Leslie Iwerks, autora del documental "The Pixar Story".
Leslie Iwerks es la autora del documental The Pixar Story y nieta de uno de los nombres míticos de la animación, Ub Iwerks, creador del diseño original de Mickey Mouse, ha realizado algunas declaraciones curiosas al periódico bonaerense Diario Hoy. En ellas defiende que Pixar es el mejor estudio de animación actualmente, aunque se muestra bastante más reticente respecto al estado actual de la animación.
Sus críticas van sobre todo dirigidas hacia una excesiva homogeneidad estilística en la animación mundial,
(…) me gustaría ver algo diferente, otro movimiento, algo que sea más original. Todo está muy integrado, todo está en la misma sintonía y todo es un mismo tipo de animación (…)
una excesiva dependencia de la tecnología,
(...) La idea ahora está muy focalizada en gráficas de computadoras y yo aspiro a que los jóvenes aporten nuevas técnicas (...)
escepticismo sobre el 3-D,
(...) la verdad es que no sé qué tan necesario es para los cineastas. No sé hasta cuándo va a durar la moda del 3D (...)
y una gran interrogante sobre el futuro de Pixar.
(...) Está creciendo mucho, pero tiene un desafío, que es mantener sus estructuras y a la vez abrir nuevos caminos, nuevas miradas, renovarse, y eso es muy duro. Hoy necesita mantener el éxito previo y eso se torna una presión constante que no es muy divertido. Pixar tiene la presión de crear.
Lo curioso es que su abuelo fuera responsable de algunos de los más importantes avances tecnológicos de la animación, ya que fue él el que perfeccionó el sistema de cámara multiplano utilizado por Disney y desarrolló efectos de fotografía novedosos para la industria.
Aprovechando la llegada del solsticio de verano, vamos a recordar como a veces las ideas más geniales pueden estar a nuestro alrededor sin habernos fijado en ellas. La noche del 24 de junio, la más corta del año y que popularmente da inicio al verano, es también una de las noches con más tradiciones y festividades por todo el mundo. Considerada una noche mágica, es una de las pocas celebraciones claramente paganas y precristianas que aún perduran de una forma más o menos inalterada desde hace siglos. Shakespeare la usó en una de sus comedias más conocidas, "El sueño de una noche de verano", obra que a su vez sirvió de inspiración para Bergmanny Allen, así como para la libre adaptación realizada por Dygra Films en "El sueño de una noche de San Juan". Sin embargo, sigue existiendo una ingente cantidad de leyendas y material antropológico que jamás ha sido utilizado en animación y está esperando su turno: la historia de la Encantada, los Caballucos del Diablo navarros, la costumbre de saltar por encima de las hogueras para alejar a brujas y malos espíritus, o el particular escenario de las hogueras alicantinas, ambientes y ritos que sin duda podrían constituir un excelente punto de partida para muchas historias interesantes.
Mientras éstas llegan, nos contentamos con las imágenes del solsticio de verano desde Fairbanks, en la costa de Alaska.
El universo del holandés M.C.Escher es un buen ejemplo de las limitaciones del cine de imagen real frente a las ilimitadas posibilidades de la animación. Las torsiones lógicas que el artista imponía a sus universos, donde la noción de arriba-abajo o delante-atrás se ponía siempre en duda, es algo que sólo tiene sentido dentro de un universo gráfico, en este caso, la ilustración, el cómic o la animación.
Los problemas espaciales de Escher dan pie a uno de los aspectos más relevantes de la animación: lo prescindibles que se hacen las leyes físicas en el mundo de la animación, donde los seres no sólo pueden volar (todos los superhéroes), rebotar en el suelo tras una caída sin hacerse daño, vivir eternamente sin envejecer (cualquier personaje de una serie de animación) o ser reducido a polvo y fragmentos para recomponerse en seguida (cualquier cortometraje de Warner Bros.).
