Lo siento, voy tarde

"Sorry, I'm Late" es un fantástico cortometraje realizado en pixilation por Thomas Mankovski. Es interesante como el uso de diferentes escalas se ha coordinado desde un punto de vista cenital.
Su autor también es responsable del visualmente menos impactante "Little big love", una pieza de stop-motion sobre el amor que un robot siente por un calentador de agua.

Chrysler, en sus buenos tiempos

Aprovechando la reciente quiebra de la empresa, aparece este post en los blogs Microsiervos  (vía Dark Roasted Blend) donde se puede ver esta curiosa pieza en stop-motion de Chrysler de 1939, cuando la empresa estaba en el cénit de su actividad industrial, y que fue realizada para la Exposición Universal de Nueva York de 1939. El cortometraje ilustra el montaje de un autómovil mediante lo que se conoce como animación industrial, un aspecto de la animación nunca suficientemente explorado pero que fue aprovechado intensamente por los Estados Unidos en la mitad del siglo XX y que en nuestros días se ha reciclado en áreas como la astrofísica, la aeronáutica o la arquitectura.
Otro ejemplo similar se puede ver en esta pieza titulada "A case of spring fever". 

Festival Animayo 2009 - Las Palmas de Gran Canaria

Hoy da comienzo la cuarta edición de la Muestra Internacional de Cine de Animación ANIMAYO, que tendrá lugar del 23 al 30 de mayo en distintos espacios de Las Palmas de Gran Canaria. La presente edición dedicará un apartado especial a los efectos especiales y a los videojuegos.
Más información: http://www.animayo.com/

Más valenciano que un ninot, imposible

Ayer 22 de mayo de 2009 se presentó en rueda de prensa en Valencia el proyecto "Ninots, la gran aventura", un largometraje de animación que será realizado en coproducción entre la valenciana Trivisión y la mexicana JC Films, ninguna de las cuales tiene experiencia previa en animación, y que será dirigida por Manuel García y Luis Pérez y contará con el dibujante Alfonso Azpiri. La película, que presume de ser valenciana al ciento por ciento, cuenta, según la nota de prensa "con un presupuesto de 5 millones de euros y con el interés de las instituciones valencianas, nacionales e internacionales cuenta con más de 350 personas trabajando en la parte técnica para intentar que la película pueda mostrar a un Valencia que se asocie a la modernidad y vanguardia". 

El proyecto narra la aventura de seis ninots infantiles que cobran vida por la noche, cada uno de los cuales representa una técnica cinematográfica (cine musical, cine de aventuras, romántico, ciencia-ficción, etc). El proyecto contará además con voces no profesionales, como el golfista Sergio García o el motociclista Jorge Martínez Aspar, y actores como Pedro Reyes, Ana Duato, Susana Remolí o Iris Lezcano, que comparten el haber nacido en la comunidad valenciana y cuya presencia fue la razón principal de la rueda de prensa en el IVAM, ya que resulta bastante inédito en nuestro país presentar un proyecto de animación que aún no se ha estrenado.

Curiosamente, en otros medios la noticia ha sido percibida ligeramente diferente, ya que según anuncia Frecuencia Latina Internacional, "la realización del largometraje se llevará a cabo en Perú, donde JC Films será responsable del proyecto para FLI Production y Trivision".

Categorías de animación audiovisual: estableciendo las bases de un convenio laboral para la animación española

La necesidad de un convenio de animación en España es evidente y ha sido propuesto en multitud de ocasiones, aunque siempre por una razón u otra, el proceso se ha encallado en alguna fase hasta llegar al olvido. El último intento ha sido el de la organización Asifa Cataluña, que intentó durante el año pasado sentar las bases del primer convenio laboral del sector de la animación, en el que los sueldos quedarán establecidos. De ahí han surgido una serie de categorías laborales, que eran muy necesarias, al ser un vacío de la legislación laboral española.
Aquí se encuentran todas las profesiones que llegaron a definirse en estas reuniones (extraídas de la web de José Vargas):

CATEGORÍAS PROFESIONALES de la ANIMACIÓN AUDIOVISUAL

PREPRODUCCIÓN

Director
Máximo responsable de que la película se cree dentro de la máxima calidad posible dependiendo de las exigencias del productor y con el equipo humano y técnico garantizado por el jefe de producción.

Productor
Responsable de que la película esté terminada en una fecha y con un presupuesto determinados. Determinando los fondos que sean necesarios para cada departamento.

