Her Morning Elegance / Oren Lavie

Entrevista a Marcos Valín, María Monescillo y David Priego

David Priego ha producido y participado en la realización de dos cortos nominados a los Goya. Además los ha promocionado en festivales por todo el mundo y recientemente ha colaborado en "El Viaje del Papel", una miniserie en 3D para el Ministerio de Medioambiente. Actualmente trabaja en TVE. María Monescillo se ha formado en el desarrollo visual para multitud de proyectos de animación y videojuegos. Actualmente trabaja en la película gallega de stop-motion "El Apostol" e ilustra cuentos para Kid Shannon y Anaya. Marcos Valín lleva más de 10 años dirigiendo cortometrajes, animando series como Mad y Bad, diseñando para videojuegos como Donkey Xote y editando storyboards para películas como "Planet 51" de Ilion Animation Studios. Actualmente es animador en la productora Artefacto.
1. Aunque vuestros caminos discurren por vías profesionales muy dispares, los tres compartís el amor por la animación. ¿Qué es lo que os atrae de este mundo?
Lo que nos gusta del mundo de la animación es que brinda la posibilidad de contar historias de una forma muy completa: no sólo hay que cuidar la imagen, sino también el sonido, el timing, la música... La animación permite construir sueños y hacer soñar al espectador.

2. Tanto "Rascal' Street" como "Atención al cliente" surgen como proyectos dentro de la ECAM. ¿Qué diferencias encontráis en la producción de ambos proyectos?
Son técnicas muy diferentes. En el caso del stop-motion se necesita mucha paciencia porque no todo sale bien a la primera. Lo fundamental, se utilice la técnica que se utilice, es siempre la historia que se cuenta.

3. Es el segundo año consecutivo que conseguís una nominación a los Goya. ¿Pensáis que existen fórmulas, argumentos o elementos que puedan asegurar el éxito en festivales a un corto de animación o es que le habéis pillado el truco a esto?
Es algo muy subjetivo. A una persona le puede encantar un corto y a otra no gustarle nada y en los festivales pasa más o menos lo mismo, a veces se tiene más suerte y otras no. Lo que si sabemos es que lo que se cuenta con el corazón toca a su vez muchos corazones y se hace universal, no importa el país, la cultura o el idioma: llega a todo el mundo.

4. Un buen equipo implica tanto un buen entendimiento entre todas las partes así como saber delegar. Cuando esto funciona, los resultados pueden multiplicar los talentos de cada miembro. En vuestro caso, ¿cómo funciona el trabajar en equipo? ¿Cómo os ha beneficiado a cada uno por separado?
Ha sido lo mejor que nos ha podido pasar. Es como una rueda, donde uno flaqueas otros aportan y viceversa, y así va rodando. Aprendimos mucho los unos de los otros, pero sobre todo aprendimos a trabajar en equipo.

5. ¿Cómo veis el panorama actual de la animación en España?
Hay muy buenos trabajos y grandes profesionales. Cada vez más gente se esfuerza por sacar proyectos de animación adelante pero España aún tiene mucho que aprender de otros países en los que se valora mucho más la animación en particular.

6. En "Atención al cliente" citáis a la animación contemporánea norteamericana como vuestra principal fuente de inspiración, a pesar de que vuestro proyecto compartiese muchos puntos en común con cierta animación francesa. ¿Cuáles han sido vuestras principales fuentes para "Rascal' Street"?
Nuestra referencia fundamental fue Oliver Twist para las ropas y calles londinenses de época. También buscamos mucha documentación para la creación de los escenarios, pues consideramos esencial cuidar cada detalle que apoye la historia.

7. Aparte de poder completar dos cortometrajes multipremiados, ¿qué beneficios os ha aportado el paso por una academia de animación?
Lo mejor sin duda fue la suerte de poder encontrar a un grupo de amigos con inquietudes similares y poder crear historias juntos.

8. ¿Qué consejo le dais a otros animadores que estén empezando?
Mucho ánimo, mucha fuerza. Que el desanimo no os venza. El camino no es fácil pero al final merece la pena y engancha.

Más información sobre "Rascal' Street":
a) técnica / software con el que se hizo: Stop Motion / Stop Motion Pro, Photoshop, Premiere, AVID

b) tiempo aproximado desde la concepción del proyecto hasta su estreno: unos 3 meses

c) ¿cómo surgió la idea? Escuchando la polca que finalmente se escucha en el corto ("Trish Trash Polka" de J. Strauss).

d) ¿cuántas personas participaron en el corto? Tres animadores, un iluminador y un técnico de sonido, principalmente.

Para ver "Rascal' Street" podéis entrar en su web "Atención al cliente" se puede ver desde esta web

La animación, según Preston Blair

Una definición de la animación, hecha por Preston Blair en 1994:
"La animación es el proceso de dibujar y fotografiar un personaje - persona, animal u objeto inanimado- en posiciones sucesivas para crear algo similar a un movimiento similar al de la vida. Es a la vez arte y destreza; es un proceso por medio del cual el caricaturista, el ilustrador, el pintor, el guionista, el compositor, el operador de cámara y el director combinan sus habilidades para crear una nueva clase de artista: el animador"
Se trata de una interesante descripción de la animación pero parcial: ¿sólo es animación la animación dibujada? ¿Se entiende sólo por animación al proceso industrializado en equipo? ¿Sólo hay animación de personajes? ¿Qué ocurre entonces con los efectos especiales? ¿El movimiento en animación tiene que imitar al de la vida, tal y como lo entendían los estudios Disney?
Las múltiples objeciones que se le pueden plantear a esta definición demuestran lo complicado que es definir incluso nuestro trabajo más cotidiano.
¿Cómo describirías tú la animación? ¿Qué es la animación para ti?

Elegir una escuela de animación / 2

Siguiendo con el post de ayer, vamos a repasar la situación de las academias por países:
a) en España los principales centros no siempre coinciden con las principales ciudades (Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla), ya que existen unas cuantas excepciones (Granada, Salamanca) y cada vez se abren más escuelas de animación por todo el país. Sin embargo, es importante plantearse como siempre cuáles son nuestros objetivos. Si estamos enamorados de la animación 3D, entonces deberíamos plantearnos buscar una ciudad con productoras que necesiten animadores 3D; si lo nuestro son los videojuegos, entonces deberíamos buscar donde hay empresas de videojuegos. Tratad de informaros si la academia ofrece cursos en softwares que puedan usarse luego localmente (si hay una gran empresa que nos interesa que usa Maya, entonces no debemos pensar en hacer un curso de 3Ds Max y luego pretender saltar a Maya). Nunca penséis en aprender algo en un sitio y luego saltar hacia otro lugar: hacedlo todo a la vez;

