus participaciones en Disney. (...) Tenemos dudas de que los más jóvenes se sientan atraídos por el personaje principal de la película (...) A la película le falta tirón comercial ya que no hay ningún personaje femenino". Tras el éxito obtenido sólo en los Estados Unidos y sin sumarle aún la taquilla internacional, el mismo analista ha corregido sus previsiones y se ha disculpado públicamente. Lo más curioso es que este mismo analista tiene un historial de errores con Pixar: ya predijo el fracaso de "Wall-E", y en marzo de 2009 predijo que las acciones de Disney se hundirían, cuando curiosamente han doblado la previsión del analista.
Lo cual demuestra varias cosas:
1) que Pixar tiende a arriesgarse con cada nueva producción;
2) que la intervención de analistas financieros en el negocio del cine no beneficia a Hollywood, ya que tienden a adoptar puntos de vista conservadores y formulistas. Lo que es beneficioso para los negocios no siempre lo es para la creatividad cinematográfica.
Pixar ha realizado una serie de pequeñas promos de UP con las que ir creando cierto ambiente previo a su estreno a nivel mundial. Las piezas están en español.
Además, han traducido una especie de making off promocional en español también:
La segunda parte del making off puede contener spoilers, es decir, escenas que avanzan acontecimientos posteriores de la película, así que avisados quedan los maniáticos de llegar "vírgenes" a la película.
Ayer, 21 de julio de 2009, murió Heinz Edelmann (1934-2009), director artístico y responsable directo del look de "The Yellow Submarine", uno de los largometrajes más trascendentales de la animación de los 60. Edelmann ha muerto en un hospital de Stuttgart, según la Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart, donde impartía clases. Edelmann nació en Aussing (antigua Checoslovaquia) y comenzó a trabajar como diseñador gráfico a finales de los 50. Precisamente ésta es una de sus contribuciones más claras a la animación contemporánea, la apertura y fusión de ésta con el mundo del diseño. Fue responsable además de Curro, la mascota de la Expo'92 de Sevilla.
La productora boolab (Barcelona, Madrid), que desde 2008 figura en el top 20 de las mejores productoras de motion design del mundo, según Motionographer, anuncia la firma de acuerdos de representación comercial exclusiva con protagonistas clave de los principales mercados del mundo. Aunque recientemente boolab había desarrollado varios proyectos internacionales, hasta ahora, la productora no disponía de una red de representación estable que sentara las bases de un desarrollo planificado y con visión de largo plazo.
Explica Coke Ferreiro, presidente y fundador de boolab: “Uno de nuestros principales objetivos para el año 2009 era construir una red de representación de calidad en los mercados clave del mundo. Al respecto, nuestra filosofía está más cercana al crecimiento en red, que permite aprender de tus compañeros de viaje, que a una expansión propia que pretenda implementar una filosofía única. Entender qué pasa en cada país es fundamental para poder dar lo mejor de nosotros, y encontrar en cada sitio un partner eficaz permite ahorrar mucho tiempo y esfuerzo”.
"En nuestra búsqueda de una representación internacional hemos apuntado a empresas que fueran mucho más que simples agentes comerciales y que nos aportaran la interacción más provechosa de cara a la naturaleza de cada mercado. Esto es lo que hace que los perfiles de cada una de estas empresas sean tan diferentes entre sí. Al contar con unos aliados de tan alta calidad artística y de producción audiovisual, confiamos en que estas colaboraciones nos permitirán crecer en el futuro no sólo en mercados y proyectos, sino en nuestra propia evolución creativa”, comenta Lucas Elliot, productor ejecutivo internacional de boolab.
Así pues, en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Francia, Australia, Nueva Zelanda y Extremo Oriente, la compañía será de ahora en adelante representada por The Ebeling Group; en Alemania, Holanda y Bélgica, se encargará Trigger Happy Productions; en Italia, el acuerdo se cerró con Filmaster; en Grecia, Turquía, Egipto y en los Países Balcánicos, el nuevo partner comercial es Max Productions; y por último, en México, Colombia y Costa Rica, Pascal Blais Studio es quien llevará la representación de boolab, como un primer paso para incursionar en el mercado latinoamericano.
- The Ebeling Group cuenta con oficinas en Nueva York, Los Ángeles, Toronto y Londres, y entre los estudios cuya representación asume figuran algunos tan prestigiosos como Lobo, MK12 o UFO. Recientemente han realizado los títulos de créditos de “Quantum of Solace”.
- Trigger Happy Productions ha sido la productora más premiada de Alemania en 2009, con oficina principal en Berlín, y la mayor parte de su actividad corresponde a rodajes de live action. - Filmaster es la productora con mayor volumen de actividad en Italia, con oficinas en Roma y Milán. Se dedica básicamente a rodajes de live action.
- Max Productions, con oficina central en Atenas, es uno de los actores claves de esta parte del mercado mediterráneo, con una gran estructura dentro del Mediterráneo. En el mercado griego, es de lejos la productora más comprometida con el mundo de la animación.
- Pascal Blais Studio es un prestigioso estudio de animación de origen canadiense. Regularmente se lleva los máximos honores en los grandes festivales internacionales, como los Oscars o el Festival de Annecy. Sin duda está en primera línea del mercado canadiense, pero con los años también asentó su presencia en varios países de Latinoamérica.
Copito de Nieve, el famoso gorila albino del zoo de Barcelona, será el protagonista de una película de animación. Así lo pactaron el pasado jueves 2 de julio de 2009 el alcalde de Barcelona, Jordi Hereu y las productoras Filmax, Utopia Global y MUF Animation ante la mirada de Jordi Sabaté Pi, el primatólogo que en 1966 trajo el gorila de Guinea Ecuatorial a Barcelona.
