Takashi Murakami, una de las figuras principales del arte contemporáneo japonés, cumple hoy medio siglo. Uno de los aspectos más interesantes de Murakami es su voluntad de cruzar fronteras entre medios artísticos, lo que le ha hecho asimilar elementos del anime, diseño gráfico y arte contemporáneo en una gran cantidad de esculturas, pinturas y piezas de animación. Por ejemplo, sus piezas de animación Superflat Monogram para la marca Louis Vuitton están a medio camino del producto publicitario y la pieza de arte.
Ahora, el blog Blouin ArtInfo ha anunciado que Murakami está preparando un cortometraje de animación 3D con un monstruo inspirado en Godzilla y que tiene relación con el desastre natural y atómico que tuvo lugar en marzo de 2011 en Japón. Será una comedia titulada Mememe no kurage (Ojos de medusa), sobre un niño que tras el terremoto se muda con su familia a una "ciudad experimental", donde cada niño es juntado con un pequeño monstruo. El sentimiento de rabia del niño proporciona al monstruo un gran poder, convirtiéndolo de un pequeño acompañante a un ser gigantesco que derrriba edificios y se adentra en un bosque místico.
La pintura Mememe no kurage que servirá de base para el cortometraje de Takashi Murakami.
Según Murakami, se trata de una obra destinada a los niños, por lo que tendrá un aspecto muy infantil. Para él, los efectos especiales comenzaron siendo un aspecto secundario dentro de la industria del cine destinado a entretener a la gente, pero ahora se trata de un elemento muy importante y cree que algo parecido ocurrirá dentro del mundo del arte contemporáneo pronto.
Hoy se celebran varias efemerides especiales para el mundo de la animación. La primera, y más luctuosa, los cinco años sin Joseph Barbera, una de las personalidades claves de la animación del siglo XX. El 18 de diciembre de 2006 desaparecía el mítico cofundador junto a William Hanna del estudio de animación más influyente en Estados Unidos de la segunda mitad del siglo pasado, Hanna-Barbera.
Barbera se inició en el mundo de la animación en 1932 en los estudios Van Beuren. En 1937 entra en el departamento de animación de Metro-Goldwyn-Mayer, donde conoce a William Hanna. Juntos crean y animan los personajes de Tom y Jerry, que les lleva a ganar hasta siete veces el Oscar al mejor cortometraje de animación. En 1957, y tras la disolución del departamento de animación de MGM, los dos socios se dan cuenta que el negocio está en la televisión y crean Hanna-Barbera. Bill Hanna describe a Joseph Barbera en su biografía A Cast of Friends, como
una personalidad opuesta a la mía, (…) [Joe era] un espabilado neoyorquino de desenvuelta y elegante rimbonbancia. (…) Joe sentía una gran afinidad por los encuentros sociales de Hollywood desde sus primeros años de nuestra asociación profesional. Las fiestas glamurosas y los parpadeantes eventos del show business siempre fueron un ambiente ideal para Joe, y su estilo para manejarse en estos círculos le ganaron numerosos amigos con personas importantes de la industria del cine y la televisión. (…) Joe Barbera y yo raramente nos veíamos fuera del trabajo.
Por otro lado, hoy también cumple años Steven Spielberg y Leonard Maltin (Brad Pitt y Alejandro Sanz no tienen nada que ver con la animación, pero también cumplen años).
Spielberg, que cumple hoy 65 años, es uno de los directores norteamericanos más influyentes de la industria cinematográfica de las últimas décadas, sobre todo para el desarrollo de efectos especiales, con títulos esenciales para el desarrollo tecnológico de la animación como Parque Jurásico, Inteligencia Artificial o Tintín y el secreto del unicornio y en Pero ¿quién engañó a Roger Rabbit?, El pequeño Sherlock Holmes, Casper o las tres entregas de Transformers como productor. Spielberg es uno de los cofundadores de DreamWorks, aunque esto no ha impedido que su vinculación con Disney/Pixar sea cada vez más estrecha, como demuestra el estreno el 25 de diciembre de este año de Caballo de batalla (War Horse, 2011), una película que será distribuida por Touchstone.
Leonard Maltin es uno de los principales historiadores de la animación norteamericana y uno de sus mayores difusores. Maltin ha publicado varios libros de animación, entre ellos el excelente Of Mice and Magic: A History of American Animated Cartoons (1980), aunque es mucho más conocido entre el gran público por su guía de películas anual (Leonald Maltin's Movie Guide), similar a la Guía de vídeo cine del crítico español de Carlos Aguilar. En el vídeo puede verse su estilo comunicativo, muy erudito, pero también apasionado y divulgativo.