b) si os planteáis salir fuera del territorio nacional y sentiros alumno en otra lengua, tenéis que tener en cuenta que las diferencias son notables entre países. Los tres países más interesantes para estudiar animación coinciden con su volumen de producción: Francia, Inglaterra y Alemania. Mientras que en Francia e Inglaterra la enseñanza post-universitaria es privada y cara, en Alemania sigue siendo (por el momento) gratuita, lo cual representa una opción interesante. El problema es que es necesario pasar por unos duros procesos de selección, y que el alemán resulta esencial para plantearse el día a día allí, ¡la desventaja de ser gratuito! Los centros principales, son, por este orden: Stuttgart, con la mejor escuela de animación de toda Alemania, está además también cerca (geográficamente) de Luxemburgo (aunque lejos culturalmente); la ciudad de Postdam, conectada por metro con Berlín, concentra dos escuelas de animación; y el interesante núcleo que se ha constituido entre Leipzig y Halle, sede de algunas empresas antes situadas en Baviera. En Francia, el centralismo se aplica a ultranza y si aspiramos a formar parte de la industria francesa de la animación, entonces nuestro objetivo ha de ser dirigirnos a París - o a Bruselas, otro centro interesante, a muy poca distancia de París y con un gran movimiento de productoras de animación entre ellas. En Inglaterra, Londres sigue siendo un pequeño paraíso de la animación televisiva y publicitaria, aunque Bristol siga siendo la referencia principal si lo que nos interesa es el stop-motion. Fuera de estos países, nos arriesgamos a aprender cosas muy interesantes, pero luego vernos obligados a volver a emigrar para poder trabajar: la República Checa es interesante si queremos aprender el arte de las marionetas y la construcción de muñecos, pero su industria de animación desapareció prácticamente con el comunismo; Italia es un país interesante, pero no una mejor opción que España; otros países mediterráneos (Grecia, Croacia) tienen una industria minúscula y muy intermitente. En los países escandinavos, en cambio, la cosa ha ido poniéndose interesante en los últimos tiempos y Dinamarca o Noruega podrían contemplarse como posibles países. Otro aspecto que hemos de considerar de quedarnos en Europa es el tema burocrático: para un europeo, no hay problemas a quedarnos más o menos tiempo en un país miembro de la Unión, y buscar trabajo sin ningún problema legal; para alguien proveniente de Latinoamérica, sin pasaporte de residencia, la opción europea no tiene porque pesar más que la de Estados Unidos u otros países latinos;

c) en Estados Unidos, aunque parezca extraño, no quedan más opciones que California. Por muy interesante y estimulante que sea Nueva York, no es un centro de animación real y resulta demasiado cara como para planteársela en serio. Dentro de California, CalArts es la opción más interesante (y más complicada) de intentar. En Estados Unidos, las academias no son sólo caras, sino que además aplican procesos de selección de alumnos en función de su demanda. Sin embargo, si nuestro curso se realiza en una universidad, existe la interesante opción de poder trabajar unas horas para la universidad y de esta manera rentabilizar parte de los costes del curso. Con una buena planificación, es posible que parte del curso se pueda pagar sólo. Canadá es un país interesante también (NFB of Canada), pero no tanto como la opción californiana.

d) Asia resulta un continente apasionante y con un tráfico cada vez más intenso en el mundo de la animación. Sin embargo, también resultan destinos muy complicados. Por volumen de producción, Japón, Corea del Sur, India y Taiwan son los puntos principales, aunque desgraciadamente, a excepción de Japón, los otros países se tienen más en cuenta como fábricas de animación baratas y a destajo que como países productores reales. Lo interesante es que, teniendo en cuenta la cantidad de producción de animación que atraen, el poder tener conocimiento de algún idioma asiático nos puede garantizar un buen currículum internacional: las empresas de animación siempre valoran tener a alguien que lleve un jefe de animación occidental que lleve el control de la producción en el país asiático donde se haya encargado todo...;

e) Australia y Nueva Zelanda poco a poco van situándose como lugares muy interesantes para la animación mundial y muchos animadores del entorno anglosajón hablan bondades del nivel de profesionalidad que existe allí. Sin embargo, sigue siendo cierto que son entornos de trabajo muy deslocalizados y que a excepción de muy pocas productoras, la mayoría de profesionales acuden en masa desde Estados Unidos y Europa para trabajar en producciones temporales y luego regresar a sus lugares habituales.

f) una última opción, muy cara pero muy prestigiosa es la que representa AnimationMentor, experiencia pionera de la enseñanza online de animación, y con profesores muy reconocidos y de alto nivel, provenientes del ámbito profesional californiano. Esta es una opción interesante para quién no quiera moverse de su casa y aprender 3D (aunque el dominio del inglés es imprescindible). Aunque exige dedicación exclusiva y un fuerte desembolso monetario, lo interesante es que las empresas cercanas a tu lugar de residencia valorarán esta enseñanza casi más que hacerlo en una academia local.

Más consejos interesantes:
- el directorio de escuelas internacional de AWN es el más completo que se puede encontrar por Internet, pero tiene el inconveniente de que no se revisan las entradas, por lo que muchas escuelas pueden no existir ya, y tampoco están todas las que son. Sin embargo, sigue siendo muy útil. Puede dividirse por países, por especialidades y otros parámetros;
- como muchas escuelas aparecen y desaparecen muy rápidamente, es bueno informarse por medio de foros de animación de dónde hay escuelas, qué imparten y experiencias de otras personas. Mira los temarios, horarios, precios, pregunta si tienen algún tipo de prácticas concertadas con empresas, etc... compáralo todo bien antes de decidirte por ninguna escuela.

Elegir una escuela de animación / 1

Respondiendo a un comentario lanzado por un lector, planteamos el tema de las escuelas de animación.
Elegir una escuela o curso de animación se suele en una cuestión que inquieta a muchas personas una vez finalizan estudios superiores o que simplemente les gustaría entrar en el mundo de la animación y no saben cómo.
A menudo se tratan de cursos caros o que implican un desplazamiento de ciudad por parte del interesado, por lo que surgen las dudas y los miedos. En realidad, es necesario ser conscientes de que un curso de animación no es la panacea para trabajar profesionalmente después. En el mundo de la animación a menudo resulta más valioso el tener un buen conjunto de trabajos realizados que el estar avalado por tal o cual academia, por lo que lo normal es el autodidactismo, aunque esto no significa que se deba prescindir de la opción de una escuela o un curso.
Todo depende de los objetivos y la prisa que tenga uno. Ante todo, hay que dejar claro que el beneficio principal de acudir a una academia de animación es el de hacer contactos: con los profesores, con empresas que tengan las prácticas reguladas con la academia, con los propios alumnos... Es el aspecto más interesante y por tanto, el principal a valorar a la hora de invertir nuestro dinero.
La elección de donde estudiar depende, claro está, de donde ofrezcan un curso que se amolde a nuestros gustos: si tienes intención de aprender 3D, no tiene sentido irse a un centro especializado en stop-motion y a la inversa. Y dependiendo de nuestra ambición, también hemos de tener en cuenta academias fuera de nuestro país: si sueñas con entrar en Pixar, entonces has de plantearte muy seriamente acudir a una academia en Los Ángeles o al menos, en California, que te permita estar cerca de todas las empresas que se mueven por allí. Ten en cuenta que en esta profesión, si no estás físicamente, no existes y que muchos de los trabajos en tu vida futura vienen de gente que se acuerda de ti, porque te han conocido o han trabajado contigo.
Así pues, ten en cuenta lo siguiente:
a) costes globales del curso: aquí incluye no sólo lo que te costaría el curso, si no lo que tendrías que desembolsar también en alquiler de vivienda, comida, nivel de vida, etc.
b) cantidad de empresas de animación que existen en la misma ciudad / región: éste aspecto es clave, ya que representan nuestro objetivo final
c) el dominio del idioma, en el caso de países extranjeros, es importante, aunque tampoco nos debe frustrar al máximo excesivamente. Si el inglés os asusta, pensad en cual es vuestro objetivo real, y tened en cuenta que un idioma se aprende viviendo en el país y con cierta motivación.
Por otro lado, tened en cuenta que lo más importante que debéis aprender en las academias es:
a) la especialización en una técnica o programa no es lo más importante que debáis aprender, sino el tener una buena cantidad de trabajos finalizados, que demuestren que habéis trabajado duro. Así pues, mentalizaros que, aparte de aprender, lo más importante es practicar y sobre todo, tener muestras que enseñar;
b) los contactos: no sólo con profesores (que son vuestros consejeros, pero no vuestros ángeles de la guarda) sino muy especialmente con empresas y con otros alumnos. Los profesores os pueden poner en contacto con las primeras, imprescindibles para aplicar de forma práctica vuestros conocimientos; y los segundos os servirán como estímulo mental y como red de trabajo para el futuro. Tened en cuenta que muchos alumnos algún día pueden intentar tener su propia empresa o un empleador les puede preguntar si conocen a alguien para realizar tal o cual trabajo. Así que es imprescindible olvidarse de posturas arrogantes o aislarse del resto de la clase, ya que ellos también son parte de nuestro aprendizaje.
Mañana continuamos con una clasificación de los lugares más interesantes para estudiar.