RAIMUND KRUMME, "Seiltänzer"
Algunos autores han explorado esta vía metafísica de la animación, para ofrecer universos donde las nociones físicas son difícilmente aplicables a las del mundo real. Uno de los mejores ejemplos constituye la obra completa de Raimund Krumme, el alemán al que se le ofreció un homenaje por su carrera en la última edición del FilmFest Dresden. Krumme, obsesionado con la obra de Escher, se lleva este problema a la animación, para ofrecer una interrogante continua sobre los problemas que la línea (una dimensión) ofrece cuando trata de mostrar la realidad (tres dimensiones) sobre un universo bidimensional, el papel. La española Isabel Herguera participó en "The Message", quizás su obra de madurez, aunque "Die Kreuzung" o "Seiltänzer" sean quizás más explícitos en este sentido.
JONATHAN BAIRSTOW, "Prophet and lo$$"
"Prophet and Lo$$" fue el debut de Jonathan Bairstow, un autor norteamericano, con un cortometraje muy de su época (era el año 1988), inspirándose en el mito de Orfeo y Eurídice. El corto, basado en la idea de eternos ciclos, revela como el artificio del ciclo, algo inequívocamente propio de la animación, en realidad es una de las más poderosas armas con las que cuenta un animador para romper el principio de realidad y verosimilitud. Es por eso por lo que los animadores 3D usan tan pocos ciclos, ya que se notan en seguida.
ZBIGNIEW RYBCZYNSKI, "Tango"
Otro corto insistiendo en la misma línea del ciclo como arma anti-naturalista y que justamente sirve de nexo entre la imagen gráfica y la fotográfica es el famosísimo "Tango" del autor polaco Zbigniew Rybczynski, ganador del Oscar en 1983. El corto está realizado con las fotografías recortadas de treinta y seis actores diferentes, superponiéndose en un ciclo imposible de acciones y espacio.
CAROLINE LEAF, "Two sisters"
El problema de la verosimilitud espacial es un tema realmente enorme dentro de la animación, ya que la afecta en lo más íntimo. Los famosos principios de Walt Disney fueron justamente creados para hacer lo más verosímil posible, dentro de las leyes físicas del mundo real, a cualquier personaje animado. Sin embargo, hay técnicas que conllevan esta ruptura en su base, como es el caso de la animación con arena o de pintura sobre cristal. Por ello, la obra de Caroline Leaf, una de las mejores exponentes de ambas técnicas, sería una investigación no consciente de la representación de espacios continuos.
"Two sisters / Entre deux soeurs", corto con un parecido temático a "The Pierce Sisters" de Luis Cook, es la historia de dos hermanas que viven en una isla tranquilamente hasta que su existencia se ve interrumpida por la llegada de un marinero.
JOSÉ ANTONIO SISTIAGA, "White Room Syndrome"
Un terreno donde esta cuestión se disuelve, por razones claras, es en la animación abstracta. José Antonio Sistiaga, el pintor abstracto español más interesado por la animación, cierra el tema con "The white room", porque en este terreno, las nociones espaciales o temporales dejan de tener sentido. Enlazo este cortometraje en vez de "Impresiones en la alta atmósfera", su obra más conocida, porque no he sido capaz de encontrar ningún video con suficiente calidad.
Una de los cortos estrella de varios festivales del año pasado. Se trata de una divertida, absurda y muy breve pieza realizada por Alexei Alexeev, un estudiante húngaro de Les Gobelins.
Estas imágenes corresponden al libro "Presto Pixar Little Golden Books", con material inspiracional creado por Teddy Newton para el cortometraje. Como podéis comprobar, es de primer orden.
La técnica del stratastencil, consistente en ir apilando capas de la animación una encima de otra y previamente recortadas. Una imagen vale más que mil palabras:
Si podéis verlo en la página de su autor directamente, la calidad es mucho mayor. Lo cierto es que aunque los autores de lo digital, un pequeño video mostrando la posibilidad de hacerlo directamente en 3D (o incluso en AfterEffects) abre un enorme abánico de posibilidades.