Hoy es el 150 aniversario de Georges Méliès, una de las figuras capitales en la historia del cine, el padre fundador de la técnica stop-motion y responsable de algunas de las primeras obras maestras del cine.
La intención primera de Méliès era la de convertirse en prestidigitador teatral, un sueño que cambió al asistir a la primera sesión del cinematógrafo proyectada por los hermanos Lumière. Básicamente, Méliès descubrió que podía volcar todas sus aspiraciones en el nuevo aparato y convertirse así en una especie de "mago cinematográfico".
Méliès tuvo mucho éxito durante la primera década de 1900, no solo por Viaje a la Luna, uno de sus títulos más conocidos, sino por toda una avalancha de películas, en las que iba descubriendo todo tipo de efectos y trucos cinematográficos, como la técnica de la sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, la exposición múltiple del negativo o doble sobreimpresión y los fundidos a negro y desde negro. Su forma de entender el cine encaja de pleno con lo que algunos teóricos han definido como "cine de atracciones", dándole más importancia a los trucos y al propio espectáculo de efectos que a la narración y a las historias.
Esto hace que la influencia de Georges Méliès no sea tan lejana como podría pensarse. De hecho, buena parte del cine contemporáneo basado en los efectos especiales y en las sensaciones fuertes podría considerarse como una vuelta al llamado "cine de atracciones".
Dentro del cine de animación, su manera de utilizar la pixilación y la técnica de sustitución siguen siendo actuales y podría compararse a la de modernos autores hoy en día. Sin ir más lejos, Luminaris de Zaramella es una revisión art-decó del universo de Méliès.
Méliès fue muy mal empresario y su fama se había desvanecido completamente a comienzos de la primera década de 1910. Tras un período de extrema pobreza, Méliès es redescubierto por la vanguardia parisina de la década de 1920 y de alguna manera, hasta su muerte en 1938, se suceden los homenajes y los honores.
Walt Disney, una de las figuras capitales de la historia de la animación norteamericana, hubiese cumplido hoy 110 años de estar vivo. Una figura controvertida, amada y odiada a partes iguales por su forma de entender la animación, muchas son las leyendas que rodean tanto su nacimiento como su muerte.
Una de las más persistentes es la de que Walt Disney podría haber sido andaluz, teoría alimentada por personas muy cercanas al famoso productor y por el hecho de que no existe certificado oficial de nacimiento de este. Aunque oficialmente Walt nació en Chicago en 1901 de Elias Disney y Flora Call, la localidad almeriense de Mojácar (España) lleva décadas intentando demostrar que en realidad su nombre real fue José Guirao Zamora, y que sus padres eran en realidad una lavandera y un médico de la zona. Muchos medios internacionales recuperaron esta historia en su 100 aniversario, aunque los defensores acérrimos del americanismo genuino de Disney siguen negando en redondo este rumor.
Existe otra falsa creencia entre el gran público que considera que Walt Disney fue el "dibujante" de todas los personajes de su compañía. En realidad, Disney ni siquiera creó a su personaje más conocido, Mickey Mouse, aunque sí fue su voz durante sus primeros 17 años de vida y el personaje con el que más se identificaba. Little Red Riding Hood (1922), fue su primer trabajo como director de animación en su primera empresa, Laugh-O-Grams, mientras que The Golden Touch fue su última -y desafortunada- experiencia como director de animación.
Ante la evidencia de que sus empleados trabajaban más rápido y mejor que él, Disney prefirió concentrarse en aquello que mejor se le daba: la producción de animación y la promoción de su compañía como estudio independiente de Hollywood, tareas en las que sobresalió con creces. The Walt Disney Company, la compañía que fundó en 1923 y que actualmente aglutina todos sus negocios de cine, televisión, parques temáticos y merchandising, continúa siendo enormemente rentable, ya que en el ejercicio fiscal de 2011 ha experimentado un aumento del 21% en el beneficio neto, hasta los 4.807 millones de dólares.
Mark Twain cumpliría hoy 176 años, y Google lo celebra con otro de sus famosos doodles, tal y como ya hizo hace poco con la ilustradora Mary Blair y el animador Art Clockey.