Cartoons on français

Cartoon Movie  ya ha publicado el listado de los largometrajes que asistirán este año a su mercado anual, que este año se celebrará entre el 4 y el 6 de marzo en Lyon. 

Sólo cuatro largometrajes con participación española se presentarán al evento, y un total de seis productoras, un número bastante bajo en comparación a años anteriores.

Como largometraje finalizado, sólo se presenta "El lince perdido" de Kandor Graphics, Perro Verde Films y Green Moon; como proyecto en desarrollo, "Lola & Virginia - The violet star" de Imira Entertainment ; como proyecto en concepto, "Kian" de Forma Animada  y la coproducción hispano-belga "Extraordinary Tales" con Kandor Graphics  por la parte española.

En comparación con otros países, la participación española sería la cuarta en número de películas y productoras, por detrás de Francia, Alemania (6), Bélgica (6) y con la misma cantidad que Dinamarca (4). Esta posición, que puede parecer importante, queda ensombrecida por el hecho de que tan sólo Francia participa con un 52% de los largometrajes presentados, es decir, unos 26 largometrajes, lo que da la idea, por un lado, de la importancia que el largometraje de animación francés sigue teniendo para Europa, y por otro, de que Cartoon Movie  se sigue considerando un evento francófono por muchos países, tal y como lo demuestra la natural resistencia de los países anglosajones a acudir a esta cita anual. El Reino Unido sólo presenta un proyecto e Irlanda otro y Aardman jamás ha acudido a este evento.

A pesar de todo, no podemos dejar de insistir la importancia que tiene para la industria de animación española su presencia en este tipo de encuentros. Cuantos menos proyectos españoles se muevan en mercados internacionales, menos probabilidades existe de que puedan surgir nuevas propuestas en un plazo medio, y por tanto, menos trabajo para todos.

Como salido de la chistera

Estas imágenes corresponden al libro "Presto Pixar Little Golden Books", con material inspiracional creado por Teddy Newton para el cortometraje. Como podéis comprobar, es de primer orden.

ASIFA-Hollywood Animation Archive

Una joyita para todos los interesados en la historia de la animación, la ilustración y el cómic.

Entrevista a Luis Tinoco

Luis Tinoco (Mataró, 1978) se inicia en 2002 en el campo de la producción y dirección de spots
publicitarios y pequeños proyectos audiovisuales de animación y contenido 3D. En 2008 realiza su primera intrusión de Luis Tinoco en el mundo de la dirección y guionaje de cortometrajes con “Ladrones de Motores” (Inercia Films, 2008). Actualmente ha finalizado su segundo cortometraje de la productora Inercia Films, “Malacara y el Misterio del Bastón de Roble”, escrito y dirigido por él mismo. Tras los recientes reconocimientos de “Ladrones de Motores” por parte del público, festivales y profesionales del sector, no descarta la incursión en el mundo del largometraje cinematográfico, siempre dentro del campo de la animación 3D.

1. Para muchos profesionales, lo habitual en el mundo de la animación es llegar o bien desde una formación de bellas artes o bien desde un ámbito más tecnológico, como informáticos. ¿Cómo llegaste al mundo de la animación?
En mi caso el origen ha sido claramente técnico más que artístico, aunque hubiera preferido que no fuera así. El camino que finalmente he decidido tomar me pide mucho más de artista que de técnico, por eso dedico mucho tiempo a intentar complementarlo.
La verdad es que ya a los doce o trece años empecé el primero de muchos cursos de lenguajes de programación. Y años después acabé la ingeniería técnica informática. Por eso se podría decir que “oficialmente” soy técnico, aunque en paralelo a estos ámbitos, y de forma autodidacta, siempre me he dedicado mi tiempo libre a hobbies de carácter artístico como la fotografía, el dibujo, el cine (sobretodo), etc..
Creo que el perfil idóneo que debería tener alguien para ejercer este trabajo es el de “Ingeniero Informático Licenciado en Bellas Artes” ;)

2. A menudo trabajamos con personas cuya forma de trabajo y visión acabamos incorporando a la nuestra. ¿Qué otros artistas y profesionales de la animación te han influido más profundamente?
Bueno, en mi caso no he tenido nunca la suerte de tener un profesor, jefe o mentor del que haya podido aprender o heredar una visión concreta o forma de trabajar (seguro que hubiese sido enriquecedor).
La forma en la que trabajo y el look que tienen mis trabajos es la suma de una formación autodidacta, los trucos aprendidos de compañeros con los que trabajo o he trabajado, y por supuesto influenciado (a veces queriendo y otras sin querer) por el cine que considero mi base: Spielberg, Burton, Pixar, Disney,…

3. Tu cortometraje acaba de recibir una nominación a los Goya. ¿Son los festivales de cine la única manera de rentabilizar y darle mayores posiblidades a un corto de animación?
Realmente el formato corto, por desgracia, no es un producto que llegue al público fácilmente en el DVD de unos grandes almacenes, ni emitido en TV en horario de máxima audiencia, sino que es un formato que tienes que ir a buscar tú expresamente. Por lo que es muy difícil rentabilizarlo en cuanto a derechos de emisión o distribución. Los festivales son una de las pocas vías de dar a conocer tu trabajo, aunque no creo tanto que lo sean para rentabilizarlo de forma económica (recordemos que los mayores festivales de cine de nuestro país no tienen ningún tipo de premio en metálico).

4. A la hora de planificar un nuevo proyecto, ¿qué parte del trabajo es la que más te satisface y cuál es la que consideras más complicada de llevar a cabo?
El inicio del proyecto, el guión, el diseño de personajes y entornos y el resto de pre-producción es la parte que requiere más concentración y en la que mejor me lo paso. La concepción de la historia, imaginar como llevarla a cabo, el look, el trasfondo y los personajes son la base, y no puede fallar a media producción.
Poder comprobar al acabar un proyecto que la visión inicial se ha sabido transmitir desde la pre-producción al producto final es una satisfacción.
De todas formas me lo paso muy bien haciendo trabajos puramente de producción modelado, animación, iluminación, composición, etc…

5. ¿Qué ventajas le encuentras al 3D sobre otras técnicas?
Bueno yo creo que todos los proyectos de animación, sean de la técnica que sean, tienen un gran mérito, ya que la metodología para hacer cine de animación requiere mucha paciencia y es muy estricta. Conseguir un solo segundo de cine de animación es la suma de horas de trabajo de mucha gente implicada.
Cada técnica de animación tiene un montón de ventajas sobre la otra, y al mismo tiempo otro montón de inconvenientes. Por lo que no creo que ninguna esté por encima de la otra. Lo que es verdad es que cada una dota al proyecto de un estilo visual propio, y es tarea del director decidir que técnica explica mejor tu historia.
En “Malacara y El Misterio del Bastón de Roble”, siendo un corto de animación 3D, en un momento puntual (leyenda de Malacara que lee Nico en el libro viejo) hemos utilizado técnicas de animación 2D porque el look que necesitábamos para explicar ese fragmento era ese en concreto.