La película de aventuras, dirigida por el argentino Andrés Schaer, llegará al cine el invierno de 2010. En la trama argumental estarán presentes diversos escenarios del Zoo y de la ciudad de Barcelona, y según ha explicado el presidente de Filmax, Julio Fernández, se podrá ver al primate por el Tibidabo.
El largometraje, que cuenta con un presupuesto de 6,5 millones de euros, se rodará en catalán, mezclará animación 3D e imagen real y tendrá distribución internacional.
Para después del estreno de la película, también está prevista la producción de una serie de televisión, en la que Copito de Nieve viajará por todo el mundo ayudando a otros animales que estén en peligro. La serie, con presupuesto de cinco millones, tendrá un marcado carácter pedagógico, educativo y de defensa del medio natural. Habrá más adaptaciones audiovisuales y multimedia como un videojuego. (Fuente: Diario El Mundo)
Hoy se celebra el cuarenta aniversario de la llegada del hombre a la Luna, un acontecimiento del siglo XX de una trascendencia aún no valorada plenamente.
Para todos aquellos que quieran recrear toda la experiencia de la misión del Apollo 11, la web wechoosethemoon recrea la experiencia en tiempo real, con una espectacularidad y detalle inédito en Internet. Video y animación por Domani Studios.
La Fundación Luis Seoane, de A Coruña, expone en A Coruña más de quinientas piezas de la colección privada del historiador del cine Luciano Berriatúa (Madrid, 1949) hasta el próximo 27 de septiembre. Se trata de una minuciosa reunión de bocetos originales y acetatos de algunas de las series y personajes que configuraron la animación del siglo XX. En ella se recogen desde piezas de Popeye o Pinocho, hasta la llegada de la revolución digital, con el filme La sirenita y series como The Simpsons , que delimitan el marco temporal y temático de la muestra.
La exposición tiene un carácter totalmente inédito. Pretende dotar de entidad artística una labor que, en opinión de sus responsables, no ha sido valorada en la medida que se debería ni por las instituciones ni por las productoras. «En general, se considera que el cine de animación es una cosa secundaria, como para niños y sin ninguna importancia», lamenta Luciano Berriatúa.
El especialista, que cedió un tercio de su material a la exposición de la Fundación Luis Seoane explica que, investigando, se dio cuenta de que «la mayor parte de los originales de las películas de animación no existían". De ahí surgió su afán por recopilar todo ese material. «No existen museos ni instituciones que quieran guardar los originales de las películas de animación. Se considera que son una fase previa, que no tiene un valor en sí mismo y lo desechan. Me parece ridículo que puedas conseguir un dibujo original de Blancanieves hoy en día por 15 euros. Eso da una idea de cómo está las situación».
A raíz de ello, Berriatúa decidió recopilar todo el material que tenía a su alcance con un objetivo: montar un museo de la animación. «No sé cuándo ni dónde ni cómo lo haré, pero empecé una colección comprando a precios miserables imágenes maravillosas de Disney, de Tex Avery, etcétera, porque la situación es catastrófica tanto en España como en todo el mundo. El museo puede ser en Madrid, puede ser en Toledo, puede ser en Lisboa o en Roma, pero yo me iré con mi museo adonde pueda. Esto no deja de ser una exposición anzuelo para despertar el interés. (...)Considerar que los dibujos de animación no son nada es una equivocación terrible. Ha habido grandes artistas y muchas veces este material no tiene una relación directa con lo que se vio luego en pantalla. Hay muchos tanteos, muchos diseños previos... A nivel histórico pueden dar una información enorme».
Aunque el mayor atractivo de la exposición lo constituye la selección de los cerca de cuatrocientos bocetos y acetatos originales, la muestra no solo se queda en ese campo. Además, se podrán contemplar en vitrinas muchas revistas de época, pósteres, muñecos y proyecciones constantes que entremezclan diferentes series y películas.
El dibujo animado americano. Un arte del siglo XX es una exposición que recoge los dibujos originales de diferentes artistas (a veces anónimos y otras reconocidos dentro de la industria del cine de animación) utilizados en el proceso de dar vida a los distintos personajes que pueblan las películas de dibujos animados. Con esta muestra de dibujos originales, affiches y acetatos, la Fundación Luis Seoane pretende poner de manifiesto la importancia de unas creaciones de gran valor plástico que constituían el origen de todo el proceso de producción que da lugar a lo que entendemos por animación o dibujos animados. La exposición, dividida en tres bloques cronológicos que van desde la época clásica de la animación en la década de los veinte hasta los años 90 del pasado siglo, ofrece una panorámica amplia sobre el trabajo de los dibujantes de la Warner, la Disney, los Estudios Fleischer, la UPA, con nombres tan conocidos como Tex Avery, Paul Terry, Bill Meléndez o Ralph Bakshi, entre otros muchos.
El dibujo animado americano. Un arte del siglo XX debe su presencia en la Fundación Luis Seoane al historiador de cine Luciano Berriatúa (Madrid, 1949), puesto que las obras que se exhiben pertenecen a su colección privada, una colección cuyo objeto es, además del puramente artístico, promover la creación de un Museo de la Animación, un espacio que permitiera el estudio, exposición, conservación y archivo de los dibujos realizados para las películas animadas.
Fechas: Del 10 de Julio 2009 al 27 de Septiembre 2009
"Elevated" del donostiarra residente en Bruselas Iñigo Quílez podría pasar como un hermoso trabajo de 3D paisajístico, si no fuera porque ha sido realizado íntegramente -renderizado, modelado, texturizado, animación, postproducción y composición musical- con programación y un peso final de 4 kilobytes. Fue el ganador del concurso "Breakpoint" que invitaba a sus participantes a crear piezas de animación renderizadas en tiempo real que pesaran no más de 4 kilobytes. El trabajo es simplemente espectacular, no sólo por su propia ejecución sino por la propia belleza del trabajo.
