Sean Pecknold, el miembro en la sombra de Fleet Foxes

Sean Peacknold es un artista multidisciplinar de Portland (Estados Unidos) que tiene la suerte de ser el hermano del principal componente de Fleet Foxes, la banda norteamericana de folk rock.
Sean Pecknold suele trabajar con stop motion, cut-out y postproducción digital para empacar hermosas ilustraciones de las canciones de su hermano, como es el caso de la poderosa atmósfera tribal y remota en The Shrine / An Argument, estrenada escasamente hace un mes. Las enormes diferencias musicales que hay entre ambos temas quedan unificados gracias a la progresión de la historia del  enorme venado mitológico perseguido por los lobos.

El interesante trabajo de cut-out de Pecknold, la apariencia artesanal de sus personajes y el inteligente trabajo de iluminación, con abundantes degradados, dotan a sus piezas de una atmósfera onírica que casa perfectamente con la música cálida y vaporosa de los Fleet Foxes, casi su traducción ideal en imágenes.
Mikonos, por ejemplo, es un videoclip realizado casi íntegramente con figuras geométricas de gran simplicidad, pero a pesar de ello, consigue transmitir la sensación de contemplar una historia épica como si el espectador estuviera dormido. El videoclip obtuvo un justo reconocimiento, y fue exhibido en 2009 en el festival de animación de San Francisco, en Onedotzero o en el festival de cine de Los Angeles.

A pesar de haber realizado más de seis videoclips ya para Fleet Foxes, Sean Pecknold no solo trabaja para la banda de su hermano. Otras bandas del indie americano, como Elvin Perkins o Beach House han echado mano de sus recursos para plasmar sus canciones en imágenes. Como la música de estas bandas suele estar en una órbita musical muy similar a la de Fleet Foxes, el estilo de Sean Pecknold realmente no se ha resentido demasiado con estos trabajos.
Es el caso del tema While You Wait For The Others, de Grizzly Bear (otros adictos a utilizar la animación en sus vídeos, por otro lado).

Más información sobre Sean Pecknold

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Una ronda de vídeoclips no oficiales

Para algunos jóvenes animadores con ambición de conseguir clientes, realizar un videoclip no oficial puede ser una acertada decisión que les puede dar la posibilidad de demostrar su creatividad, notoriedad gratuita y sus primeros encargos.
En cualquier caso, suele ser importante que el cantante o la banda no sean excesivamente populares, ya que en ese caso, la decisión puede conllevar algunos problemas legales o incluso la prohibición por parte de la discográfica de utilizar el tema. Un caso muy particular fue el concurso organizado por Aniboom para encontrar nuevos videoclips con la música de la archiconocida banda Radiohead.

A la hora de realizar un vídeo no oficial, todas las técnicas están permitidas; de hecho, suele ser un buen truco explotar alguna técnica de una forma visual que se salga de lo común.
Un buen ejemplo es este imaginativo vídeo de la canción On the Motorway de Metronomy, realizado por el dúo artístico Jul & Mat. La cosa les salió tan bien que unos meses más tarde ya estaban haciendo excelentes vídeos (esta vez sí oficiales) para We Have Band o para la propia Metronomy.

Lo habitual es que la mayor parte de los videoclips no oficiales sean de grupos poco conocidos, a menudo de la escena independiente o electrónica mundial. Guy Collins, un animador canadiense realizó un vídeo no oficial con el tema Heartbeats de la banda sueca The Knife.

En cualquier caso, la mayor parte de los clips dan pie a universos visuales muy particulares, por lo que es un ejercicio muy recomendable para todos aquellos animadores noveles con mucho tiempo libre y poco currículum que mostrar. Este vídeo fue realizado por el sueco Johannes Helgelin como ejercicio con el tema musical I've got your number de Passion Pit.

En España Pablo Llorens participó en un concurso para realizar el vídeo para el tema Alta fidelidad de la banda granadina Lori Meyers. El vídeo resultó finalmente ganador. Una estrategia arriesgada pero que en este caso dio sus frutos.

¿Conocéis más videoclips por parte de animadores hispanohablantes? Sería interesante poder ver otros ejemplos y compartirlos con el resto de lectores.