6. A tu juicio, ¿qué es lo más interesante que ha ocurrido en la animación internacional en los últimos años?
Creo que ha sido muy interesante el cambio de percepción que han tenido las productoras y el público en general de cara al cine de animación. Ahora encontramos películas de animación con el mismo presupuesto, o más, que una de imagen real. Las productoras empiezan a verlas como un proyecto rentable y el publico general empieza a verlas no solo como un producto destinado a los niños. Últimamente ya no se escucha tanto el “yo no voy al cine a ver eso, que es de dibujos animados”.

7. ¿Qué consejo le darías a cualquier persona que tuviera una historia y quisiera realizar su primer corto en 3D?
Paciencia, una buena pre-producción y rodearse de gente comprometida con tu idea que puedan ayudarte a llevar a cabo tu proyecto (es un trabajo muy duro llevar a cabo este tipo de temas una sola persona).

Sobre "Malacara":
a) técnica / software con el que se hizo
Animación 3D / 3D Studio Max 2008
b) tiempo aproximado desde la concepción del proyecto hasta su estreno
9 meses
c) ¿cómo surgió la idea?
“Malacara” inicialmente empezó como parte del contenido audiovisual que podemos ver en una atracción multimedia de un centro comercial de Barcelona.
d) ¿cuántas personas participaron en el corto?
Unas 20 (entre técnicos, dobladores, sonido y musica, etc…)

Más información sobre Luis Tinoco:
En este enlace podéis entrar en la web de Inercia Films y aquí en la web directa de "Malacara" 
Podéis ver un trailer de "Malacara" en YouTube 
Para enlazar con la página oficial de "Ladrones de motores" podéis entrar por aquí.
Muchas gracias a Esther Quevedo por su colaboración en esta entrevista.

Más rápido que el tiburón

El take suele ser la exageración de un gesto, habitualmente una expresión de susto o sorpresa, a menudo funcionando conjuntamente con una anticipación, aunque lo cierto es que a menudo el animador suele recurrir a convenciones y fórmulas seguras.
Esta larga secuencia de imágenes es un ejemplo de que un take o una anticipación pueden hacerse de muchas otras formas. Pertenece a un cartoon de Bob Clampett de 1940. Se trata de una primitiva forma de desarrollar conjuntamente un take y una anticipación, y aunque da la sensación de tratarse de una secuencia en la que ocurren muchas cosas, lo cierto es que todo ocurre en tan sólo 36 fotogramas - menos de un segundo y medio. Y a pesar de todo, funciona y es muy divertido.

Entrevista a César y Jose Esteban Alenda

Los hermanos César y José Esteban Alenda, hijos del productor y distribuidor José Esteban Alenda han vivido el cine desde la infancia. José, por su parte, debuta como actor precoz haciendo de Fuco en la recordada "El Bosque Animado", de José Luis Cuerda. Después de que César estudie Arquitectura y de que Jose estudie un Máster Europeo en Gestión Audiovisual en la Media Business School. Ambos fundan "Solita" en 2004, una productora de cine con la que pretenden abrirse paso en el panorama audiovisual nacional. A través de ella han ido compaginando cortometrajes de imagen real ("Manolo Global" y "Silba Perfidia") con otros de animación ("Manolo Marca Registrada", "Homo Asfalto"). Con "La increíble historia del hombre sin sombra", consiguen una nominación al mejor Goya de animación 2008. Jose, por su parte ha producido los cuatro cortometrajes de Solita Films, el largometraje "Scouts" para Karma Films, y ha desempeñado labores de director de producción y director de desarrollo en las coproducciones internacionales "La Vida Loca" y "L'Imbroglio nel Lenzuolo", de los directores Christian Poveda y Alfonso Arau respectivamente. Actualmente está preparando su debut como director de largometrajes con la película de animación "Gigantes de Invierno", en fase de desarrollo y del largometraje documental, "El Extraño Viaje de Ader", en coproducción con Continental Producciones.

1. Vuestra productora, "Solita Films" nace en 2004 como una empresa de arquitectura, ya que ambos sois originalmente arquitectos. Poco a poco, comenzáis a desarrollar contenidos audiovisuales, incluyendo cortos de animación, de imagen real y documentales. Vuestra formación como arquitectos, ¿os hace aproximaros a la animación desde otra perspectiva? ¿Qué os resulta interesante de la animación?
Jose: El motivo primordial que nos impulsó a crear Solita Films fue, principalmente la necesidad de contar historias y la de dar continuidad a la trayectoria de nuestro padre, José Esteban Alenda, productor y distribuidor de cine, ganador de un Oscar ® en 1982 por "Volver a Empezar", de José Luis Garci.
Los inicios fueron, como todos, duros pero, con la sabiduría que te da el poder mirarlo ya con cierta distancia, bastante instructivos ya que comenzamos completamente de cero. No nos formamos en ninguna escuela de cine, con las carencias y ventajas que tiene. Hemos sido, cada uno en su categoría, un tanto autodidactas, si se puede decir de quienes han pasado toda se infancia y adolescencia devorando películas de cine y revistas especializadas del sector. Por esa razón, no nos queda más que agradecer a todos aquellos que han trabajado con nosotros, de quienes hemos aprendido lo bueno, y lo no tan bueno, de esta profesión.
César: Realmente Solita Films se creó como productora de cine desde un principio, lo que pasa es que aprovechando mis estudios de arquitectura (y no los de mi hermano que es licenciado en dirección y administración de empresas), desarrollo junto a mi compañera arquitecta Elvira Germán una rama como arquitectos y diseñadores gráficos.
Es difícil recordar qué motivó la creación de la empresa. Supongo que el hecho de que nuestro padre fuera un importante productor y distribuidor de cine hace varios años influyó bastante, aunque nunca le demostramos demasiada vocación en vida. Yo creo que la culpa de todo la tiene "Manolo", el personaje del proyecto "Manolo Global". Nos entusiasmamos con la historia y montamos Solita (nombre de juventud de nuestra madre Soledad) para poder llevarla a cabo.
Por supuesto que mi formación de arquitecto ha influenciado muchísimo mi visión del mundo y del cine. No en vano, mi primer corto, "Manolo Global", es la historia de un hombre que se pierde en un tubo de aire acondicionado. Pero aparte de temáticamente, me ha ayudado también a ser terriblemente detallista y planificador. De la misma forma que un edificio no se construye hasta que se dibuja perfectamente en los planos, soy incapaz de enfrentarme a un rodaje sin una exhaustiva planificación en el guión y el storyboard. Aparte, me he dado cuenta de que ésta es una de las fases que más disfruto.