Tal y como el propio Iñigo Quílez comenta: "[Para este trabajo] reutilicé viejas fórmulas para la definición de la altitud del terreno e implementé algunos procedimientos de texturas con sombreado de pixels ("pixels shaders"). También hay algunos otros efectos realizados en tiempo real como el desenfocado de movimiento, algunos reflejos y demás. Para mí, (...) era más un experimento sobre la composición de cámara. Intenté conseguir planos interesantes, lo cual no siempre era fácil, ya que los movimientos de cámara eran básicamente dos octavos de funciones de cosinos".
Para explicarlo en palabras de simples mortales, toda la pieza ha sido realizada única y exclusivamente con matemáticas, que es lo mismo que abrir la puerta a que se puedan crear semejantes mundos, cambios de plano y movimientos de cámara sólo con algoritmos.
Para aquellos de vosotros que os hayáis sentido fascinados por esta parcela de la animación exclusivamente reservada a gente con profundos conocimientos de matemáticas y programación, Iñigo ha publicado muchos artículos y tutoriales en su web: http://iquilezles.org/www/
Que aproveche.
La Fundación Averhó --institución sin ánimo de lucro constituida recientemente en Galicia-- promoverá cursos de formación especializada en animación 3D de jóvenes con discapacidad por movilidad restringida, especialmente con lesión medular.
El objetivo es facilitar la incorporación al mercado laboral de estos jóvenes debido a las dificultades que ahora encuentran por sus problemas de movilidad.
La fundación está formada por profesionales de los campos de la medicina, la formación, la gestión, la administración y la comunicación y su presidente es el director de la Unidad de Lesionados Medulares del Complexo Hospitalario Universitario da Coruña (Chuac), Antonio Sotillo.
En su presentación, su vicepresidente, Salustiano Carro, aseguró que su objetivo con esta iniciativa es "favorecer" la inserción laboral de estos jóvenes para lo que una de las primeras actividades de la fundación será ofertar un curso en animación por ordenador, dirigido inicialmente a 30 personas y que tendrá una duración de tres años.
Manuel Meijide, director del Festival Internacional de Animación Mundos Digitales, y uno de los miembros de la fundación, explicó que se ofertará a los jóvenes "una formación de excelencia a nivel de cualquier centro de Europa" y subrayó que en España no existe un tipo de formación como la que se impartirá a través de estos cursos. Así, anunció que asistirán profesionales a nivel internacional para impartir algunos de los contenidos previstos.
SELLO DE CALIDAD
"El sello Arvehó será un sello de calidad", indicó Meijide en su intervención. En la misma idea, incidió el director de Dygra Films, Manuel Gómez, quien subrayó que la iniciativa pretende formar a profesionales "altamente cualificados".
"Los chicos que lleguen a tercer curso se los van a rifar", indicó al preferirse al nivel que tendrán las clases que se impartirán, al tiempo que destacó la posibilidad de que los participantes puedan trabajar desde su casa para cualquier parte del mundo.
Paralelamente a la formación, la fundación se centrará también en la investigación orientada a la creación de herramientas y la implantación de modelos formativos para personas con movilidad reducida. FUENTE: EUROPA PRESS
Artículo publicado en El País (09/07/2009): "El público vuelve a las salas de cine españolas gracias al 3D. La FECE, patronal del sector, asegura que en el primer semestre de 2009 el número de espectadores ha crecido en 3,7 millones. Los cines españoles han tenido durante el primer semestre del año 48,8 millones de espectadores, 3,7 millones más que en el mismo periodo del año anterior, y un 13 % más de recaudación, en total 296 millones de euros, según los datos -no oficiales- ofrecidos hoy por la Federación de Cines de España (FECE), la patronal del sector que agrupa a casi 3.000 de las 3.875 pantallas que hay en España. FECE asegura que las películas en tres dimensiones (3D), son responables de este tirón. Las salas de cine han tenido en este primer semestre 35 millones de euros más de recaudación y un 7,9 % más de espectadores que en el mismo periodo del 2008. El 2009 se convierte así "en el segundo mejor arranque de los últimos 5 años, superado solo por el año 2006", cuando se alcanzó una recaudación de 300 millones de euros en los primeros seis meses del año. El cine en 3D "ha sido sin duda el gran protagonista y la principal novedad del 2009 hasta la fecha", explica FECE que apunta que Monstruos Contra Alienígenas, el primer gran estreno en 3D del año, ha recaudado 4,1 millones de euros y 471.000 espectadores en la versión en 3D.
Los factores claves de este "buen arranque" son, para FECE, "principalente el éxito del cine en 3D, un número elevado de estrenos de grandes producciones y la buena acogida de las películas españolas". Ángeles y Demonios, Gran Torino, El Curioso Caso de Benjamin Button, Slumdog Millionaire y Siete Almas encabezan la lista de las películas más taquilleras de este periodo, en la que la cinta española Fuga de Cerebros, de Fernando González, ha sido el filme español más visto y la única producción española incluida dentro de las diez con más espectadores del semestre, según FECE. La película más taquillera en este primer semestre ha sido Ángeles y Demonios, con 15 millones de euros de recaudación y más de 2,4 millones de espectadores, mientras que la española más vista, Fuga de Cerebros, ha obtenido 6,7 millones de euros con 1,1 millones de espectadores. Entre los diez títulos más vistos del semestre figuran ocho películas de Hollywood, aunque entre ellas también están la británica Slumdog Millionaire o la española Fuga de Cerebros. Estos "buenos datos", "junto a acciones puntuales que ha puesto en marcha la industria por primera vez en la historia" vienen a demostrar "que el cine, en sala de cine, continúa siendo una de las alternativas de ocio preferidas por los españoles", afirma FECE.