Seguramente muy pronto veréis este recurso en alguna campaña publicitaria. La publicidad, siempre deseosa de nuevas ideas.
A la hora de desarrollar historias o guiones, a menudo el guionista suele tener problemas en encontrar chistes que funcionen dentro de la trama, viéndose obligado a usar recursos pobres o poco humorísticos.
Lo cierto es que la animación es un medio eminentemente visual y el diálogo debería estar siempre supeditado a la acción. Es por ello que un buen gag funcionará mejor sobre situaciones que sobre palabras.
Una buena manera de encontrar ideas es la de recurrir a las tiras cómicas, a tebeos o a las comedias del cine mudo, donde el humor surgía de las situaciones y la pantomima (la interpretación). El problema de las tiras cómicas es que desde "Peanuts", la mayoría recurren al texto para atraer a un público adulto, por eso muchas de las tiras cómicas actuales casi parecen textos con un dibujo de acompañamiento. En cambio, las comedias mudas y en especial, las de Charles Chaplin y Buster Keaton, son una fuente increíble de ideas, tanto para animadores en busca de algún gesto como de guionistas secos de chistes. Para una película como "WALL•E", o series como "Purple and Brown" donde no hay diálogo, esto es primordial. "Cada día a la hora de comer veíamos una[película de Buster Keaton o de Chaplin]. Son reveladoras. Te hacen darte cuenta cuantas habilidades de narración se han perdido más que ganado como resultado de pasar al sonoro." (Andrew Stanton, sobre la producción de "WALL•E")
Aquí tenéis dos horas de cortometrajes de Buster Keaton:
Una de las claves del mundo que se inició con la Revolución Industrial fue la de crear el concepto de la velocidad. Ese concepto, que a los futuristas les parecía esencial y el más definitorio de la sociedad en la que vivían, ha ido cobrando cada vez más importancia, conforme los cambios tecnológicos se van acumulando. La aldea global, Internet, la comunicación instantánea, las líneas de bajo coste... las revoluciones tecnológicas han continuado dando la sensación de que no hay freno, de que todo puede ser más rápido, que las distancias físicas y el tiempo no deben de representar un problema y que cada vez todo es más posible, no ya en el transcurso de una vida, sino en el lapso de unos días. El problema es que poco a poco, el ritmo de esta aceleración parece estar cobrándose también sus víctimas. El consumo energético en la década de los noventa se disparó y ha aumentado aún más en esta década a punto de acabar. En 2006 la comunidad científica afirmaba que el ártico desaparecería en 2040. Sólo dos años más tarde y en una dramática revisión de esta catástrofe, la desaparición de una región que ha existido durante millones de años tendría lugar en menos de diez años. La primera crisis alimenticia global del siglo XXI ha mostrado su peor cara este año, lo que ha acelerado la primera crisis económica de la era Internet.
Queramos o no, el mundo se ha acelerado. Cosas que antes tardaban décadas en desarrollarse, ahora pueden producirse en muy pocos meses. De igual manera, las ideas se propagan en cuestión de minutos, tal y como lo hacen los alimentos, las transacciones bancarias o un simple virus (informático o biológico).
¿Qué puede hacer el animador, inmerso y parte de este cambio? No se trata de optar por una solución utópica de rechazar el cambio tecnológico, que tanto ha modificado y favorecido a nuestra profesión, sino más bien de una posición moral. Tenemos el poder de crear imágenes en movimiento a partir de la nada, a diferencia de otros sectores audiovisuales, que sólo pueden capturar la realidad o recrearla desde la propia realidad. El poder de la animación es la de estimular la imaginación desde la imaginación. Es por ello que durante siglos se nos ha despreciado como un medio para los niños, por el intenso atractivo que ejercemos a la imaginación. Lo triste es que no se use ese poder para despertar ideas, para transmitir conocimientos, para remover consciencias.