Mark Twain es uno de los escritores más estimados en los Estados Unidos, autor de clásicos de la literatura como Tom Sawyer o Huckleberry Finn. Su aspecto excéntrico y su carácter mordaz e irreverente bastarían para convertirlo en una personalidad literaria más que interesante. Sin embargo, son las extrañas condiciones de su muerte y la autopredicción que el propio Mark Twain hizo de esta (afirmó que al haber nacido con el paso del cometa Halley en 1835, moriría cuando este regresara a la Tierra en 1910; Twain murió finalmente un día después de su paso).
La obsesión por el cometa Halley es la base argumental de uno de los más hermosos homenajes que se le puedan hacer al padre de la literatura norteamericana (según William Faulkner): el largometraje de animación stop motion con plastilina The Adventures of Mark Twain, dirigido por Will Vinton en 1986 y al que algunos historiadores de la animación como Michael Medvid consideran como "el más audaz y original desde 'Fantasía'".
En Animaholic pensamos que no existe mejor forma de honrar al escritor y seguir disfrutando de la animación en el día de hoy.
Hoy se celebra el centenario del nacimiento de una de las diseñadoras artísticas de los estudios Disney más admiradas y referenciadas de la actualidad, Mary Blair, que cuenta incluso con un magnífico libro editado por John Canemaker, The Art and Flair of Mary Blair.
Mary Blair trabajó en Walt Disney Studios durante casi tres décadas, y aunque su contribución real siempre se vio un tanto empañada por el conservador estilo y forma de ser de la productora, es posible detectar su presencia en producciones como La cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951) y Peter Pan (1953). Fue sin embargo en los parques temáticos de Disney donde realizó sus contribuciones más conocidas, como todo el diseño de producción de It's a Small World.
El hecho de ser una mujer con una fuerte personalidad estética en un mundo tan tradicionalmente cerrado a las mujeres, como es el de la animación, quizás hace más relevante su figura en el contexto de las décadas de 1940 y 1950. Su influencia en ilustradores y diseñadores contemporáneos es igualmente enorme, quizás mucho más intensa de lo que pudo ser en su día.
A pesar de que en España el 12 de Octubre se celebra el Día de la Hispanidad, o lo que es lo mismo, la llegada de Cristóbal Colón a las Antillas y por extensión, a tierras americanas, Google ha considerado mucho más interesante celebrar el 90 aniversario de uno de los animadores de stop-motion en plastilina más conocidos por el público norteamericano, Art Clokey.
El homenaje a Art Clokey y la serie Gumby creado por Google.
Clokey es autor de la serie Gumby (1955-1989), que fue muy popular en los Estados Unidos durante la década de 1950. Junto a esta serie, Clokey también creo interesantes cortometrajes de animación para adultos, como The Clay Peacock (1963), Mandala (1977) o el corto de juventud Gumbasia (1955), que creó como homenaje al largometraje Fantasía (1940) y de donde procede también su personaje más conocido. Sin duda alguna, una figura justamente celebre de la técnica, con un estilo aparentemente ingenuo, muy dinámico y de una influencia aún enorme en las generaciones actuales.
Joseph Barbera, en una fotografía sin fecha publicada por Warner. (Probablemente de la década de 1980).
Joseph Roland Barbera, más conocido como Joe Barbera, una de las mitades creativas de Hanna-Barbera (actualmente Cartoon Network Studios), hubiese cumplido 100 años de seguir vivo hoy. Barbera nació un 24 de marzo de 1911 en Manhattan en una familia italoamericana. Comenzó trabajando como caricaturista para la prensa, aunque rápidamente entró a la industria de la animación, pasando por los estudios Fleisher,Van Beuren y Terrytoons antes de marcharse a California para entrar en el departamento de animación de Metro Goldwyn Mayer en 1937. Allí conoció al que sería su socio de por vida, William Hanna. Juntos crearían Tom & Jerry, unas de las parejas más populares de la historia de la animación, en la que trabajarían durante 17 años, realizando unas 114 piezas con ellos, que obtuvieron siete Oscars de un total de catorce nominaciones al Mejor cortometraje de animación.
La secuencia de baile de Jerry con Gene Kelly en Levando anclas (Anchors Aweigh, 1945, George Sydney) está considerada un importante logro tecnológico, al ofrecer la más perfecta sincronización entre imagen real y animación hasta ese momento.