Realizador
Responsable bajo las órdenes del director que ejecuta la obra, con su seguimiento y supervisión; dirigiendo y coordinando a los responsables de cada departamento. Procurando que se mantengan en todo el proceso los criterios de diseño técnico-artístico y de calidad negociados.

Guionista
Persona que escribe el guión de la película según las indicaciones del director. Se documenta adecuadamente y elabora varias versiones hasta su aprobación final.
Lo adapta a los cambios que planteen durante la producción si es preciso.

Documentalista
Persona que selecciona, cataloga, analiza, indiza, conserva y trata la información requerida visual, escrita y sonora, fijada sobre cualquier soporte, para ser usada como referencia de la ambientación tanto espacial como temporal de la obra.

Traductor
Persona que traspone el texto de la obra a las lenguas en que se precise.

Creador de personajes
Crea los personajes y props (objetos), tanto el dibujo como las posibles gamas de color, de acuerdo al guión y las exigencias del director. Presenta los personajes desde todos los puntos de vista y también sus posiciones dinámicas, estados de ánimo y expresiones faciales. Supervisa el trabajo de su asistente.

Asistente del creador de personajes
Asiste al creador de personajes, con las adaptaciones necesarias para el funcionamiento de los personajes u otras tareas derivadas.

Clean-up de personajes
Pasa a limpio los bocetos tanto del creador como del asistente de personajes.

Creador de storyboards
A partir del guión crea el storyboard (un cómic con sus indicaciones técnicas: las acciones de los personajes, escenarios, diálogo, sonido, efectos especiales y una descripción de la acción que acontece), es decir, traduce el lenguaje escrito al lenguaje visual estático. Supervisa el trabajo de su asistente.

Asistente del creador de storyboards
Asiste al creador de storyboards, bien en la iluminación de la escena como en el sombreado de los personajes u otras tareas derivadas.

Creador de escenografías (Art Director)
Creador de los escenarios donde tendrán lugar las acciones de los personajes de acuerdo al guión y a las exigencias del director. Dibujará las vistas generales (key layouts línea). Supervisa el trabajo del Director de layouts de fondos (línea) y del Director de fondos (color).

Director de layouts de fondos
Dibuja los fondos de cada plano de la película, apoyándose y respetando el storyboard y los key layout línea. Teniendo en cuenta la acción que se desarrolla en el plano y los movimientos de cámara.

Asistente del director de layouts de fondos
Asiste al director de layouts de fondos.

Clean-up layouts de fondos
Pasa a limpio los bocetos del layoutero.

Director de layouts de personajes
Dibuja la acción de los personajes de cada plano o escena, apoyándose y respetando el personaje original, su personalidad y movimiento, para poder ser tomado posteriormente como referencia por el director de animación.
Supervisa el trabajo de su asistente.

Asistente del director de layouts de personajes
Asiste al director de layouts de personajes.

Clean-up layouts de personajes
Pasa a limpio los bocetos del layoutero.

Animatic / Tira leica
Prueba de tiempo. La persona responsable escaneará los distintos planos del story para su posterior composición con el tiempo destinado a cada plano.


PRODUCCIÓN

Director de animación
Es la persona responsable del departamento de animación, coordina y supervisa a los animadores. Explica la actuación de los personajes a los animadores y cuida que la calidad y unidad de la animación se mantenga.

Cartas de rodaje
Proceso en se marcan los tiempos, sincronizaciones labiales o movimientos de cámara de los planos que posteriormente se animaran. Dependiendo de la producción este proceso se inicia justo antes de la animación y lo realizan especialistas sin embargo en ciertas producciones es el propio animador el encargado de diseñar la carta de rodaje).

Animadores personajes
Son los dibujantes encargados de hacer actuar y mover a los personajes y objetos. Los animadores realizan los dibujos clave en ciertas partes del movimiento total del dibujo que posteriormente será enlazada y completada por otro profesional.

Animadores de efectos
Realiza y define el estilo de los efectos que serán animados (agua, fuego, etc.).

Asistentes animación
Son los dibujantes encargados de realizar e interpretar los movimientos clave intermedios del animador. Ellos completan la animación propiamente dicha, también ejecutan animaciones de personajes u objetos más sencillos y que tienen un papel más secundario en la producción.

Intercalación
Son los dibujantes que enlazan o interpolar los dibujos claves de los animadores y asistentes de animación. Ellos son los encargados de completar el movimiento total del personaje u objeto.