Todo lo que siempre quisimos - Nuevo videoclip de MGMT

All We Ever Wanted Was Everything (Ned Wenlock, 2011) es el nuevo videoclip de la banda de rock alternativo MGMT, una excelente pieza visual, poderosa y muy llamativa, realizada al estilo del revolucionario cómic de Chris Ware, Jimmy Corrigan. Una auténtica gozada para paladares refinados.

Allison Schulnik: la belleza de la putrefacción

Allison Schulnik, fascinante tela de araña.

Allison Schulnik es una joven artista estadounidense con una breve pero muy sorprendente filmografía, que está causando una gran sensación en Internet con su último cortometraje. A pesar de diversos comentarios en Internet que la vinculan equivocadamente a Tim Burton o el cine de horror japonés, la californiana tan solo comparte con ellos una cierta fascinación por lo mórbido, pero sus fuentes y sensibilidad resultan bastante distintas. La artista finalizó sus estudios de animación experimental en CalArts en 2000 y hasta la fecha ha realizado seis cortometrajes de una gran coherencia estética, que continúan o de alguna forma prolongan su obra pictórica. Ambos soportes -la pintura y la animación- la muestran muy vinculada al neoexpresionismo y a pintores como Francis Bacon, Anselm Kiefer, Lucien Freud o Jean-Michel Basquiat. Lo interesante sin embargo es la fijación que parece sentir la autora por el kitsch, como una versión perversa del catalógo de Lladró (entre sus cuadros abundan las naturalezas muertas de flores, payasos, gnomos y animales domésticos) y como ha sabido trasladar de forma genuina este universo pictórico tan particular al ámbito de la animación.
En sus piezas de animación hay un afecto y una ternura tan solo intuida en los cuadros de Schulnik. La magistral alternancia entre fragilidad y repugnancia convierte a Mound en una de las más importantes piezas de animación de este año 2011 que se acaba.

Las espectrales figuras del cortometraje celebran, a diferencia de la intensa angustia que sienten los personajes de los infiernos de El Bosco, la descomposición de sus formas en un ritual orgiástico y colectivo. Todo en esta obra produce una extraña vibración, desde la sabia construcción del espacio-tiempo, suspendido en un más allá eterno gracias a la combinación de fondos negros, blancos y ocres, hasta el incesante movimiento de sus figuras, que recuerda los time-lapse de los documentales de naturaleza, con sus continuas referencias a las flores, los hongos y demás miembros de una botánica en putrefacción. Resulta revelador ver como la pureza de este gnomos y plantas originalmente puras e inmaculadas, de una belleza de porcelana, se ha ido contaminando con otros colores hasta desfigurar sus contornos. En este sentido el tema musical de Scott Walker, It's Raining Again, en frágil equilibrio entre el horror y el romanticismo más adocenado, aporta una importante clave de sentido: se trata de un retrato de la belleza en pleno proceso de caducidad y putrefacción, y por tanto, de lo hermosa que puede ser también la muerte y la decadencia, tal y como desvela el baile fúnebre final.

Schulnik es una bailarina frustrada; la animación le da la oportunidad de coreografiar formas al ritmo de la música.

La naturaleza turbadora: un tema muy presente en el audiovisual contemporáneo.

El bosque fantasmagórico de hongos por el que pasea uno de los personajes de Mound.

Sin duda alguna, la composición más inquietante y enigmática del cortometraje: una enorme forma arropada por una gran cantidad de seres, engulle y regurgita de nuevo dos seres que le dan .

No hay sexo ni malicia en los seres que pueblan Mound, pero sí sexualidad y horror.

Dos hermosas imágenes que evocan la intensa imaginería mexicana sobre la muerte.

Más de cien figuras abren el cortometraje.

Podrían ser las piezas de una colección de porcelanas...

Antes de llegar a Mound, Schulnik realizó varios videoclips para la banda de indie-folk norteamericana Grizzly Bear, como Hobo the Clown (2008) o Forest (2009), que ya indagaban en la sensibilidad de su obra pictórica.