2. "Manolo®" es vuestro primer corto de animación, que da lugar a algo inédito en la cinematografía española, el corto "Manolo Global", filmado en imagen real. A pesar de todo, ambos cortos funcionan de forma independiente, aunque pueda dar la sensación de que el primer corto sea una especie de animática para hacer el segundo. Como muchos animadores se pueden preguntar, ¿para qué filmar de nuevo con actores y escenarios reales una historia que ya habíais contado previamente mediante animación?
César: En realidad ocurrió todo al revés. Rodamos primero "Manolo Global" en junio de 2004. Sin embargo, debido a problemas de producción y a fallos de director novel quedó buena parte del guión sin rodar. Supuso un enorme esfuerzo sacar una historia coherente del material rodado, y la postproducción se alargó muchísimo. Tanto que "Manolo ®" surgió como terapia de choque ante la desesperación que sentimos durante todo ese proceso. Aprovechando que salió la convocatoria de ayudas de la Comunidad de Madrid, y que no teníamos ningún otro proyecto preparado para presentar, pensamos que ya que teníamos toda la documentación del corto de imagen real lista (guión, storyboard, etc), que la presentaríamos tal cual como proyecto de animación. Y meses después nos dieron la gran noticia de que sí nos subvencionaban el proyecto. No supimos si reír o llorar. No teníamos ninguna experiencia en animación y teníamos que entregar un corto en cinco meses. Afortunadamente nos rodeamos de personas que supieron estar a la altura y gracias a la elección de una técnica cómoda de animación, pudimos llegar a tiempo. Todavía tendríamos que esperar un año más para poder ver "Manolo Global" acabado. Desgraciadamente, también quedó en la versión animada buena parte del guión sin dibujar. Siempre nos quedará una espinita. De cualquier manera, siempre guardaremos un gran recuerdo de ambos Manolos, ya que con ellos aprendimos un poco a hacer cine.

3. Surge la pregunta por tanto: ¿qué os atrae más: la animación o la imagen real?
Jose: No se trata tanto de qué género nos atrae más sino de contar historias. Lo más importante siempre es encontrar historias que produzcan determinadas emociones en el público y que les resulten entretenidas. El siguiente paso, y, con diferencia, el más difícil, es imprimir a esa historia una visión original y personal del autor, tanto a nivel de guión como de dirección, y dentro de la política de Solita Films, que no es otra que la de producir proyectos creativos que tengan una impronta muy personal por parte de sus autores, y que se adapten a las necesidades de los distintos agentes que forman el mercado cinematográfico internacional: público (siempre lo más importante), distribuidores y exhibidores. Y es ahí donde uno debe decidir cuál es el estilo visual que mejor se adapta al proyecto. En el caso de "La Increíble…", teníamos muy claro que era un proyecto cuya única aproximación realista, tanto a nivel creativo como en términos de producción, era la de realizar más que un cortometraje de animación, un cuento animado. En cualquier caso, y pensando en el futuro más cercano, en estos momentos en Solita Films estamos desarrollando un largometraje de animación en 2D llamado "Winter Giants" con argumento de Juan Rubio, el director de la animación de "La Increíble…", dos largometrajes de ficción, un largometraje documental llamado "El Extraño Viaje de Ader", en coproducción con Continental Producciones que cuenta con ayuda a desarrollo de la Xunta de Galicia, y tenemos previsto para este 2009 producir dos cortometrajes de ficción. Por lo tanto, seguiremos produciendo animación, ficción y documental en la medida que surjan historias que se adapten a cada uno de los distintos formatos.

4. Tanto "Manolo®" como "La increíble historia del hombre sin sombra" están realizados con un trazo muy particular, bastante poco habitual en animación, aunque no tan infrecuente en la animación española de autor contemporánea. ¿Cuáles son vuestras principales influencias y referencias?
César: Procuramos que todos nuestros proyectos tengan un carácter bastante atemporal, alejados de modas pasajeras, e intentamos darle a cada proyecto la imagen o técnica que la historia pide.
La técnica de Manolo® es de líneas simples en blanco y negro y tiene una animación bastante sencilla. El personaje, con una personalidad chapada a la antigua, pretende ser casi un boceto animado. Recuerdo haber pensado en las pruebas de línea de los enanitos de Blancanieves como idea de partida.
Jose: Al tratarse de una historia de época quisimos que en "La Increíble Historia del Hombre Sin Sombra" prevalecieran las técnicas de dibujo o pintura tradicionales sobre todo lo demás. Lo más importante era crear la atmósfera adecuada. Es por ello que optamos por una animación sencilla no demasiado fluida que enfatizara la idea de que el resultado final se pareciera lo más posible a una sucesión de cuadros o ilustraciones animadas. Tuvimos en cuenta el expresionismo de principios de siglo como referencia fundamental. El "Retrato del Bailarín Alexander Sajaroff" de Alexei Von Jawlensky fue determinante para el diseño del malvado. Luego a eso le añadimos una narración clásica mediante planos de corta duración con animación muy limitada, casi manga.

5. ¿Puede una empresa audiovisual española sobrevivir sin las ayudas o los certámenes y festivales? ¿Para qué os sirven y qué es lo más tedioso de cada uno de ellos?
Jose: Esta es una muy buena pregunta. Lo ideal sería ser capaz de tener un modelo de negocio que te permita ser completamente independiente, y que la financiación de tus proyectos no esté supeditada a fechas límite de entregas por parte de organismos públicos, a quienes, sin duda, y en nuestro caso particular tanto con la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Consejería de Cultura, Turismo y Artesanía de la Junta de Comunidades de Castilla La Mancha, como con el ICAA, les tenemos que agradecer su apoyo a la producción de nuestros trabajos. Sin embargo, una vez te conviertes en beneficiario de ayudas y subvenciones por parte de entes públicos, en ese momento tienes una serie de responsabilidades que comprometen a tu empresa a nivel financiero ya que, entre otras obligaciones, debes entregar una copia en 35 mm de tu película, lo cual encarece todo el proceso de producción y tienes que buscar otras vías de financiación para completar el presupuesto de tu película. El caso de la animación es más comprometido si cabe, sobre todo en lo que a las fechas límite de entrega de materiales se refiere, ya que, de todos es sabido, que la animación, como norma general, exige mayores tiempos de producción que la ficción y desde que te conviertes en beneficiario hasta que entregas tu película, el tiempo es sensiblemente corto. Más aún, vivimos en la era del "do it yourself", que es la manera más independiente de realizar un proyecto artístico, y además, el formato digital tiene las mismas posibilidades, en lo que se refiere a la calidad de los trabajos, que el formato en cine. Sin embargo, el hecho de no tener copia en cine limita tu distribución. El ejemplo más claro es el de ser elegible para los Premios Goya. Sin copia en 35 mm no puedes optar a sus premios.
Recomendación: como siempre, la virtud está en el término medio. Ser independiente en las fases embrionarias de tu proyecto, lo cual implicaría no solicitar ayudas públicas hasta que tu proyecto de animación esté en fase muy avanzada, de tal manera que la fecha límite impuesta por el organismo público de turno, sea realista sin perjudicar la calidad de tu trabajo.

6. "Homo Asfalto" es vuestro primer cortometraje en stop-motion. ¿Por qué elegisteis esta técnica y no otra para esta historia? ¿Qué os ha aportado la experiencia y en qué se diferencia a todo lo demás que hacéis?
César: Nuestra primera experiencia con la animación stop-motion fue la grabación de un video musical de una banda francesa ("Porcellain Dolls" de N'Drish Band). Siempre quise usar a personas de carne y hueso para animar fotograma a fotograma, como hacían Svankmajer o McLaren, sin embargo, aunque fue muy divertido, quedé un poco decepcionado con el resultado. "Homo Asfalto" es un segundo intento. Se trata de crear la ilusión de que el protagonista se arrastra a toda velocidad por el arcén de una autopista. El coche en el que viajaba se quedó sin gasolina en el mismo momento que su novia le decía que lo dejaban. Él es incapaz de frenar la inercia de su relación y sale disparado por el limpiaparabrisas, dando una vuelta entera a la M-30, hasta sobreponerse. Sólo tenemos grabada la mitad de la historia. Supone mucho esfuerzo (y riesgo) rodarlo. Pero estoy deseando que llegue el buen tiempo para retomarlo, porque el resultado me gusta mucho. En este caso la técnica elegida fue anterior a la propia historia y el corto no tendría sentido sin ella. Se trata de un proyecto diferente de coste cero a medio camino entre lo narrativo y lo experimental.