Clean Up intercalación
Son los dibujantes encargados de "limpiar" los dibujos de los animadores e intercaladores. En algunas producciones esta especialidad no se contempla, siendo los animadores e intercaladores quienes se pasan a limpio sus propios dibujos.

Chequeado de planos
Comprueba que todos las cartas de rodaje y dibujos de un plano estén correctamente realizado.

Escaneador
Después del chequeo de la animación el dibujo es escaneado o capturado en cámara digital para el Linetest . Una vez superado el Linetest el plano se vuelve a escanear junto a los backgrounds , esta vez en alta resolución

Prueba de línea (Linetest)
Proceso en el que se componen los dibujos que conforman la animación-generalmente en formato digital y baja resolución- .Una vez montado el plano se reproduce la animación final para poder ver el flujo de ritmo del movimiento o detectar posibles errores de animación.

Director color fondos (Digital)
Dependiendo de la producción los Backgrounds o fondos son "pintados" por medio digital, si se produce este caso aparece la figura del director de fondos en formato digital. Es la persona encargada de coordinar y supervisar el departamento de color de Backgrounds.

Operadores color fondos (Digital)
Son los encargados de dar color a los fondos en formato digital.

Director de fotografía
Es el responsable de establecer el tipo de atmósfera de los fondos que componen una secuencia. ( Esta figura no se contempla en todas las producciones, siendo en muchos casos el mismo director de fondos el encargado de este trabajo)

Director color personajes
Es el responsable de coordinar y supervisar el departamento de coloreado de personajes y props (objetos). Junto con el director artístico diseñan el color de los personajes y objetos, estableciendo las pautas de coloreado de los models.

Operadores color personajes
Son los encargados de colorear los personajes y objetos. Actualmente este proceso se realiza enteramente en formato digital, siendo muy raras las veces en que el coloreado de personajes es realizado a mano.

Chequeador de color
Comprueba que cada uno de los dibujos coloreados de todos los planos se correspondan con sus models.

Director de composición
Es el responsable coordinar y supervisar el departamento de composición. Es en este proceso en donde se componen o montan los fondos junto con los personajes y objetos ya coloreados.

Operadores de composición
Son los encargados de realizar la composición de fondos y personajes.

Chequeo final
Dependiendo de la producción existen equipos de "chequeadores" especializados en la detección de posibles errores en los distintos procesos, dependiendo de la gravedad del error el trabajo es devuelto a sus responsables directos o resuelto por los mismos chequeadores.


POSTPRODUCCIÓN

Montador de edición-montaje video
Une y ensambla todos los fragmentos, unidades narrativas o planos de manera que la historia narrada se entienda según los criterios del director.

Montador o especialista en efectos
Realiza un tratamiento adicional que se hace a las imágenes para resaltar o conseguir resultados que no están en las imágenes originales.

Músico o especialista de efectos de sonido
Realiza todos aquellos sonidos (o tratamiento del sonido) que ayudan a resaltar las imágenes y que luego se mezclan con la música y las locuciones para complementar la banda sonora.

Músico o sonidista de mezclas
Combina, monta, une la música, los efectos de sonido y las locuciones según las indicaciones de la dirección para obtener el resultado deseado.

Actores o actores de doblaje (locución)
Ponen todas las voces, diálogos y sonidos emitidos por los personajes.

Actores de doblaje
Interpretan con la voz una actuación que está en imágenes ya sea sustituyendo las voces originales para traducirlas o bien colocando voz a personajes que aún no la tienen.

Montador de volcado y copias
Cuando el material está terminado y definitivo se pasa todo a un soporte electromagnético o digital que se convierte en el master (betacam digital, dvd, etc.) del cual se hacen las respectivas copias. Las copias de emisión se hacen teniendo en cuenta los parámetros exigidos por la cadena o medio emisor.

Muchas profesiones del sector se han quedado sin definir (se puede echar un vistazo a las categorías iniciales aquí), aunque lo más interesante - definir los sueldos base - no ha llegado a concretarse hasta ahora.
Las reivindicaciones sindicales del sector suelen asustar mucho a la mayoría de animadores debido a las propias presiones de las empresas en algunos casos y la situación tan inestable de todo el sector, pero en realidad beneficiarían enormemente al conjunto de los trabajadores, ya que al regular las diferentes categorías profesionales por medio de convenios similares a los que ya existen en el resto de las profesiones y donde esto se considera normal, en realidad lo que se hace es proteger a la industria, al eliminar la precariedad laboral, establecer unas bases laborales claras para las dos partes y fomentar la existencia de profesionales más cualificados y satisfechos con su trabajo.
Si estáis interesados en leer más, aquí podéis ver el acta del 11 de octubre de 2008  firmada en Madrid.