Además "el sector se enfrenta a un final de año esperanzador gracias al elevado número de grandes estrenos que están por venir (La última entrega de Harry Potter, Ice Age 3 o Enemigo Público), la gran acogida del cine en 3D, que en el segundo semestre espera títulos como Ice Age 3, Up o Avatar. Entre los datos esperanzadores también cuentan con "la buena aportación que hasta la fecha está realizando el cine nacional", un sector que "confía" en los resultados de películas como Pagafantas o Spanish Movie, "junto al estreno mas esperado del año, Agora, de Alejandro Amenábar. "La única nota discordante durante este periodo continúa siendo, una vez más, la piratería. España continua en lo más alto del ránking de la piratería a nivel mundial, sin que hasta la fecha se haya propuesto ninguna solución real para combatir el problema que tanto daño hace a toda la industria cinematográfica española", señala la FECE."
Hoy jueves se celebrará la tercera sesión del colectivo Non Stop Barcelona Animation.
Esta vez, los estudiantes son los protagonistas.
Cinco escuelas de animación estarán representadas por los siguientes cortometrajes:
Supinfocom Gary, de Yann Bénédi, Quentin Chaillet, Sébastien Eballard, Clément Soulmagnon – 2008 Anima, de Rémi Devouassoud, Elliot Kajdan, Julien Lasbliez, Nicolas Maurice – 2008 Musicotherapie, de Amael Isnard, Manuel Javelle, Clément Picon – 2007 Camera Obscura, de Mathieu Buchalski, Thierry Onillon, Jean-Michel Drechsler – 2007
Pompeu Fabra Baby, de Bruno Mayor – 2006 Niebla, Emilio Ramos – 2005
9 Zeros Hay comida para todos, de Itziar Goth, Marcia Yañez, Mariana Aguilar, Sònia Isern – 2007 Last Drag, de Sergi Solé – 2008
Pepe School Land Tachaaan!, de Rafael Cano, Carlos del Olmo, Miguel Ángel Bellot – 2009 Fácil, Fresco y Familiar, de Camilo Duarte Franco – 2009
Gobelins Oktapodi, de Julien Bocabeille, François-Xavier Chanioux, Olivier Delabarre, Thierry Marchand, Quentin Marmier y Emud Mokhberi – 2007 Omen, de Simon Rouby, Gregory Vettraino (CalArts 2007) Blind Spot, de Johanna Bessière, Olivier Clert, Nicolas Chauvelot, Cécile Dubois-Herry, Yvon Jardel, Simon Rouby- 2007 For Sock’s Sake, de Carlo Vogele (CalArts – 2008)
+ Cortinillas del Festival de Annecy
El lugar es el cine Casablanca – Kaplan (c/ Passeig de Gràcia, 115 <M> Diagonal.), como en las anteriores ediciones. Sin embargo la hora será diferente, este jueves la sesión empezará a las 21h.Entrada gratuita. Más información: Blog de NonStop Barcelona Animation
Óscar de Santillana (Ciudad de México, 1966) estudia la carrera de Empresariales, teniendo claro que su futuro es la animación, por lo que se va formando paralelamente en dibujo y pintura. Ya en Madrid descubre la animación como una carrera profesional. Su primera oportunidad laboral dentro de este sector surge en 1990 como profesor de intercalación, animación y producción de animación durante siete años, que le permite acceder a la producción de animación, colaborando como animador en la producción de series de televisión y spots publicitarios desde 1992 hasta 1998. En 1999 cumple al fin una vieja aspiración, fundando Ars Animación (Ars Animación Film Animation Studio & School) en Madrid. La academia, una de las escuelas de animación de referencia en España que este año celebra su décimo aniversario, es pionera en España en el concepto de masterclasses y lleva organizados más de cincuenta cursos de este tipo, con la presencia de Alan Barillaro, Andrea Pierri, Andrew Gordon, Bart Vandewege, Borja Montoro, Carlos Baena, Carmen Conesa, Joanna Quinn, José Miguel Ribeiro, Juan Pablo Etcheverry, Kyle Balda, Les Mills, Lawrence Marvit, Manuel Galiana, Miguel Ángel Fuertes, Raúl García, Sandra Ramos, Sergio Pablos, Vuk Jevremovic entre otros. La academia colabora regularmente con los diferentes festivales de animación de España y Portugal. De forma paralela, Óscar colabora con empresas nacionales, como es el caso de la colaboración con Zinkia Entertainment, realizando los animatics de "Pocoyo".
1.¿Cómo surge la idea de crear Ars Animación en Madrid?
Cuando estudié animación lo hice en la única escuela que había en Madrid en ese momento, fue una época genial, descubrí la animación y me encontré con gente a la que le apasionaba lo mismo que a mí, siempre recordaré esa época con mucho cariño, sobre todo porque descubrí que la animación no solo eran las películas de Disney sino que detrás había mucho más y mejor.
Los problemas vinieron cuando al igual que otros empecé a buscar trabajo, cada estudio tenía su método y lo que valía en uno no valía en el otro, cada uno de ellos se sentían poseedores de la verdad, además en algunos si no eras un genio no tenías ninguna posibilidad, recuerdo ahora con gracia que en un estudio me sugirieron que mejor estudiara hostelería, ¡menos mal que no les hice caso! Estos sinsabores me hicieron pensar en que debería existir un standard que valiera para todos, investigué y caí en que no había nada nuevo, que sólo había que conocer los conceptos tradicionales de la animación y aplicarlos a conciencia.
Es por eso que desde un principio decidí que había que aprender de quienes más saben, y a base de mucho trabajo, no exento de errores en el proceso de experimentación, hemos conseguido llegar a nuestro décimo aniversario, han sido muchas las personas que en su momento han ayudado a crear este proyecto. Ars Animación es la suma de los conocimientos que han aportado todos y cada uno los profesionales que han pasado por aquí.
Todos las personalidades de la élite de la animación a nivel mundial que he conocido y tratado a lo largo de todos estos años se han mostrado de acuerdo con la filosofía de enseñanza de nuestra escuela.