Los cortometrajes que la artista realizó en CalArts (The Slaying, 1997; Vedma, 1999; Pistacchio, 2000) no se encuentran disponibles en Internet, por lo que no podemos comprobar si en ellos ya se aprecia su estilo actual, aunque es posible pensar que sea así, si nos atenemos a la sinopsis del segundo de ellos: un cuento medieval sobre una reina malvada que obliga a un bufón de la corte a suicidarse mientras baila para ella. De sus entrañas nace entonces una sustancia pegajosa que recubre todo el castillo, sublimando la maldad del lugar.
Más información sobre Allison Schulnik:
Web de la artista
Entrevista en The Huffington Post
Exposición de la artista

El otoño de Elindio Films

Elindio Films, productora barcelonesa, nos envía el enlace del videoclip "Autumn", en la que han realizado la animación 3D integrada con imagen real para la banda Oh! Cake & the Cookie.

La pieza fue dirigida y concebida por Rodrigo Fiallega.

Más información:

Web de Elindio Films

El estilo retro-moderno de Jonas Odell

Aprovechamos la retrospectiva sobre Jonas Odell en el Festival de cine de Tampere para hacer un repaso a su trayectoria.
Jonas Odell, nacido en 1962 en Estocolmo, es conocido por ser uno de los fundadores de la prestigiosa productora sueca Filmtecknarna, y por su dirección de vídeos musicales para los grupos Erasure, U2, Goldfrapp y Franz Ferdinand, entre otros.
Su labor como director de cortometrajes de animación es menos conocida, pero igualmente importante, ya que figuran entre los mejores ejemplos de la tendencia actual de mezclar documental y animación. Entre sus obras figuran piezas como como Aldrig som första gången! (2006), ganadora del Oso de oro al mejor cortometraje en 2006 en Berlín o Lögner (2008), por el que consigue un premio en el festival de Sundance 2009.
Ambos cortometrajes utilizan diálogos registrados, que le dan una apariencia documental a sus trabajos, mientras la imagen muestra una interpretación más o menos libre de los relatos. La visión de Odell en este sentido es de que la realidad es la mejor fuente para la animación, actitud que se refleja incluso en sus vídeos musicales, que suelen mantener una apariencia de fotocollage constructivistas y naturalezas muertas a base de fotografías. El festival de Tampere define su estilo como de "espíritu retro-moderno", una calificación muy acertada para su apuesta visual.




Más información:
web de Film Tecknarna
web del Festival de cine de Tampere

Entre dos puntos, de Motiphe

Between Two Points es un videoclip de animación realizado por el colectivo alemán Motiphe para el trío californiano de música electrónica The Glitch Mob, descrito por ellos mismos como “un cuento sobre el peso de la dependencia”. Se trata de una interesante propuesta visual que evoca títulos como el largometraje 9 (Shane Acker, 2009) o el diseño de personajes del stop-motion alemán, con títulos como Das Rad (Chris Stenner y Arvid Uibel, 2003) o Balance (Christoph Lauenstein y Wolfgang Lauenstein, 1989).

Presentación de Animac 2011 en el CCCB

Hoy viernes 11 de Febrero a las 19.30 en el CCCB de Barcelona tendrá lugar un adelanto de Animac 2011, la 15ª Muestra Internacional de Cine de Animación de Cataluña que se celebrará en Lleida entre el 24 y el 27 de febrero.
La presentación tendrá lugar en el CCCB donde Isabel Herguera, directora de la muestra, presentará las novedades y sorpresas de la edición de este año y contará con Syd Garon como invitado de excepción. Garon hará una conferencia sobre el proceso de producción de N.A.S.A. The Spirit of Apollo, un proyecto liderado por Sam Spiegel y el brasileño DJ Zegon en el que uniendo la animación de varios artistas con la música de Red Hot Chili Peppers, Tom Waits, David Byrne y M.I.A. entre otros, están generando una de las iniciativas más fascinantes del audiovisual americano.