Usemos ese poder antes de que ya sea demasiado tarde y demasiadas cosas ya no existan como para poder luchar por ellas. Está entre nuestras manos.
Una pequeña joya de la bibliografía de animación encontrada de casualidad: el blog de Ernesto Pfluger subió en 2007 todas las páginas de un libro casi imposible de encontrar hoy en día fuera de mercados de segunda mano, "Maravillas de los dibujos animados" de Bob Thomas, titulado en inglés con el más correcto "The art of animation". Tal y como afirma el autor del post: "publicado en su edición original en 1958, se tradujo al castellano diez años después de la mano de la valenciana Editorial Gaisa. Tomando como hilo conductor la realización de “La Bella Durmiente” (1958), el libro hace un repaso de la historia del Estudio Disney y, en capítulos separados, recorre las distintas fases de la producción de un largometraje animado. A pesar de la ingenuidad de su texto, notablemente acentuada por una pésima traducción, y de su antigüedad, se trata de un texto que aun conserva su vigencia como reflejo del modo de producción y realización de una película de animación en el periodo más clásico del medio."
Tened en cuenta que debéis bajar hasta la parte inferior de la página para seguir el orden lógico del libro, ya que está subido por partes.
Muchas gracias con retraso a Ernesto por esta propuesta. Ideas como éstas pueden ayudar a que textos descatalogados hace mucho tiempo puedan volver a influir en generaciones actuales, y pueden servir así mismo para iniciar su recuperación y conservación.
El hermoso video de "The dog year" realizado por el norteamericano Eric Powell para la banda The Lovely Sparrows es un buen ejemplo de animación hecha con materiales diversos, en este caso, papeles recortados. Consiguiendo un equilibrio bastante hermoso entre fondos que tratan de reproducir cierta profundidad sin esconder la principal cualidad del material -su esencia bidimensional-, el video musical consigue determinados momentos donde la animación se mueve con bastante fluidez y hace incluso olvidar a la técnica, quizás una de los mejores objetivos que cualquier técnica experimental en animación puede conseguir.
El otro video musical que presentamos de Eric Power es "To the peasants of the emperor" de AM Syndicate. Este video, quizás más amateur y menos perfecto técnicamente que el anterior, con muchos errores de puesta de escena y encuadre, es de todas formas igualmente interesante por estar animado con todo tipo de materiales textiles.
El magnífico blog Cartoonbrew ha iniciado un proyecto de emitir cortometrajes de animadores en exclusiva, a los que además pagan por ello (ya nos gustaría a nosotros poder hacer lo mismo aquí en Animaholic). El primer cortometraje que han escogido para iniciar lo que han llamado CartoonbrewTV es "Doxology" de Michael Langan. Realizado como un proyecto universitario, ha ganado multitud de premios. Se trata de un cortometraje bastante críptico y de comprensión difícil, pero lleno de momentos fascinantes y con un excelso y muy novedoso uso de las técnicas de stop-motion (exceptuando la imagen en la tundra, con copos de nieve recreados en 3D). Tal y como describe el propio autor, la historia trata de un hombre vestido con un polo que antes de su iluminación espiritual plena debe superar varias pruebas como bailar con un coche, encontrar a Dios en la tundra, y asearse y peinarse de forma simultánea.
El cortometraje fue desarrollado sin un guión previo, de forma intuitiva, con el autor desarrollando diversas técnicas por cuenta propia.
Por ejemplo, la imagen recurrente del globo terráqueo fue creada con varias fotografías del cielo vistas desde abajo, a las que se han girado y se les ha aplicado una curvatura.