2.Habéis comenzado un proceso de colaboración con la Universidad de Alcalá de Henares, que indica un interés creciente de los ámbitos académicos por la enseñanza de la animación. ¿Cómo se encuentra la enseñanza de la animación en nuestro país en relación con otros países europeos?
Países como Francia, Inglaterra, Bélgica, Alemania, entre muchos otros, son un referente en la enseñanza de la animación. Esto es debido a que, a diferencia de España, la enseñanza es el punto de partida de la producción y ésta a su vez, es una fuente inagotable de cultura y de recursos económicos. En este aspecto estamos rezagados respecto a la mayoría de los países europeos. Estos países, en su momento, se dieron cuenta de este potencial y fomentaron la creación de excelentes escuelas públicas y prestaron apoyo a las privadas.
La alianza con la Universidad de Alcalá de Henares es solo un comienzo para llegar a los estándares europeos, además es una garantía para muchos padres que se encuentran con el “problema” de que sus hijos quieran estudiar una carrera que no está reglada ni reconocida por instituciones oficiales.
Por otro lado y aunque mucha gente no lo sabe, Ars Animación mantiene relación con las más importantes escuelas europeas, festivales nacionales e internacionales y una red de contactos con Universidades del continente americano, el hecho de tener un título universitario facilitará a nuestros alumnos la posibilidad de sacarle partido a estas relaciones.
3.En la enseñanza de la animación se reunen todas las contradicciones actuales entre tecnologías digitales y técnicas tradicionales. ¿Cómo os enfrentáis a la encrucijada entre enseñar software al alumno, de una gran importancia práctica pero con una caducidad muy rápida, y las disciplinas artísticas tradicionales, fundamentales pero poco valoradas en ciertos entornos?
El primer problema es que exista esta contradicción. No debería existir. Animación sólo hay una, y es la que se aprende con los métodos tradicionales. Todo lo demás son herramientas de las que se vale la animación para su desarrollo y evolución, a mi juicio todo es producto de la desinformación. Los softwares evolucionan permanentemente pero los conceptos básicos de la animación son siempre los mismos. La gente tiene que comprender esto y saber que no es necesario ser un gran dibujante para experimentar el 2D, tienen que entender que esta es la forma más sencilla, rentable y práctica de experimentar y comprender la animación para luego poder aplicarla a la herramienta que más les guste o mejor les convenga.
4.¿Qué es lo más interesante que está ocurriendo a nivel internacional en el panorama de la animación actual?
En este aspecto están ocurriendo cosas de vital importancia. Nuestros contactos con empresas de la India y de países latinoamericanos nos lo están demostrando. En la India el despegue más que inminente de la industria de la animación es abrumador, por otro lado América Latina empieza a despertar de su letargo en el sector. Creo que en breve dará mucho que hablar tanto en la industria como en el cine de autor, ya circulan por los festivales trabajos de estos países, producciones de mucha calidad y gran creatividad, no hay que olvidar que suman entre ellos a muchos millones de personas, esto puede dar un giro en algún momento al panorama internacional de la animación. Tampoco hay que pasar por alto a los países de Europa del este, todos ellos con una gran cultura en el cine de animación y que aún no han entrado del todo en el circuito de la producción europea.
Aparte de esto hay que hacer una especial mención a las nuevas formas de comunicación. Tanto Internet como la telefonía móvil se están abriendo camino a pasos agigantados, y son los vehículos perfectos para poner la animación al alcance de todo el mundo, lo cual favorece tanto a los creadores como a los consumidores.
5.¿Qué echas en falta en la industria de la animación española?
Este es un tema que me interesa mucho. Hace falta una mayor conexión entre la producción y la formación. Nosotros lo experimentamos positivamente en un circuito muy cerrado, ya que mantenemos excelentes relaciones con estudios como Zinkia Entertainment o Ilion Animation Studios, además de muchas productoras de todo el país que se han beneficiado de nuestra oferta de formación, principalmente nuestras masterclases. Últimamente leo comentarios de productores que hacen mención a una carencia total de formación en animación en nuestro país, sinceramente esta afirmación me parece una falta de consideración por su parte, sobre todo hacia aquellos que llevamos mucho tiempo esforzándonos por sacar adelante la formación, todo un mérito pues lo tenemos que hacer solos y contra corriente. Fue muy sorprendente encontrar en Annecy a productores españoles intentando reclutar estudiantes europeos. Por otro lado, cuando visito algún estudio o productora compruebo que muchos de sus animadores han sido estudiantes de las escuelas de animación mas relevantes del país, entre las cuales por supuesto se encuentra Ars Animación.
Creo que los productores deben dedicarse plenamente a su labor, que es producir, y tal y como lo hacen algunos acertadamente, tienen que estrechar lazos con la formación, plantear sus problemas e intentar resolverlos de forma común, esto sería de gran beneficio para todo el sector. Claramente la solución pasa por crear una alianza seria y comprometida entre la industria y la formación.
6.En otros países, los profesionales españoles de la animación están bien valorados por sus excelentes dotes artísticas y su gran capacidad de trabajo. Sin embargo, da la sensación de que en general al animador español le interesa más ofrecer un trabajo técnicamente impecable, aunque más impersonal y estandarizado, perfecto para crear un tejido industrial eficaz como el estadounidense pero sin asumir los riesgos ni la personalidad de otras cinematografías como la francesa. ¿Esta es la razón de que la presencia española en festivales y muestras de animación internacional sea más bien escasa o la causa habría que buscarla en otros lados?
Tal y como te he comentado anteriormente, para mi, todo esto es una cuestión cultural. Se piensa en la animación como en una fábrica de hacer dinero; es decir, la industria, series de televisión, publicidad, largometrajes, etc... es evidente que es necesario, imprescindible; pero nos hemos acostumbrado solo a generar trabajadores para la industria, esto es muy triste y creo que la culpa es de todos.