En la sesión, Syd Garon, además de presentar otros trabajos personales, explicará el proceso de producción del documental sobre el álbum de N.A.S.A, una historia sobre la colaboración entre el arte y la música. Muestra la documentación relacionada con la escritura y la grabación de canciones, a cargo de una mezcla única de artistas musicales de todo el mundo organizada por los dos miembros del conjunto musical: Sam Spiegel, Norte América, y Ze Gonzales, Sur América (N.A.S.A.). Las imágenes de la grabación del álbum se mezclan con videos musicales creados para ilustrarlo; todo, al margen de las empresas discográficas. Una combinación de videos realizados conjuntamente por excelentes artistas y directores de animación: Sage Vaughn con Syd Garon, Marcel Dzama con Syd Garon y Johannes Gamble, The Date Farmers con Logan, y muchos más.
Entre los artistas musicales que colaboran en el disco encontramos a M.I.A., Spank Rock y Santogold, Kanye West, Santogold y Lykke Li, Tom Waits y Kool Keith, David Byrne, Chali 2na, Gift Of Gab y Z-Trip, entre muchos otros.
Más información en www.myspace.com/nasa o www.squeakecleanblog.com

Memories of the song, de Jin Sung Choi

Jin Sung Choi es un animador surcoreano actualmente residente en San Francisco y autor de dos cortometrajes muy interesantes, titulados Entering the mind through the mouth y Tom N Jerry. Sung Choi tiene un estilo muy cercano a lo que hemos visto de otros autores de animación independiente en 3D, como David O'Reilly. Esta pieza es un trabajo para el cantante surcoreano Mono Diary, amigo personal del artista.

Daft Punk le pone música a "Tron Legacy"

La segunda parte de una de las películas más de culto de los últimos treinta años, Tron, estrena banda sonora con un anticipo de los franceses Daft Punk, un grupo que siempre ha encontrado inspiración en la estética y los sonidos de los ochenta.
Tron Legacy se estrenará en España el 17 de diciembre de 2010, envuelta en la polémica de un rodaje dificultoso y una postproducción muy problemática, incluyendo una ayuda de última hora de Pixar, que ya detallaremos más adelante con motivo de su estreno.

Édouard Salier, el francotirador oscuro de la publicidad

Édouard Salier es un creador interdisciplinar francés, que opera en el campo de la publicidad, el motion-graphic y la animación, conocido sobre todo por sus videoclips para bandas como Orishas, Air y Massive Attack, pero que en los últimos tres años ha ido reconvirtiéndose en uno de los autores franceses más interesantes de la animación contemporánea. Es a partir sobre todo de sus cortometrajes independientes donde Salier ha ido desarrollando un estilo críptico, pero repleto de obsesiones recurrentes, en las que el panorama político actual es contemplado con un pesimismo oscuro y agobiante, pero sin perder la fuerte influencia del lenguaje del videoclip.
Quizás una de las piezas más interesantes de Salier sea su díptico Flesh/Empire (2010), que son los que mejor definen la posición actual de su autor. Ambos trabajos parten de la contraposición entre la América herida tras el 11-S y una cierta visión idílica de los Estados Unidos a través de su iconografía audiovisual.
Flesh es sin duda la obra más impactante del conjunto, pues ficcionaliza un apocalíptico 11 de septiembre de 2001, mientras sobre las fachadas de los rascacielos neoyorquinos aparecen proyectadas escenas de pornografía soft-core. Este trabajo viene precedido por las enigmáticas líneas de su autor "El Imperio lo destapa todo pero no ve nada. Sus enemigos lo idealizan todo pero no toleran nada. Para algunos, el orgasmo terrenal de las putas virtuales. Para otros, el orgasmo eterno de las vírgenes celestiales de los 70. ¿Qué ocurriría si todo se hiciera carne?"

Empire fue realizado antes que Flesh y avanza alguna de las ideas del siguiente trabajo. Yuxtaponiendo una idealizada visión de la América de los 50, a través de las imágenes de la comodidad doméstica que ofrecía la televisión de la época, toda una serie de maquinaria militar se sobreimpresiona y deforma estas imágenes como si fuera una lente.

Como un díptico indisoluble pueden considerarse también los dos videoclips que Salier ha realizado para el disco Heligoland de los británicos Massive Attack.
El primero de los videoclips, Splitting the Atom utiliza la técnica de la cámara virtual que se desliza dentro de un fotograma congelado, para mostrar algo así como el último día de la humanidad, con una estética muy cercana al sonido pesimista, nostálgico y elegante de la banda de Bristol.

