Entrevista con Ignacio Ferreras
1. ¿De dónde proviene tu interés por la animación?
De pequeño siempre dibujaba y leía cómics, sobre todo franceses/belgas: Spirou, Los Pitufos, Tintín, Asterix... Luego empezó a interesarme el cine de acción real y al mismo tiempo descubrí el manga de la mano de Akira, y durante un tiempo mi interés se centró en el cine de acción real y el cómic. La animación siempre me había gustado mucho pero para mí era algo completamente fuera de mi mundo, algo que se hacía de forma misteriosa en "el extranjero". Cuando tenía 19 o 20 años me fui a Australia por un año con la idea de estudiar cine pero en vez de eso trabajé allí como ilustrador freelance y cuando volví a España sin tener una idea muy clara de que hacer, un amigo me pasó un anuncio de una escuela de animación que se abría en Madrid en esos momentos. La experiencia en esa escuela fue más bien catastrófica, pero me despertó el interés y acabé estudiando un curso de animación en Inglaterra. A partir de entonces he estado trabajando más o menos dentro del mundo de la animación, ya sea haciendo storyboards, animando, dirigiendo o dando clases.
Dentro de la animación sobre todo el cine de animación japoné, especialmente las películas de Studio Ghibli de Hayao Miyazaki, Isao Takahata y Yoshifumi Kondo. También me han influenciado mucho las películas de Satoshi Kon, Masaaki Yuasa y Mamoru Hosoda. Fuera del anime me gusta mucho el trabajo de Sylvain Chomet y los cortos de Chuck Jones. No soy un gran fan de las películas de Disney, con las excepción de Dumbo, que si me parece una película extraordinaria.
En general suelo ver mas películas de acción real que de animación y sobre todo "clásicos" de Kurosawa, Ozu, Kubrick, William Wyler, Chaplin, etc. Del cine actual diría que los dos directores que mas me interesan en estos momentos son Zhang Yimou y Hirokazu Koreeda.
Otra influencia muy importante para mí es el cómic y sobre todo el manga japonés. Si tuviese que elegir uno de entre los muchísimos autores que me han influenciado creo que me quedaría con Naoki Urasawa.
3. How to Cope with Death es un corto muy sencillo pero al mismo tiempo tremendamente ambicioso, que demuestra tu capacidad para poner en pie una puesta en escena con un gran sentido cinematográfico. En este caso, resulta curioso compararlo con otro cortometraje nacional posterior también de gran éxito como es La dama y la muerte, del que parece casi la inversión temática a partir del mismo tema. ¿En qué condiciones realizaste este cortometraje y qué aspectos te interesaban más del mismo?
How to Cope with Death lo realicé en Londres como parte de un programa que por aquel entonces tenia Channel 4 del Reino Unido. Gracias a esto conté con un presupuesto de animación comercial y la producción de un estudio profesional. A pesar de esto el estilo era tan complicado y trabajoso que el presupuesto se acabó y tuve muchos problemas con la productora. De hecho tuve que simplificar la historia que en un principio tenía tres personajes: la anciana, la muerte y una mosca. Ya había animado todo el corto con los tres personajes pero al empezar a pasar la animación en limpio vi que me estaba eternizando con la mosca, que tenía un diseño muy complejo con muchos pelos y detalles, y al final decidí cambiar un poco la historia y quitar la mosca. Fue una lección de humildad... desde entonces soy un gran fan de los diseños sencillos y la animación limitada.
4. A pesar de que el largometraje comercial parece apostar cada vez más fuerte por la animación digital 3D, tanto en How to Cope with Death como en Arrugas has trabajado con animación dibujada. ¿Se trata de una cuestión estética, de gusto, o simplemente casualidad? ¿Qué opinión te merecen las otras técnicas de animación y qué crees que puede aportar hoy en día la técnica del 2D?
Aunque como digo me interesa el 3D creo que el 2D tiene grandes ventajas respecto al 3D, y ciertamente todas mi peliculas favoritas son 2D, no 3D. La verdad es que son dos medios distintos y ofrecen distintas ventajas y desventajas; la idea de que el 3D ha "superado" al 2D es absurda. Las películas de Mizayaki o Takahata, o películas como Les Triplettes de Bellville de Sylvain Chomet, Mindgame de Masaaki Yuasa o Summer Wars de Mamoru Hosoda son imposibles de imaginar en 3D.