La animación, sobre todo para los estudiantes, también debe ser una potente herramienta de comunicación, una forma de expresión que te permita mostrar tu forma de pensar y de ver las cosas. La mayoría de los cortometrajes españoles se preocupan más de emular series de televisión o largometrajes de moda que de crear formas alternativas y cultas de expresión artística, aunque tampoco es conveniente generalizar, ya que de vez en cuando suelen aparecer piezas independientes de esas que te dejan muy buen sabor de boca.
7. ¿Qué es por tanto lo más interesante que puede aportar la animación española a la animación europea y/o mundial?
Hace poco charlaba con una buena amiga que ha sido directora en varias películas de Dreamworks y Weta Digital y su comentario era el siguiente: “Estoy impresionada del talento que hay en este país, ¿porque se van muchos fuera?”, no supe que responderle, "¿es por dinero? ¿es porque en otros países la gente siente que su trabajo es mas apreciado?”
Sinceramente no lo sé, puede que sea de todo un poco. De momento solo sé que no aportamos demasiado como conjunto, aportamos grandes profesionales, de los cuales muchos, tal y como hemos comentado antes, se marchan al extranjero para ver colmadas sus expectativas. En cuanto a la producción, aunque hemos aportado grandes proyectos como El Cid, Los tres reyes magos, Las tres mellizas o Nocturna, entre otras, creo que proyectos como Pocoyo o Planet 51 marcarán una nueva era. Respecto al trabajo de profesionales independientes, aportamos excelentes artistas como Juan Pablo Etcheverry, Isabel Herguera o Carles Porta, ellos deben ser un gran ejemplo a seguir por los jóvenes realizadores. 8. ¿Cuáles son los retos de Ars Animación para el futuro inmediato?
Tal y como lo he comentado a lo largo de la entrevista, todo esto ha sido un proceso de investigación, hemos aportado nuevos profesionales al sector, reciclado a muchos de ellos y por medio de nuestras masterclases hemos ayudado a muchos a descubrir “la verdad” del asunto, además de intentar dentro de lo posible colaborar con la difusión de la animación. Seguiremos por esa linea aunque también queremos atacar en esta nueva etapa varios frentes como la regularización oficial de los estudios, proyectos internacionales de colaboración en formación y sobre todo queremos producir trabajos industriales y de autor, algo que hasta ahora solo hemos hecho de una manera muy discreta. Ya veremos lo que pasa, os lo contaré en la próxima entrevista. 9. Un consejo que pueda valer tanto para aquellos que desean aprender animación como para los que ya llevan varios años en el oficio.
No quiero parecer condescendiente y dar consejos a los profesionales, me dirijo sobre todo a los estudiantes.
Les insistiría en que aprovechen su tiempo de aprendizaje para utilizar la animación como un medio de comunicación, que vean cortos europeos y japoneses y que se pongan manos a la obra y produzcan sus propias piezas, la animación es el producto de la investigación, la dedicación, la perseverancia y la experimentación.
Con respecto a la producción, creo que es de suma importancia especializarse, un proyecto de animación se compone de muchos elementos, todos igualmente necesarios para su correcta realización. Hacen falta profesionales con conocimientos concretos, es necesario que quienes trabajan en animación tengan conocimientos de todo el proceso de la producción, pero está claro que deben especializarse en algo.
"El Inventor" es un cortometraje en 3D creado por Héctor Grande y Pedro de la Llave. Según el propio Pedro, que ya había realizado antes el cortometraje "Kens", "la idea principal surgió sin más, me gustaba mucho la idea de hablar de una relación padre e hijo, aunque al principio el contexto en el que se encontraban era muy diferente, poco a poco, y a base de dar muchas vueltas se llegó a lo que es el guión definitivo. Para la realizacion del corto hemos usado 3ds Max, Combustion para la posproduccion y Premiere para el montaje, además de Fume y RealFlow para los efectos de fuego y agua. El proceso de producción en total han sido ocho meses, los primeros dedicados a la preproducción. Todo ello compaginado con los estudios y las clases. Aunque el corto lo hemos realizado principalmente Héctor y yo, hemos sido ayudados por el excelente trabajo de nuestro supervisor general Gabriel González, sin el cual, no habría sido posible todo esto."
La fascinación que el universo Disney ejerce sobre todo tipo de artistas sigue estando fuera de discusión, aunque en algunas ocasiones ese universo se revisite para tratar de darle la vuelta. Es lo que ocurre con la serie fotográfica "Fallen Princesses" de la norteamericana Diana Goldstein, que revisa en clave irónica qué hay más allá del "y vivieron felices para siempre" de las heroínas de los cuentos. Tratad de adivinad a qué película hace referencia cada uno de estos títulos (podéis ver la foto en grande haciendo clic y comprobar si habéis acertado más abajo).
Resultados de la Encuesta de Junio: ¿Te preocupa que tu trabajo pueda ser plagiado?
Sí, pero no puedo hacer nada por evitarlo
(23%)
Sí, siempre protego/registro mis obras
42%
No, porque yo también copio cosas de otros
7%
No, no me importa
26%
Tal y como se deduce de la encuesta, a los profesionales de la animación no sólo les preocupa el tema del plagio (un 65% de las respuestas) sino que además, un alto porcentaje (42%) procura registrar sus trabajos. Tan sólo a un 33% el tema no les preocupa, con un escaso 7% afirmando que ellos también hacen uso de cosas de otras personas para su trabajo.
Para todos aquellos sin planes para el verano y con ganas de formar parte de un proyecto con una buena causa, la ONGCrozzCom necesita animadores interesados en colaborar como voluntarios en un proyecto internacional para la promoción de los derechos del niño.