Quizás lo más importante de todo el corto sea la hipnótica secuencia aerea final, que en realidad lo que trata es de recrear el ilusión sonora de la escala de Shepardde una forma visual. Esta secuencia está realizada de la siguiente manera: todas las imágenes fueron realizadas desde la ventanilla de aviones comerciales por el propio autor a lo largo de un año con una cámara digital fotográfica. Luego estabilizó las series fotográficas en torno a un punto focal, como la torre de una iglesia o una vaca, de tal manera que la sensación es que la imagen girar en torno a este punto central. Después simuló una ligera profundidad de campo desenfocando el fondo y las partes frontales de cada imagen, a la vez que miniaturizaba la imagen frontal para atraer más atención. Por último, cada secuencia fotográfica se montan en ciclo solapándose sobre sí mismas de tal manera que la sensación de giro es real y muy efectiva, a pesar de que se trata de la misma secuencia fotográfica repetida una y otra vez.
Sin embargo, la escena más complicada de realizar fue la secuencia en el baño, en la que el propio autor se fotografió realizando seis acciones diferentes, que luego necesitó ensamblar cuidadosamente, sin que ninguna interfiera entre sí, en una actualización del famoso cortometraje "Tango" de Zbigniew Rybczyński.
Otro detalle interesante, en relación a otro cineasta de la Europa del Este, es que la banda sonora también ha sido preparada igualmente por su autor y la música final, interpretada con mariachis, en realidad es una versión de "Mi sombrero tiene tres puntas", canción que aparece en "Etcétera" de Jan Svankmajer y que aquí se ofrece como un homenaje al autor preferido de Langan.
El pixel art, la técnica por medio de la cual estaban hechos los primeros videojuegos y la mayoría de los videojuegos para teléfonos móviles, ha ido fortaleciéndose en los últimos años con trabajos cada vez más interesantes.
Una buena muestra es el trabajo del canadiense Craig D. Adams, que bajo el nombre Superbrothers, lleva realizados dos trabajos de animación de muy alto nivel. Con un acabado del píxel muy original a la vez que elegante, tanto "Children of the Clone (Los hijos del clon)" como "Dot matrix Revolution (Revolución de la matriz de punto)" han llamado la atención de multitud de festivales internacionales. La música, compuesta e interpretada desde una Playstation por un compositor habitual de la MTV, Jim Guthrie, también llama poderosamente la atención. Ambos cortos han sido realizados píxel a píxel mediante el software ProMotion, habitual en la industria del videojuego para telefonía móvil, por lo que se recomienda que veáis estos cortos con la pantalla maximizada, ya que la pérdida de calidad de estos vídeos es mínima. "Dot matrix Revolution" es en realidad un historia resumida y veloz de la tecnología informática, desde los cincuenta hasta la actualidad, contada por medio de ráfagas o flashes en lo que parece ser un arranque matutino de un grupo de computadoras.
"Children of the Clone" parece por otra parte más una reflexión ácida sobre la política empresarial neoconservadora norteamericana. En ella, un neocon contrata un ejército de clones para asesinar, descabezar y sustituir a un viejo industrial norteamericano. En ella, Superbrothers reutiliza su personaje salaryman que ya había aprovechado en muchos de las ilustraciones que había realizado para distintos medios.
"Crappy Cat" es una inteligente broma, un simulacro de videojuego que desmonta y parodia las propias convenciones de los videojuegos de plataformas. A través de un desierto en el que un gato alcohólico va recogiendo bebidas y enfrentándose a todo tipo de pruebas y enemigos que en realidad no son tales (no se acumulan ni puntos ni se pueden perder vidas en el juego) hasta afrontar el enemigo final, en realidad se trata de un viaje humorístico y placentero a través del universo de su autor, Trevor Van Meter. Con una excelente banda sonora creada por Brian McBrearty, se trata de una interesante propuesta ofrecida a través de la web de juguetes de vinilo Jamungo.
Aprovechando que ayeer fue el día del consumo ecológico, aquí os ofrecemos esta animación con el título "Stop global warming!" realizada para la asociación portuguesa Quercus, realizada por la agencia McCann Ericsson.