7. ¿Qué es lo más interesante que ha ocurrido en la animación internacional en los últimos años a vuestro juicio?
César: Pixar y Dreamworks representan la primera división de la animación mundial. El resto se encuentra a años luz en cuanto a técnica y a capacidad de contar buenas historias que enganchen con espectadores de todas las edades. Sin embargo, a nosotros nos suele gustar más la animación tradicional e imaginativa de genios como Miyazaki, Bill Plympton, Joanna Quinn, Dudok de Wit, Aardman, Svankmajer o Bruno Bozetto.

8. Por último, ¿qué consejo le daríais a otros cineastas y animadores?
Jose: El consejo que les doy, desde mi experiencia personal y profesional, y si es que estoy en condiciones de aconsejar a alguien, es que sean perseverantes, crean en lo que hacen y se rodeen de gente que tengan tanto o más talento que uno. Y, en el caso particular de la animación, que trabajen bien los guiones. Una buena animación por sí sola puede resultar una gran experiencia, pero acompañada por una buena historia, esa animación alcanzará cotas inimaginables para el animador.

Sobre "La increíble historia del hombre sin sombra":
a) técnica / software con el que se hizo
Animación 2D: personajes: dibujo sobre papel y coloreo a pastel; fondos en tinta aguada/Timing en CTP, montaje en Avid y composición y postproducción en combustión.

b) tiempo aproximado desde la concepción del proyecto hasta su estreno
2 años y cinco meses.

c) ¿cómo surgió la idea?
Mi amiga Nazaret García me prestó el libro "LA MARAVILLOSA HISTORIA DE PETER SCHLEMIHL", de Adelbert von Chamisso en noviembre de 2005. Ella es la culpable de que me animara, nunca mejor dicho, a realizar una adaptación, muy libre, de esta fabulosa fábula infantil.

d) ¿cuántas personas participaron en el corto?
En el equipo de animación, dirigido por Juan Rubio, responsable máximo de que "La Increíble…" tenga la posibilidad de luchar por el Premio Goya, participaron en total cinco personas más en labores de asistencia y diseño de fondos.
En el departamento de sonido, fueron dos personas, Marcos Sánchez y Alfonso Hervás, los responsables de su diseño, edición y mezcla.
El compositor de la música, Aday Rodríguez, compuso la banda sonora y dirigió una orquesta de diez músicos.
César dirigió la postproducción y es responsable de la edición de la imagen, de la composición final del cortometraje, efectos visuales y corrección de color. César es, junto a Juan, el gran culpable de que "La Increíble…" haya conseguido realizarse.
La voz del narrador la realizó Jesús Rodríguez López, prestigioso actor y director de doblaje.
Finalmente, el responsable de guión y de la dirección de la película es José Esteban Alenda.

"La increíble historia del hombre sin sombra"


"Manolo Marca Registrada"

En la página web de Solita Films podéis encontrar más accesos a otros cortometrajes de los hermanos Esteban Alenda.

2008: Los cortometrajes del año/2

El criterio para la selección de este artículo se ha hecho a partir de los cortometrajes de animación más premiados en los distintos festivales internacionales.
Franz Kafka's A Country Doctor (2007), 21 min., dirigido por Koji Yamamura (Japón).
La adaptación de "Un médico rural" por parte del aclamado director de animación Koji Yamamura supuso un giro hacia una madurez expresiva por parte de su autor. Se trata de un cortometraje tan angustioso e inquietante como el propio relato de Kafka, donde los demonios internos acaban mezclándose con un entorno de pesadilla. Se trata de una buena adaptación del original, que plantea de nuevo el tema de lo apta que puede ser la animación a la hora de adaptar obras literarias, ya que permiten mostrar cosas sugeridas por los giros lingüísticos y las figuras literarias que la imagen real filmada no pueden.
Esta aventura, ambientada como centroeuropea pero vista desde un punto de vista oriental, tiene su origen en un desastroso viaje de su autor a Polonia, durante el cual se sintió incapaz de comunicarse mientras atravesaba el país en taxi con un móvil sin red y un vuelo perdido. La zozobra emocional de esta experiencia se traduce en el conocido trazo tembloroso característico de Yamamura. El corto fue realizado casi prescindiendo de la tecnología en su producción, con lápiz para el trazo, coloreado a lápiz de color y rotuladores de aceite sobre papel, y el software japonés RETAS! y Photoshop para retoques posteriores y Final Cut para su edición final. Algunas secuencias son realmente memorables y la fantasmal banda sonora de Hitomi Shimizu termina de redondear una obra, que si bien no tiene el sentido de clásico instántaneo que se percibía en "Mt.Head", se perfila como una gigantesca obra madura y una muestra de la maestría de su autor.
El video es tan sólo una porción del cortometraje completo:

Contacto: Shochiku [T] (+81) 3.5550.1623 [F] (+81) 3.5550.1654 [W] www.shochikufilms.com; www.shochiku.co.jp [E] ibd@shochiku.co.jp

Camera Obscura (2007), 7 min., dirigido por Matthieu Buchalski, Jean-Michel Drechsler, Thierry Onillon (Francia).
Este cortometraje, galardonado con seis premios internacionales, sobre como un hombre ciego vuelve a ver conectando una cámara de cine a su mente, presenta una interesante mezcla de 3D con imagen real. La ambientación, claramente inspirada en el arte francés de los años 30, desde el arte surrealista, hasta la escultura como la propia materia cinematográfica o la música, consigue realmente crear la impresión de un documento rescatado del tiempo y la memoria (genial que la evocación de la infancia se retrotraiga veinte años más para ofrecerse como un plano de un niño con una estética de cine mudo de los años 10). Lo genial de este hermoso corto es que lo real y lo imaginario (realizado en 3D) se funden en una sola escena de una forma natural y poética.


Una de las (relativas) decepciones del año fue el muy esperado nuevo cortometraje del ruso Konstantin Bronzit, "Lavatory Lovestory" (2007, 7 min). Aunque se trata de un hermoso cortometraje, queda muy lejos del excelente "Au bout du monde". Ha recibido en total cinco galardones en 2008.


En el terreno de la publicidad, uno de las imágenes del año ha sido la de un inmenso conejo de plastilina surgiendo en medio de Manhattan. Cuatro semanas de duro trabajo, doscientos conejos de plastilina y cuarenta animadores trabajando en pleno mes de agosto han creado una de las instántaneas más espectaculares de la animación publicitaria del año.

Sony Bravia: Play-Doh Frank Budgen y Darren Walsh / Reino Unido / 2007 / 1.30 mins

El otro spot destacado es el spot de Coca Cola y la Fábrica de la Felicidad. Aún más divertido que el propio anuncioo es la divertida parodia de los making-offs que existe de forma paralela, que mucho le debe también a "Creature Comforts" de Aardman por un lado y por otro a la mejor ciencia-ficción fantástica.


Coca Cola: The Happiness Factory: The Movie Estados Unidos | 2008 Todd Mueller

En el terreno de la animación española, "O pintor de ceos" de Jorge Morais, con seis galardones internacionales en 2008, es sin duda uno de los destacados.