Es un proyecto interesante, ya que las animaciones formarán parte de un programa de incidencia y sensibilización sobre la situación de los niños que se quedan solos en casa responsables de sus hermanos pequeños mientras los padres trabajan en Nicaragua.
La ONG busca a personas recién graduadas, profesionales y/o alumnos de animación digital para la creación de 10 animaciones documentales de entrevistas a niños (1-2 minutos). Para más información, podéis entrar en la web del proyecto, aún en construcción o contactar a Anna Wall a través de este enlace.
La promoción de "Planet 51" comienza a funcionar a pleno rendimiento. La película se estrenará en el mercado norteamericano para el Día de Acción de Gracias (20 noviembre de 2009) y llegará a España una semana después (27 de noviembre de 2009). Mientras tanto, la mayoría de las webs sobre futuros estrenos ya han comentado algo sobre la película, al menos un par de veces . Nunca un largometraje de animación español había tenido tanta repercusión previa en los mercados internacionales.
Con el estreno de "Ice Age 3: El origen de los dinosaurios" en 3-D, llega el siguiente gran blockbuster de animación a los cines, que desplaza definitivamente "Coraline" fuera de los circuitos 3-D en España. Teniendo en cuenta la taquilla de los anteriores dos títulos (más de un billón de euros entre los dos, según Box Office Mojo), lo cierto es que la franquicia representa la gran esperanza, no sólo de los Blue Sky Studios sino de la división de animación de Fox, el emblema de la compañía, de una forma similar a lo que "Shrek" y "Toy Story" representan para sus respectivas casas. Ahora "Ice Age" llega como la primera de las tres que se hace pensada para la exhibición 3-D, con un presupuesto siempre creciente (de 59 millones de la primera y los 80 de la segunda, se pasan a los 90 millones de esta) pero un planteamiento argumental idéntico aunque cada vez menos coherente, la cinta estuvo a punto de estrenarse envuelta en la polémica: en Estados Unidos, una de las cadenas de cines de más grandes del país, Regal Theaters, amenazó con exhibir la película exclusivamente en 2-D si Fox seguía insistiendo en que los cines se hiciesen cargo de los gastos de las gafas 3-D (fuente: Businessinsider). El asunto pareció resolverse de forma pacífica y amistosa para todas las partes.
Al igual que la propia Blue Sky Studios se ha mudado recientemente de Nueva York a Connecticut para poder expandirse, la posibilidad de añadir la profundidad 3-D a la historia les ha servido a sus creadores para poder mover a los personajes por escenarios más exhuberantes que el hielo (la selva o más bien, el Mundo Perdido) y añadir dinosaurios (la congruencia histórica ya es absolutamente irrelevante en la serie, tal y como puede verse en el cortometraje introductorio de la ardilla Scrat, atravesando todas las eras temporales.)
El 3-D ha introducido una serie de cambios a nivel compositivo en la película: los animadores eran más conscientes de que los personajes no quedasen cortados por el encuadre, para no romper la ilusión de profundidad; trataban de no falsear distancias entre objetos y personajes, así como mucho cuidado a la hora de aplicar deformaciones corporales a los personajes. Quizás lo más interesante en esta saga de personajes sea la introducción de Buck, un nuevo personaje cómico con un alto potencial dramático, mucho más interesante que la pareja de Scrat, Scratte, básicamente un contrapunto femenino a la manera disneyana (Minnie o Daisy serían sus referentes más directos).
Para los nuevos retos que supusieron crear dinosaurios para Blue Sky Studios, el estudio se vio obligado a contratar en un determinado momento a 35 animadores noveles, llegando a tener a 75 animadores trabajando en el estudio.
El videoclip "Goodbye London" ha sido realizado por el londinense Murray John para el músico Luke Jackson. "Traté de capturar la amarga dulzura de la vida londinense, usando graffitis urbanos. Todas el stop-motion fue realizado en exteriores de Londres y la animación 2D se aplicó mediante After Effects".
Paco Sordo (1979, El Puerto de Santa María - Cádiz) cursó estudios de realización de audiovisuales y cine de animación y dibujos animados en la Escuela de Cine y el Audiovisual de la comunidad de Madrid ECAM. Entre 2005 y 2006 trabajó como animador en Nikodemo Animation (Barcelona), en 2007 como animador en The Character Shop (Birmingham, Reino Unido) y entre 2007 y 2008 como dibujantes de fondos para la serie de animación El Tigre de Nickelodeon en Boulder Media (Dublín, Irlanda). Desde finales de 2008 hasta la actualidad se dedica a la animación flash como freelance, así como ilustraciones y diseños de personajes.
1. ¿De dónde proviene tu interés por la animación?
Desde siempre me ha gustado dibujar, ya de pequeño empecé a experimentar un poco con el medio, buscando mis propios métodos para animar, pero sin tener ni idea de cómo se hacía ni de que hacía falta. Finalmente, cuando un amigo hizo un viaje a Madrid pudo comprarme un libro que explicaba un poco los procesos y como crear tus propias animaciones.
El libro era bastante antiguo, así que estaba todo orientado a trabajar con acetatos, cámara de Super 8, y así empecé a experimentar y hacer intentos de cortos. Los tiempos cambiaron y descubrí los ordenadores. Empecé probando con el 3D, hice un cursillo de 3D Studio Max y la cosa no me acabó de convencer. Algo después descubrí Flash y eso sí fue un flechazo. Finalmente tuve la oportunidad de estudiar por tres años animación en la ECAM, y desde entonces, afortunadamente no he hecho otra cosa.
2. ¿Qué ventajas encuentras a trabajar con animación vectorial, en tu caso, Flash?
Es muy rápido, es más fácil que la animación tradicional y te permite tener más control sobre la apariencia de las cosas y hacer retoques con más facilidad. Es verdaderamente práctico y te permite buenos resultados.
3. ¿Cuáles son tus autores de animación favoritos o tus fuentes principales de animación?