Light-Paint Piano Player de Ryan Cashman en Vimeo.
Este video demuestra la posibilidad de hacer stop-motion con el medio más inmaterial posible: la luz, en este caso, por medio de LEDs. Las posibilidades que esta técnica abre son infinitas. Para demostrarle, quizás el grupo que más ha explotado esta técnica, los japoneses PikaPika, tal y como podemos ver en este otro video:
Los PikaPika, que asistieron este mismo año al festival de Animac dieron la posibilidad a todo tipo de participantes de unirse al proyecto para crear una animación colectiva con leds y luces.
Otro grupo igualmente interesante es el colectivo alemán Lichtfaktor (literalmente "pruebas o hechos de luz"), que preparan el primer festival mundial de animación con luces en octubre de 2009 en Berlín.
"La queue de la sourie" es el cortometraje ganador este año de la edición de Cartoon Forum. Su autor, el jovencísimo autor francés Benjamin Renner, comenta que "quería contar una historia simple, (...) un encuentro entre una criatura indefensa y otra enorme. Era muy importante que la localización ayudará a transformar a los espectadores en un pequeño ratón, que los arrojara en un oscuro y extraño bosque, una enorme masa oscura, un mundo cuyas apariencias fueran intimidantes, donde con tan sólo ponerle un ojo a una montaña se transformará en un terrible león. Usando animación de siluetas me ha dado una enorme libertad para la localización. No me impedía concentrarme en la historia. Finalmente, para mí lo más importante era contar una fábula como las que oía de pequeño y que quedase prendida en mi cabeza sin saber muy bien porqué". Benjamin trabaja actualmente en la productora francesa Les Armateurs como jefe de animación en la adaptación a largometraje de “Ernest et Célestine”.
El video, de muy mala calidad, ofrece un fragmento del cortometraje, aunque podéis ver un fragmento más corto aunque de mejor calidad en la web de AWN. Por desgracia, no tiene habilitada la posibilidad de incluirlo como clip en otras webs, así que tendréis que verlo allí. Más información
"Nunca se me ocurrió pensar que [los personajes de Looney Tunes] no fueran seres vivos. No creo que puedas hacer comedia a menos que te involucres con los personajes."
"Cuando regresaba a casa y le decía a mi mujer Dorothy una frase que se me había ocurrido mientras estaba trabajando, se lo contaba de esta manera: "¿Te has enterado de lo que ha hecho hoy Bugs?" y le repetía la frase. Ella nunca se llegó a acostumbrar a esto. Decía: "Bueno, lo has estado dibujando tú, tú lo has hecho". Yo le respondía: "¡No es cierto! ¡Salió así!" Chuck Jones, sobre el proceso de creación de un personaje.
"Fehérlófia (The son of the white horse)" es una película de animación bastante poco conocida incluso para la gran mayoría de apasionados al cine de animación, aunque gracias a YouTube puede verse al completo en siete partes. Se trata de una adaptación sorprendente de un mito húngaro, realizada con una gran intensidad y un imaginativo uso del color (quizás su aspecto más destacable), sobre todo teniendo en cuenta que la película fue realizada con animación tradicional en 1982, mucho antes del uso masivo de las computadoras en animación.
Más allá de prejuicios absurdos (aunque la película toma como referencia el art nouveau y el modernismo, recuerda muchos de los motivos habituales en los ochenta), se trata de una película muy interesante y de una gran valentía estética.
Es una pena que no haya ninguna versión subtitulada en algún otro idioma que ayude a seguir la historia.
En uno de los post del blog sobre "El príncipe de las basuras", el magnífico cortometraje de Francisco Antonio Peinado, podemos encontrar el proceso de creación de un plano del cortometraje, desde la primera idea hasta su visualización final. A menudo se echa en falta más iniciativas de este tipo en otros blogs, ya que es posible hacer entender el proceso de creación más fácilmente para otros animadores.