O Pintor de Ceos España | 2008 | 25:00 Jorge Morais

Otro de los cortos españoles más galardonados del año, "Hezurbeltzak"(una palabra despectiva en euskera, que podría traducirse como "huesos negros"), es una inquietante investigación en los límites de la animación más experimental. Según su autora, Izibene Oñederra, la investigación libre a partir de sentimientos como el odio o el rechazo le llevó a ir creando una serie de imágenes detrás de otra sin ningún tipo de orden, que luego cobraron sentido en el montaje. La banda sonora, basada en el ruidismo y la música electroacústica contemporánea, ayuda a crear inquietantes momentos en un corto donde el sexo y la ironía están muy presentes.

Hezurbeltzak, una Fosa Común España | 2007 Izibene Oñederra

También han sido destacados este año "La Parabólica" de Xavi Sala, "La dama en el umbral" de Jorge Dayas y "Cabaret Kadne" de Marc Riba y Anna Solanas, entre otros cortometrajes.


A los cortos del Goya 2009 ya les dedicaremos un post especial.

2008: Los cortometrajes del año/1

Skhizein (2008), 13:05, dirigido por Jérémy Clapin (Francia).
Este corto, con ocho galardones en distintos festivales de animación, es la historia de un hombre que le narra a su psicólogo como desde que un meteorito impactase contra él mientras miraba por la ventana, se ve obligado a vivir a 91 centímetros de las cosas. A partir de entonces, debe reaprender a hacer las cosas: coger el teléfono a 91 centímetros de distancia, sentarse a 91 centímetros, aunque ello le obligue a atravesar paredes y flotar en el aire.
Este hermoso y complejo corto sobre la locura, fue desarrollado durante varios años, mediante una mezcla de distintas técnicas y softwares (3ds Max para los fondos y la animación de los personajes, Pass-Manager para el renderizado y After Effects y GenerActor para coordinar el diálogo y animar las caras de los personajes. El meteorito y algunos efectos especiales fueron creados en stop-motion.
Contacto: Dark Prince/Wendy Griffiths (productor)

[T] +33 613 046 280 [E] wendyg@darkprince.fr [W] http://darkprince.fr

Madame Tutli-Putli (2007), 17 min., dirigido por Chris Lavis y Maciek Szczerbowski (Canadá).
La NFB of Canada es quizás la institución más preocupada por empujar la animación más allá de sus límites de los últimos cuarenta años, como demuestra este cortometraje, el más premiado del año (más de cuarenta premios, incluyendo una animación a los Oscars). "Madame Tutli-Putli" es la pieza de stop-motion más innovadora en mucho tiempo. Con un extraño guión, más propio a una película de David Lynch que a "Extraños en un tren" de Hitchcock con la cual se la ha comparado, lo cierto es que este viaje existencial de un tren en medio de la noche presenta una puesta en escena soberbia. Es posible que el hecho de que el cortometraje no parezca resolver ninguna de las dudas que plantea deje insatisfecho a más de uno, pero lo cierto es que resulta indiscutible su tremenda calidad artística. El uso innovador y experimental del stop-motion combinado con los efectos digitales producen unas fascinantes secuencias detrás de otras. El uso magistral de la luz y las originales angulaciones de cámara, unidos a los realistas ojos de los personajes (añadidos posteriormente), sobre todo los del personajes principal, crean una sensación incómoda y una indescriptible sensación de tensión hasta el catártico final.

El siguiente video es una especie de making off explicando cómo se realizó el cortometraje (en inglés):

Contacto: Pat Dillon, NFB [T] 514.283.9411; David Magdeal (U.S.PR) [T] 213.624.7827

The Pearce Sisters(2007), 9 min., dirigido por Luis Cook [Reino Unido].
Este cortometraje, del cual hablamos en un post anterior, ha acabado acumulando catorce premios en 2008. Recordemos su innovador uso del 3D. Nuevos caminos que se abren desde Bristol.

AtomFilms.com: Funny Videos | Funny Cartoons | Comedy Central

Para leer el post anterior en Animaholic.
Contact: Maggie O’Connor, Aardman Animations, Gas Ferry Road, Bristol BS1 6UN, U.K. [T] 44 117 9848485 [F] 44 117 9848486 [E] Maggie.oconnor@aardman.com [W] www.aardman.com/pearcesisters

La Maison en Petits Cubes, 12 min., dirigido por Kunio Kato [Japón].
Galardonada con trece premios en 2008, este cortometraje del japonés Kunio Kato es una conmovedora historia de un abuelo que se ve obligado a ir aprovechando los ladrillos de su casa para ir elevando la altura de su casa, mientras el nivel de las aguas va subiendo. Es también la historia de su memoria y de su familia.
Una de las sorpresas del año, de un autor que hasta el momento sólo era conocido por el lánguido cortometraje "The Diary of Tortov Roddle".

Berni's Doll, 11 min., dirigido por Yann J. [Francia]
Este corto, ganador de seis premios internacionales, está ambientado en un futuro gris donde un solitario operario de una fábrica de comida para gatos encontrará una compañera sexual en un robot sin cabeza ni extremidades. Esta moderna y satírica revisión del clásico "La novia de Frankenstein" presenta una inquietante estética, muy cercana a las esculturas del videoartista Tony Oursler, donde el sexo y la productividad están unidos indefectiblemente. Este espectacular cortometraje fue realizado por un reducido equipo humano. Su director Yann J., se encargó del guión, dirección, modelado 3D, texturizado, iluminación, renderizado y composición. Sólo cuatro animadores y dos técnicos del sonido más completan el reparto. El corto fue hecho en 3Ds Max y After Effects.

Contacto: Yann Jouette [T] 00.33.1.53.26.70/19 [E] Yann.jouette@gmail.com [W] yann.jouette.free.fr; Dummy Productions [T] 00.33.1.40.22 63.43 [E] contact@dummy.fr [W] www.dummy.fr; Autour de Minuit [T] 00.33.1.42..81.17.28 [E] christine@autourdeminuit.com [W] www.autourdeminuit.com

Mente de papel

La técnica del stratastencil, consistente en ir apilando capas de la animación una encima de otra y previamente recortadas. Una imagen vale más que mil palabras:

Si podéis verlo en la página de su autor directamente, la calidad es mucho mayor. Lo cierto es que aunque los autores de lo digital, un pequeño video mostrando la posibilidad de hacerlo directamente en 3D (o incluso en AfterEffects) abre un enorme abánico de posibilidades.
Seguramente muy pronto veréis este recurso en alguna campaña publicitaria. La publicidad, siempre deseosa de nuevas ideas.

A golpe de chiste

A la hora de desarrollar historias o guiones, a menudo el guionista suele tener problemas en encontrar chistes que funcionen dentro de la trama, viéndose obligado a usar recursos pobres o poco humorísticos.
Lo cierto es que la animación es un medio eminentemente visual y el diálogo debería estar siempre supeditado a la acción. Es por ello que un buen gag funcionará mejor sobre situaciones que sobre palabras.