Con el cierre de 1957 del departamento de animación en MGM debido a la crisis que supuso la popularización de la televisión, tanto Joe Barbera como William Hanna ven más ventajas que inconvenientes al nuevo invento y abren la productora de animación para televisión que dominaría el sector durante la segunda mitad del siglo XX, Hanna-Barbera, en la que darían vida a una multitud de personajes igualmente populares como Huckleberry Hound, el Oso Yogi o los Picapiedras. Sin embargo, el más importante legado del estudio fue encontrarle un uso industrial a la animación limitada.
La animación limitada había sido popularizada por estudios como UPA, pero fue realmente el estudio Hanna-Barbera el que consiguió darle una aplicación práctica. Esta forma de trabajo consiguió bajar enormemente el tiempo y el dinero necesarios para producir animación: de los 35.000 dólares y 19.800 dibujos que costaba realizar siete minutos de animación para Tom & Jerry, un episodio de cinco minutos para Ruff and Reddy no costaba más de 5.000 dólares y 600 dibujos, según cuenta Hanna Barbera en su libro autobiográfico A Cast of Friends (1999, pp. 81-83). El sistema permitía asimismo la creación de bibliotecas y la reutilización constante de los celuloides, de tal manera que a mayor cantidad de capítulos, más eran capaces de reducir tiempos y costes. Esta forma de trabajo está en la base de la actual industria digital de la animación para televisión y web.
Para Barbera, la animación era sobre todo una forma artística escapista, que permitía a la gente olvidarse de los problemas diarios:
la animación es un alivio sobre lo que sucede en el mundo. Uno se levanta por la mañana y enciende la radio, y oye que un puente desapareció en Albany (Nueva York), una bomba ha explotado aquí y que hay una inundación sobre la Costa Este. Entonces encienden la televisión y lo ven todo. A todo color, nada menos; ¿Dónde está el alivio? Esto es lo que hacemos: proveemos alivio en un producto de fantasía. Es importante hacer que la gente olvide lo que está pasando.
Fotografía de 1960 de la pareja publicada en la revista Time. Joseph Barbera, a la derecha.
La mayoría de los personajes creados por el dúo reflejan el sentido de compañerismo y amistad que formó parte de su unión comercial durante más de sesenta años. Sin embargo, Barbera tenía una personalidad muy diferente de la de Hanna y mientras que el círculo de amistades del segundo se centraba más en otros profesionales de la animación, Barbera siempre tuvo un mayor interés por las celebridades y los actos sociales de Hollywood, la buena vida y el lujo. Esto hizo que su unión fuera estrictamente laboral y jamás compartieran su tiempo de ocio.
Tanto Joe Barbera como William Hanna continuaron al frente de su compañía hasta 1991.
El 18 de diciembre de 2006 fallecía en su casa de Los Angeles a los 95 años de edad, dejando tres hijos de su primer matrimonio.
“Espero que la gente me recuerde como el creador de varios personajes cálidos, divertidos y amados, los cuales puedan hacer que todo mundo sea feliz y sonría”, comentó el artista en una entrevista para la Archive of American Television, en 1997. Joseph Barbera publicó su autobiografía My Life in Toons: From Flatbush to Bedrock en 1994 , no traducida al castellano.
El cortometrajeTortoise Beats Hare (1941, Tex Avery), donde apareció por primera vez el personaje de la tortuga Cecil, cumple hoy setenta años desde su estreno. Esta adaptación de la conocida fábula deEsopo fue el tercer cortometraje de Bugs Bunny y el primero con él como absoluto protagonista. No es la primera adaptación animada de esta fábula, ya que el propio Tex Avery había dirigido en 1935 una versión de La liebre y la tortuga en los estudios Disney. Resulta curioso comprobar las diferencias entre esta versión y la realizada sólo dos años más tarde, Tortoise Wins By A Hare (1943, Bob Clampett), básicamente una reactualización del cortometraje anterior con unos diseños de personajes ya totalmente estabilizados.
El segundo cortometraje muestra a Bugs "revisionando" el final del primer corto, con la victoria de la tortuga sobre Bugs (obviando el truco principal, que no era una tortuga sino diez las que le ganaban).
Lo más interesante del personaje de la Tortuga Cecil es que es de los pocos personajes que consiguen alterar el rol habitual de Bugs Bunny, que pasa de ser un provocador a convertirse en un símil histérico de Daffy Duck.