Paradójicamente creo que el 2D es mucho mas realista que el 3D, se acerca mucho más al cine de acción real y permite contar historias mucho más dramáticas que el 3D. Tiene una gama expresiva mucho más amplia que el 3D y el espectador "colabora" con el 2D de una forma que no ocurre con el 3D, pone más de su parte y rellena, por así decir, los espacios vacíos. En 3D hace falta dárselo todo hecho al espectador, no hay tanta cabida para la estilización, tanto de las imágenes como de la animación.
Desgraciadamente en América y Europa se está cayendo en un círculo vicioso en el que cada vez se hace menos 2D, en parte por una percepción equivocada de que el publico solo responde al 3D, y en parte porque cada vez hay menos gente capacitada para hacerlo y montar una producción en 2D es cada vez más difícil. La buena animación en 2D requiere estudios con plantilla muy estable donde los animadores puedan desarrollar un estilo común a lo largo de los años, mientras que las producciones de 3D se adaptan mejor a la movilidad de los estudios de hoy en día, por desgracia.
Pero a nivel global, en países como Japón o Korea donde sí existe una continuidad de trabajo con la que mantener estudios estables, la animación en 2D goza de excelente salud.
Cada técnica de animación tiene algo distinto que ofrecer, ya sea 2D, 3D, o puppet animation; cada una aporta cosas distintas y te ofrece distintas herramientas con las que trabajar.
La única técnica de animación que no acaba de convencerme es el motion-capture que últimamente parece estar poniéndose de moda. Sin entrar en el debate de si se la puede realmente llamar animación o no, es una técnica que me parece produce resultados muy fríos, movimientos muy torpes. La verdad es que aun no he visto Tintín pero lo que he visto en el trailer me parece horripilante; es como una película interpretada por zombis.
Para mí la técnica ideal es algo como Tekkonkinkreet de Michael Arias que combina lo mejor del 2D en cuanto a grafismo y animación con la cámara y posibilidades espaciales del 3D.
5. Tras la experiencia del cortometraje, pasas a dirigir un largometraje. ¿Cuáles han sido las principales diferencias entre trabajar con un formato y otro?
Quizá para mí la diferencia más notable ha sido el tener que dirigir el trabajo de otra gente. En los cortos trabajas tú solo o con un grupo muy restringido pero en un largometraje estás trabajando con mucha gente y a menudo tratas con ellos a través de intermediarios, así que el nivel de control que tienes, sobre todo cuando el presupuesto es limitado como en Arrugas, es mucho menor que en un corto. También obviamente la proporción de trabajo que puedes hacer tú personalmente es mucho más limitada. En el caso de Arrugas elegí concentrarme en realizar el storyboard y la animatica, lo que supuso estar menos involucrado en la animación o el layout, algo que en un principio "sufrí" bastante; uno quisiera estar en todo, pero al final no es posible.
Por otro lado, desde un punto de vista creativo creo que son experiencias más similares de lo que pueda parecer en un principio en el sentido de que para mí cada secuencia de un largometraje es un poco como un cortometraje. Casi podría decirse que un largometraje es una sucesión de 45 o 50 cortometrajes interconectados. Creo que si cada secuencia por separado tiene una buena estructura, es decir, si es un buen "corto" y si la conexión de secuencia a secuencia es buena, la estructura general de la película sale prácticamente "sola" siempre y cuando uno evite repetirse y tenga una idea clara de adonde debe ir la historia.
6. Arrugas es uno de los largometrajes de animación españoles más esperados de los últimos años, un proyecto con una aureola de prestigio desde la publicación del cómic de Paco Roca. ¿Qué dificultades ha planteado su adaptación cinematográfica? ¿Hasta qué punto la fidelidad al texto y a la estética de la obra original ha condicionado/favorecido al largometraje?