Una buena manera de encontrar ideas es la de recurrir a las tiras cómicas, a tebeos o a las comedias del cine mudo, donde el humor surgía de las situaciones y la pantomima (la interpretación). El problema de las tiras cómicas es que desde "Peanuts", la mayoría recurren al texto para atraer a un público adulto, por eso muchas de las tiras cómicas actuales casi parecen textos con un dibujo de acompañamiento. En cambio, las comedias mudas y en especial, las de Charles Chaplin y Buster Keaton, son una fuente increíble de ideas, tanto para animadores en busca de algún gesto como de guionistas secos de chistes. Para una película como "WALL•E", o series como "Purple and Brown" donde no hay diálogo, esto es primordial. "Cada día a la hora de comer veíamos una[película de Buster Keaton o de Chaplin]. Son reveladoras. Te hacen darte cuenta cuantas habilidades de narración se han perdido más que ganado como resultado de pasar al sonoro." (Andrew Stanton, sobre la producción de "WALL•E")

Aquí tenéis dos horas de cortometrajes de Buster Keaton:

Trabajar con pocos colores

"El mayor desafío n "Buscando a Nemo"] y lo que más asustaba a mucha gente era que nuestra paleta de color era tan limitada. Hay muchísimo color al principio de la historia, pero entonces nos vamos de este Jardín del Edén para dirigirnos hacia lo desconocido, y la paleta [de color] se apaga. Después de que el padre de Nemo y Dory se marchen del arrecife, hay partes de la película donde sólo hay tres o cuatro colores en la escena."
Ralph Eggleston, diseño de producción de "Buscando a Nemo"

2008: Los largometrajes del año

2008 ha sido un año poco interesante para el mundo del largometraje de animación. Lo más destacado ha sido el revival de viejas modas cobrando cada vez mayor protagonismo (el 3D estereoscópico o 3-D), la cada vez más clara estandarización de técnicas según producto y la continuación del reinado de Pixar con "WALL•E. Para los largometrajes nacionales ha sido incluso peor: un año nefasto en taquilla.

Ha sido un año donde los superhéroes han dominado las taquillas mundiales a medias con las películas de animación. "El caballero oscuro", la cuarta entrega de "Indiana Jones", "Hancock" o "Iron Man" entre otros títulos parecen confirmar la tendencia de que el Hollywood actual es de los superhéroes y de los personajes animados. Dreamworks volvió a arrasar las taquillas mundiales con dos potentes títulos, "Madagascar 2", una secuela mejorada del original y sobre todo por "Kung Fu Panda", quizás la mejor de todas las películas de animación hechas por la empresa hasta el momento y la película de animación más taquillera del año. Podéis repasar la entrevista con Manuel Almela sobre "Kung Fu Panda". 

Por su parte Blue Sky Studios confirmó las expectativas que habían en torno a "Horton (Horton hears a who!)", con una notable obra que con toda probabilidad verá extenderse en al menos un par de secuelas.

Pero de nuevo Pixar marca un nuevo hito con "WALL•E", una obra original, valiente y bastante arriesgada, a pesar de o precisamente por ello, pertenecer a la tradición de cine de gran espectáculo hollywoodiense. Una película de estética post-apocalíptica y mensaje ecologista, protagonizada por dos personajes no humanos y sin diálogos podría haber roto la ya prolongada racha de éxitos de crítica y público de la compañía. Sin embargo, la película no sólo se convierte en otro éxito sino que viene una vez más a situarlos un paso más allá como avanzadilla de la animación 3D.

Y por otro lado, "Bolt", el primer largometraje de animación de Disney bajo la dirección de John Lasseter. La película, con unos resultados en taquilla más modestos que los títulos anteriormente mencionados, es un excelente y fascinante cruce entre el universo de "Toy Story" y  el de "El show de Truman".

Otros largometrajes han sido "The tale of Desperaux", una visualmente interesante propuesta con cierto aire europeo distribuida por Universal; "Space Chimps", una comedia espacial basada en los diálogos y que no ha funcionado especialmente bien, a pesar de su buen acabado técnico; el salto a largometraje de la serie de animación "Star Wars: Las guerras clónicas"; y la muy decepcionante "Igor" de MGM. Por otro lado, el largometraje "Delgo", que comenzó su rodaje en 1999, se ha llevado el ignominioso récord de peor estreno para un largometraje comercial del mercado norteamericano, y en un estrepitoso fracaso comercial.

Como vemos la tendencia otro año más en el mercado norteamericano ha sido compartimentar el 3D para largometrajes de animación y el 2D para series de televisión. Sólo la "escuela neoyorquina" llega a contradecir esta tendencia con dos largometrajes, y aunque ninguno de los dos pertenece al ámbito comercial, ambos han cosechado excelentes críticas y premios por festivales de medio mundo: tanto "Sita sings the blues" el primer largometraje de la artista de Flash, Nina Paley, como "Idiots and Angels" de Bill Plympton han sido realizados de forma artesanal, confirmando una tendencia creciente de artistas autosuficientes capaces de crear largometrajes sin ayuda de terceros en el terreno de la animación.

Fuera del ámbito estadounidense han sucedido también cosas interesantes, aunque no muy relevantes: 

La producción belga "Fly me to the moon", se convierte en el primer film europeo realizado en 3D estereoscópico. La película, con una animación muy pobre y un guión bastante endeble, consigue gracias a un excelente márketing colarse en el mercado norteamericano y rentabilizar la operación. Por otro lado, la francesa "Dragon Hunters", un más que digno largometraje de aventuras en 3D, no consigue lo mismo, a pesar de merecerlo mucho más. El otro largometraje francés digno de mención es "Peur(s) du noir", un desigual pero muy estimulante intento de hacer animación de terror.

Este año Miyazaki estrenó "Ponyo", su película más tranquila y amable en muchos años, con notable éxito popular y crítico.
La sorpresa del año ha sido la de "Waltz with Bashir", un documental de animación israelí sobre la guerra del Líbano de 1982 que ha recogido algunos de los más importantes galardones internacionales, incluyendo el Globo de Oro a la mejor película extranjera. La película recoge el testigo de "Waking Life" y "A scanning dark" de Linklater, al vincular una temática áspera y para adultos con la animación por rotoscopia, una tendencia que probablemente tenga algunos seguidores más en el futuro.

En España, a diferencia de en Estados Unidos, la producción animada propia ha tenido poquísimo tirón en taquilla, frente a otros títulos extranjeros. Así pues, "El espíritu del bosque" de Dygra Films, el título de animación más visto del año, se sitúa en el puesto 139 de la taquilla española. A continuación encontramos "El ratón Pérez 2" (puesto 155); la granadina "El lince perdido", con Raúl Díaz como codirector y apoyos de Antonio Banderas (puesto 159); la sevillana "Mocland, la leyenda del Aloma", primer 3D andaluz, una adaptación de la serie de televisión (puesto 209); "La crisis carnívora", primer largometraje hecho en Flash en nuestro país (puesto 284); la nueva producción de Baleuko, "Olentzero y el tronco mágico" (puesto 314); y "RH+ El vampiro de Sevilla" (puesto 346). Aún quedan por saber cómo funcionarán la extremeña "Animal Channel" de Maite Ruíz de Austri (con estreno en 2009), y "El zorro de San Adrián" de Juan Bautista Berasategui, estrenada en los últimos días de 2008. 
De todo esto se deduce que el espectador español tiene una pobre percepción del cine de animación español y que en general, o lo desconoce o no le resulta suficientemente atractivo. Ha sido un año negativo para el cine de animación español, con una tendencia a la baja en recaudación respecto a años anteriores.
Fuentes: IMDB y Box Office Mojo.

Cosas previsibles en el 2009: más superhéroes y películas inspiradas en videojuegos; más largometrajes y más cines equipados con 3-D. Lo más interesante será ver si el esperado regreso del 2D a los largometrajes de animación comerciales aportará algo nuevo al público, y si sobre todo, será capaz de poner fin al largo decenio del 3D en el largometraje animado. Tal y como se aventuran los tiempos, creemos que no, aunque viendo el tráiler de "Up", es posible que algunos reinados estén llegando a su fin o al menos, atraviesen pequeños contratiempos.