Atlas Air funciona como una precuela del videoclip anterior y desarrolla más el personaje del conejo blanco demoníaco que acaba con la humanidad y que aparece al final del videoclip anterior. Aquí el ritmo es casi asfixiante, con fotogramas intercalados muy rápidos e inquietantes. Tal y como afirma el propio Salier: "Decidí realizar una precuela de Splitting the Atom, a la vez que dejaba una interpretación abierta al espectador que de alguna manera se mezclada con el sentido real del texto y la canción de Del Naja. La canción va sobre la rendención, y esto fue de alguna manera una inspiración".

Salier también es autor de algunas piezas publicitarias muy conocidas, como el anuncio de Coca-Cola de los Mundiales de Fútbol de 2010 o su trabajo para Nike. Sin ser tan personales como las obras vistas aquí, es fácil reencontrar algunos aspectos visuales en ellos que también aparecen en sus otros trabajos, como el aspecto sucio y polvoriento de la imagen, y el aspecto inquietante que dan los brillos y reflejos de las rocas y las piezas cortantes.



Para acabar, nos quedamos con su trabajo más complejo hasta la fecha, Four (2008), una pieza en la que están presentes todas sus obsesiones y la que mejor define su estilo y que obtuvo el primer premio en el Circuito Off de Venecia y en la Semana de Cine Experimental de Madrid.

Actualmente, Édouard Salier está preparando su primer largometraje.
Más información:
Página web de Édouard Salier
Página en Vimeo
Página en Youtube

Kill Your Co-Workers, de Beeple

Flying Lotus es una banda norteamericana experimental multigénero que editó su primer disco en 2006. Este videoclip para su disco Cosmogramma ha sido realizado por Mike Winkelmann, un activo diseñador gráfico del estado de Wisconsin que ha creado una gran cantidad de piezas de animación experimental 3D bajo el nombre de Beeple. La pieza, sin ser una gran maravilla, es interesante y tiene cierta personalidad, y sirve como ejemplo de la expansión gráfica actual de la animación 3D.

El extraño Kurt Cobain de Guitar Hero

El mo-cap le ha devuelto la vida a Kurt Cobain, pero los resultados son francamente molestos.  

La quinta versión de Guitar Hero ha conseguido a Nirvana como "fichaje" estrella del videojuego, tras negociarlo con Courtney Love y el baterista de la banda Dave Grohl. El resultado es un video promocional que devuelve a la vida a Kurt Cobain... pero a una vida de ultratumba, porque los resultados no pueden ser más decepcionantes. En el video, que ignora olímpicamente al resto de los integrantes de la banda, Cobain canta algunas partes de "Smells Like Teen Spirit" y "Lithium", dos de los éxitos de Nevermind, su disco más conocido, pero lo hace con un rostro desconocido y mal animado, un Frankenstein digital al que le cuelga la boca de manera inquietante. Como prueba de las negativas reacciones que el video está provocando, la página de Guitar Hero en YouTube ya se ha llenado de comentarios furiosos de todo tipo de fans ultrajados.

Denmark, de Mark Smith

A pesar de que Denmark utilice una marioneta y muy poca animación como tal, lo que más nos gusta del cortometraje es su música. En realidad, el proyecto es un videoclip realizado para un grupo de chelistas norteamericanos, la Portland Cello Project, y Denmark es el nombre del tema interpretado. El video ha sido realizado por el estudio neoyorquino Two Penguins y cuenta la extraña historia de un hombre-gusano que decide salir de su pequeño mundo submarino.

Björk canta para los mumins

La extravagante cantante islandesa Björk ha compuesto un tema para la película de The Moomins and the comet chase. “The Comet Song” se encuentra ya disponible en iTunes y todos los beneficios que genere se destinarán a UNICEF para ayudar a los niños de Pakistán. A nosotros nos interesa especialmente el videoclip, en el que no aparece la cantante y sí los Mumins, quizás los personajes de animación más conocidos de Finlandia. Estos personajes, una especie de trolls blancos con forma de hipopótamos, fueron creados en 1939 por la escritora y dibujante finlandesa Tove Jansson, pero no fue hasta mediados de los 90 cuando se hicieron conocidos internacionalmente gracias a una serie de televisión. La película, que ya se ha estrenado en este país, no tiene todavía fecha de estreno en España.