Una adaptación es una adaptación, y creo que no tiene sentido alejarse de la obra original más que lo justo para que funcione bien en otro medio. La intención fue siempre mantenerse tan cercano al cómic como fuera posible, tanto en la estética como en la historia. Obviamente hay diferencias y también había el riesgo de hacer una adaptación demasiado literal que no sacase partido a los elementos que el medio cinematográfico puede aportar a la historia. Por suerte la gran ventaja de la animación es poder trabajar con el storyboard y la animatica y tener la libertad de probar muchas opciones distintas hasta encontrar lo que funciona bien en pantalla, que no siempre es igual que lo que funciona en viñetas. Creo que lo mejor es partir con la intención de contar exactamente la misma historia del cómic pero una vez has empezado a trabajar en la animática, olvídate del cómic y concéntrate en lo que estás viendo en pantalla.
Lo peor... las películas hechas con motion-capture. El motion-capture es una herramienta útil dentro de una película 3D, lo mismo que el rotoscopiado es una herramienta útil dentro de una película 2D, pero yo no creo que pueda llevar el peso de una película; es la versión "fast food" de la animación.
La verdad es que conozco poco el panorama de la animación en España porque hasta Arrugas siempre había trabajado en el extranjero. Mi opinión personal es que la salud de la industria de la animación en un país depende sobre todo de hacer buenas películas dirigidas a su propio mercado interno, y que para que una película de animación española sea buena no puede imitar una película de animación americana, o japonesa, sino que tiene que encontrar su propia voz. Miyazaki hace películas muy japonesas, Chomet películas muy francesas, Nick Park películas muy inglesas y los alemanes películas como Werner que son, afortunadamente, completamente desconocidas fuera de Alemania pero que tienen gran éxito allí.
Aunque pueda ser económicamente rentable hacer en España películas como Planet 51 que están dirigidas al mercado norteamericano, desde un punto de vista creativo creo que es un callejón sin salida y a la larga no funciona. Es ingenuo pensar que como las películas americanas se venden en todo el mundo, si queremos vender en todo el mundo tenemos que hacer películas "a lo americano". No creo que el futuro de la animación en España esté en falsificar películas americanas.
Es posible que hasta hace poco el mercado español no fuera lo bastante grande y los costos de un largo de animación demasiado elevados como para hacer rentable una película de animación dirigida principalmente al mercado interno, pero a medida que los costos se abaratan creo que veremos más películas de animación españolas auténticamente españolas que obtengan éxito en el mercado nacional y contribuyan a crear una industria más estable. Paradójicamente creo que una buena película de animación española que haya sido concebida para el mercado español tendrá muchas mas posibilidades de tener éxito fuera de España que una película pensada para la exportación. A otros países les interesa ver algo que ellos no tienen, no una imitación pobre de algo que ellos hacen mejor.
¿Se puede ser optimista? Bueno, mientras hay vida hay esperanza...
Les aconsejaría que se busquen un trabajo de verdad con jubilación y vacaciones pagadas antes de que sea demasiado tarde... es lo que estoy intentando hacer yo. Pero si esto no (nos) funciona, diría que el trabajo de director es sobre todo trabajo de storyboard y a la hora de hacer storyboards los grandes maestros en el mundo de la animación son los japoneses. Como consejo concreto les recomendaría que estudiasen los storyboards de Miyazaki, que en Japón están publicados en forma de libros y que creo se pueden obtener a través de internet (quizá buscando por "E-konte" que es la palabra que usan en Japón para referirse a los storyboards).
Ignacio Ferreras, aparte de ser el director "Arrugas", el largometraje de animación producido por Perro Verde Films (cuyo estreno está previsto para el 27 de enero de 2012), es también un animador de gran experiencia internacional.
Destaca su trabajo en el largometraje de Sylvain Chomet "The Illusionist", (2010), el segmento "1000c SMS Finals", que dirige y anima para "Tokyo Onlypic 2008" (2008) y su trabajo de storyboard en el largometraje "Asterix and the Vikings" producido por A Film (2004).
En 2002 completa su premiado corto "How to Cope with Death", como creador, animador y director, encargado por Channel 4 y ganador del premio “Jean-Luc Xiberras” al mejor primer cortometraje en Annecy 2003, además de otros 22 premios internacionales.
Desde el 2005 compagina su labor profesional con la docencia, dando clases y conferencias en el prestigioso Animation Workshop (Dinamarca), la National Film School of Denmark, y en el Volda University College (Noruega).
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