La Tortuga Cecil sólo tendrá una tercera y última aparición cinco años más tarde en el cortometraje Rabitt Transit (1947, Friz Freleng), volviendo a vencer a Bugs Bunny, siendo el único personaje en la historia de Looney Tunes que consigue hacerlo.
Lola & Virginia, la serie creada por Imira Entertainment, cumple hoy cinco años de su primera emisión en España. La serie ha sido vendida a más de veinte países, como Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Rusia, China, todos los países árabes del Mediterráneo o la totalidad de América Latina. Imira Entertainment fue creada en 2003 con el nombre de Icon Animation por Myriam Ballesteros y Sergi Reitg y desde entonces se ha convertido en una de las más importantes empresas relacionadas con la animación en España. Imira cuenta con uno de los catálogos de distribución más extensos de todo el panorama nacional y su capacidad de penetración internacional ha sido alabada con múltiples premios, como el premio Cartoon Forum en 2006 al mejor inversor europeo.
La película El puño de la Estrella del Norte (Gekijōban Seikimatsu Kyūseishu Densetsu Hokuto no Ken, 1986, Toyoo Ashida) se estrenó tal día como hoy hace 25 años en Japón. El largometraje adaptaba una serie de televisión de gran éxito, que a su vez provenía de un manga muy conocido de Buronson y Tetsuo Hara. A diferencia de la serie para televisión, que censuraba muchos de los contenidos más polémicos del manga, al film se le sigue considerando uno de los animes más violentos de todos los tiempos, así como uno de los más representativos de su estilo. La película fue producida porToei Animation y se estrenó varios años más tarde en Estados Unidos, en 1991, causando cierta polémica por su exacerbada violencia.
El 3 de febrero de 1986 se producía uno de los hechos decisivos de la historia de la animación contemporánea: la compra por parte de Steve Jobs a George Lucas de una pequeña división de efectos especiales de Lucasfilm, dirigida por John Lasseter y Ed Catmull. De aquí surgió la empresa que tan sólo quince años había forzado la transformación más grande de la animación comercial desde la irrupción de Walt Disney. Había nacido Pixar Inc., que cambiará su nombre a Pixar Animation Studios una década más tarde.
Hoy, 6 de diciembre, Joe Hisaishi, compositor habitual de Hayao Miyazaki, cumple 60 años. Es un motivo especial para recordar su música, sin duda alguna una de las más inspiradas e inteligentes de todo el universo animado.
Hoy se celebra el cincuenta aniversario del estreno en la ABC de The Flinstones (Los Picapiedra), la serie creada por William Hanna y Joseph Barbera y también la primera serie de animación que tuvo éxito en horario de máxima audiencia. Lo más popular de la serie era sin duda la ingeniosa transposición de la vida moderna, con sus artilugios y tecnología, en un contexto supuestamente prehistórico.
Esta es la primera intro del programa, menos conocida que la segunda, que fue utilizada a partir de la segunda temporada de 1961.
La personalidad de Fred Flintstone (Pedro Picapiedra) es una de las memorables de toda la historia de la televisión, con su grito característico -Yaba Daba Dú- y su carácter bonachón y testarudo.
En las dos primeras temporadas, la serie tuvo a los cigarrillos Winston como patrocinador. La imagen de personajes de animación fumando puede extrañar hoy en día, pero es un reflejo de la sociedad norteamericana de los 60 y de hasta qué punto el show no se dirigía a niños sino a sus padres.
En total, la serie duró unas seis temporadas, con un total de 166 episodios, todo un récord para una serie de animación, y su estatus de serie mítica permaneció prácticamente inalterado hasta la llegada de Los Simpsons. De hecho, las semejanzas entre ambas series son más que evidentes: ambas tienen como protagonistas a una familia, Pedro Picapiedra y Homer Simpson tienen características muy similares y la crítica a la sociedad contemporánea es el centro del show.
Un 21 de septiembre de 1912 nacía en Spokane, Washington, Charles Martin Jones, más conocido como Chuck Jones. "Chuck", uno de los directores más influyentes de la historia de la animación fue animador, caricaturista, guionista, productor y director en los estudios Warner Brothers, siendo sus trabajos más conocidos los cortometrajes realizados para Looney Tunes y Merrie Melodies. Jones obtuvo un Oscar por el cortometraje The Dot and the Line (1965) y más tarde, otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica. Para conmemorar su cumpleaños, hoy os proponemos el documental "Chuck Jones Extremes & Inbetweens, A life in animation", que hemos encontrado íntegro con subtítulos en español.