Chico y Rita en el año 2001

En el año 2001, el Estudio Mariscal ya hizo una primera aproximación al universo de la música cubana, al realizar el videoclip de Compay Segundo, La negra Tomasa. Todos los temas futuros de Chico y Rita ya estarían apuntados aquí, tal y como se comenta en la web del estudio:

En el vídeoclip para el tema de Compay Segundo "La negra Tomasa", realizado por Tono Errando, en colaboración con Mariscal, autor de la gráfica, se buscó un ambiente amable, en un contexto contemporáneo, donde Compay se sintiera cómodo. Se decidió aplicar una imagen muy gráfica, y para ello se tomó como referencia estética la gráfica antigua del mundo del jazz. La técnica de grabación en croma se combina con la animación. Compay actúa en primer plano, los músicos están en un segundo, y la gráfica actúa de fondo.

Chico y Rita se estrenará en España en el otoño de 2010.

La revolución de las especies

¿Qué pasaría si los animales se hartaran de nosotros y al final se rebelaran contra los seres humanos mientras bailan ska?
El holandés Jurjen Bosklopper nos lo cuenta, en este video musical realizado con Anime Studio Pro, Photoshop y After Effects para Streetlight Manifesto. Bosklopper tiene un estilo especial cercano al trazo modernista de los años 50. En la mayor parte de sus trabajos, como éste, utiliza colores muy planos y vivos junto a una ausencia total de contornos, mientras que otros trabajos tienden a reforzar el trazo sin color. Un paseo por su página web permite apreciar más trabajos interesantes.

La historia de los Beatles

La fascinación que la obra musical de The Beatles sigue ejerciendo en la actualidad, a pesar de que ya han transcurrido algo más de cuatro décadas desde su desaparición como banda, es algo que se pone de manifiesto en la existencia de propuestas como el videojuego ya anteriormente comentado de "The Beatles: Rock Band", disponible para XBox 360, Wii y PlayStation 3 y que volvemos a comentar, con motivo de su galardón como Mejor trabajo publicitario o de encargo en Annecy 2010.

La importancia que la influencia de la banda sobre la historia de la animación parece por otro lado igualmente activa. Si lo fácil hubiese sido recurrir al cliché de "The Yellow Submarine", la película de George Dunning con la música de la banda de Liverpool, la solución final que se propone en las pastillas de entrada y salida del videojuego responden en realidad a la idea actual de barroquismo visual yuxtaponiendo técnicas y estilos.
En apenas tres minutos y medio (si se ven las dos piezas una detrás de otra) vemos la progresión de la banda desde su Inglaterra natal hasta su triunfo mundial en los Estados Unidos, su coqueteo con la psicodelia y su etapa post-hippie previa a su disolución. El clip mezcla 2D (realizado con Toonz), 3D (realizado en XSI) y un trabajo ingente de composición y postproducción (realizado con AFX y Nuke) en una planificación impactante dirigida y coordinada por Pete Candeland.

Hibi no neiro

Este trabajo colectivo para la banda japonesa Sour ha sido galardonado este año en el Festival de Annecy 2010 como mejor video musical en el festival y plantea de nuevo dudas sobre cuáles son los límites de la animación. De una realización fascinantemente enrevesada, el cortometraje se hizo a partir de la base de fans del grupo. Cada uno envió una pieza grabada a través de su webcam y la coordinación de todo lo recibido fue llevada a cabo por Masashi Kawamura, Hal Kirkland, Magico Nakamura y Masayoshi Nakamura. El nombre de la canción, "Hibi no neiro", podría traducirse como "Tonos de cada día".

Adiós Londres

El videoclip "Goodbye London" ha sido realizado por el londinense Murray John para el músico Luke Jackson. "Traté de capturar la amarga dulzura de la vida londinense, usando graffitis urbanos. Todas el stop-motion fue realizado en exteriores de Londres y la animación 2D se aplicó mediante After Effects".