Pues un montón: Mark Ackland, Aurore Damant, Tim Biskup, Mike Geiger, John Kricfalusi, Steve Lambe, Nick Cross, Katie Rice, Jorge Gutiérrez... En España me encanta todo lo que hace, por ejemplo Esteban Maroto y mucha de la gente con la que trabajé en Nikodemo, que cada uno por su lado están haciendo un trabajo increíble: Santi Riscos, Khris Cembe, Nuria Aparicio, Rafiki Cano...
4. Con un panorama audiovisual con más posibilidades que nunca pero al mismo tiempo, cada vez más fragmentado por la multitud de plataformas de distribución, ¿cuál es el futuro de la animación para Internet?
La verdad es que no tengo ni idea. Cada día se utiliza más internet para ver contenidos, y creo que eso es algo muy positivo, porque es una gran oportunidad para todos los que nos dedicamos a esto. Pienso que la animación para Internet tiene un gran futuro.
5. ¿Te da la sensación de que existan tendencias o estilos enfrentados dentro del mundo de la animación vectorial?
La verdad es que no tengo ni idea. Cada día se utiliza más internet para ver contenidos, y creo que eso es algo muy positivo, es una gran oportunidad para todos los que nos dedicamos a esto. Las pequeñas empresas y los animadores independientes lo tenemos más fácil para llegar al público que nos dirigimos. Por supuesto un estudio pequeño nunca estará en igualdad de condiciones con uno grande a la hora de hacerse su hueco en la red, pero la cosa ya ha mejorado bastante. Eso sí, aunque goza de cada vez mayor salud, la animación online nunca podrá competir seriamente con la animación para televisión. Todas las series que triunfan en la red, acaban siempre dando el salto a la televisión que es donde se llega a mucha más gente y se mueve más dinero.
6. La animación flash, por su propio formato más indicado para la animación limitada, suele ser la gran discriminada de la animación, ya que a pesar de la gran cantidad de piezas de animación flash que se realizan en todo el mundo, la mayoría no se ven nunca fuera de Internet, es decir que no suele contar con el apoyo ni de festivales ni instituciones. ¿Es un problema de percepción o es que realmente gran parte de lo que se hace no tiene gran valor?
Bueno, creo que eso es algo que está cambiando en los últimos cuatro o cinco años, dando pasos de gigante. Hoy en día, Flash es bastante popular en televisión y son muchas las series que se realizan ya con esta técnica. Es normal, la animación flash es algo más barata que la tradicional y en televisión el dinero manda. Muchas de estas series tienen una calidad enorme y la forma de animar en flash ha evolucionado bastante.
Incluso hay algunos casos en los que cuesta bastante diferenciar entre animación flash y tradicional, por ejemplo en producciones como “Foster´s home for imaginary friends” de Cartoon Network o “Ying Yang Yo” de Disney TV. Sin ir más lejos, el año pasado en el festival de animación más importante del mundo Annecy el mayor premio, el de mejor película se lo llevó “Sita Sings the Blues” de Nina Paley, un film íntegramente realizado en flash. Yo creo que cada vez se hacen cosas más interesantes con flash, y esos prejuicios que solían haber hacia este tipo de animación (y con cierta razón) están desapareciendo rapidamente.
7. ¿Qué consejo le darías a otras personas que quisieran seguir tus pasos en la animación?
Más que un consejo, me gustaría dar ánimos a la gente que todavía no ha tenido su primera oportunidad de demostrar lo que valen con un trabajo, que se muevan mucho y no se rindan, que en una producción de animación hacen falta muchas manos y al final se acaba consiguiendo.
Sobre "Dame Algo"
- La idea para "Dame algo" surgió sóla, yo siempre ando garabateando personajes en papeles y así salieron los personajes. Supongo que el recuerdo de Carpanta tuvo mucho que ver...
- En el cortometraje hemos hecho todo con PC y Adobe: Flash, Photoshop, Illustrator, Premiere y After Effects, aunque cada día me llaman más la atención los Macs y los productos de ToomBoom te, especialmente el ToonBoom Animate, parece un flash con esteroides.
- "Coleguita de la calle" ha llevado unos siete meses y el siguiente, "Inmóvil", estará listo el 10 de diciembre, así que tomará algo menos de seis meses. La idea no es hacer una serie en el sentido clásico de la palabra, sino que será más bien un conjunto de cortometrajes que tendrán en común los mismos protagonistas y su universo particular.
- En el corto hemos intervenido tres personas: Luisma Muñoz se ha encargado de las voces (haciendo un trabajo estupendo), y mi amigo Santiposper se ha encargado de la Postproducción y ha metido mano con el montaje y el sonido.
Hoy se estrena "Up", de la que llevamos mucho tiempo hablando (ver entradas previas más abajo), comentando el enorme éxito del largometraje, tanto de crítica (las mejores críticas que una película de Pixar haya alcanzado nunca, apertura en Cannes) como de público - es la película en 3-D más taquillera por el momento y muy probablemente la más exitosa de la compañía. "Up" es por tanto una nueva cumbre de Pixar, una aún más alta que las anteriores, que lleva diez éxitos encadenados y ni un sólo fracaso. Sin embargo, antes de su estreno fueron muchísimas las voces que auspiciaron un fracaso rotundo de la película. Richard Greenfield, un analista de Wall Street y quizás la voz más prominente de todas las que pensaban que el film sería un fracaso, se ha disculpado públicamente por su error. Antes del estreno, Greenfield pronosticó que "los siguientes doce o dieciocho meses serán difíciles para los inversores de Disney, sobre todo debido a que UP será un fracaso. Recomendamos a los inversores vender sus participaciones en Disney. (...) Tenemos dudas de que los más jóvenes se sientan atraídos por el personaje principal de la película (...) A la película le falta tirón comercial ya que no hay ningún personaje femenino".