BECA DE ESTANCIA EN LA ABADÍA DE FONTEVRAUD (hasta el 19 de junio)

La Abadía de Fontevraud, situada en la región del Loire francés, ofrece una beca de estancia en su centro para desarrollar un proyecto de animación, que bien podría ser un guión, un storyboard, un desarrollo visual, etc. Ha de estar basado en un proyecto personal. Se trata de una experiencia realmente interesante, ya que por este centro han pasado gente de la talla de Michel Ocelot, Takahata Isao, Juan Pablo Zaramella o Florence Miailhe entre otros. La estancia ha de ser mínima de un mes y máxima de un año, y la nacionalidad del becado es indiferente. Se puede saber muy poco inglés o francés para aplicar, ya que lo más interesante para el centro es la originalidad y alcance del proyecto.

Podéis descubrir más información contactando a este mail (Mr. Hervé Regignano: h.regignano@abbayedefontevraud.com) y descargaros los documentos directamente desde aquí. Recordad que sólo tenéis hasta el 19 de junio para mandar vuestra solicitud.

The Fox-Aniboom Holiday Animation Challenge

La Fox (The Simpsons, Family Guy, etc.) está buscando material inédito para su parrilla televisiva y se han aliado con Aniboom para crear el Fox-Aniboom Holiday Animation http://www.blogger.com/img/blank.gifChallenge; con importantes premios en metálico, además del prestigio que supone la posibilidad de mostrar tu trabajo en la famosa cadena norteamericana.



Here’s the skinny on the competition:

- Create a 2 to 4 minute animated holiday short
- Make it funny. Make it edgy. Make it uniquely FOX.
- Earn the opportunity of a lifetime.
- Five Finalists receive $5K each.
- Grand Prize Winner receives an additional $10K + a FOX development deal.
- Submissions: May 27 through August 31, 2009.

Más información en la nota de prensa o en la web del concurso.

Comida, stop-motion y videojuegos

Mientras que en España madres de varias generaciones inculcaban aquello de que "con la comida no se juega", para un italiano comida siempre es igual a diversión. Quizás eso explica por qué hay tantos animadores italianos a los que les encanta utilizar comida en sus trabajos. Al grupo ligurés GnamSpot comandado por Nicola Ferrarese, se les ocurrió además aprovechar para hacer un homenaje a sus videojuegos favoritos mediante stop-motion y estas cuatro piezas son el resultado de este experimento.
La primera de todas, "Videokrauting", hace un repaso en sus escasos treinta segundos por varios títulos míticos como "Arkanoid " o "Tetris ", usando exclusivamente la famosa col agria alemana.

"Super Maro Beans" es la continuación lógica de este primer intento: un Super Mario Bros. recreado con judías (el chiste sólo se entiende en italiano) y banda sonora coral aún más estridente.

"Tomatoids" es un homenaje a "Asteroids ", como su palabra indica, donde los tomates se disparan hasta acabar convertidos en un plato de pasta.

Sin duda, de todos los videos creados por el grupo, este último resulta su trabajo más elaborado y nuestro favorito. "D'Altra Parte è Così" es un trepidante thriller de utensilios domésticos, sin historia pero de ritmo endiablado hasta el final, un homenaje a todos los juegos de coches de carreras y naves espaciales, como los clásicos "Defender" y "Spy Hunter", pero que podría evocarnos igualmente cualquier secuencia cinematográfica de carreras.

Animación Xtranormal: el futuro de las series de televisión

Mientras que numerosas series desaparecen de la parrilla televisiva ("Foster, La Casa de los Amigos Imaginarios" es uno de los últimos casos más sonados), algunas compañías desaparecen (Fatkat en Canadá) y Cartoon Network y Nick van ofreciendo cada vez menos contenidos de animación y más series de imagen real, en contra de lo que es el propio espíritu fundador de estas cadenas, algunas herramientas de creación de animación por Internet parecen ir configurando lo que será la producción de animación para televisión en los próximos años.
El que más está llamando la atención es Xtranormal, que se anuncia como "si puedes escribir en tu teclado, puedes hacer películas". Los resultados finales no son excesivamente malos si se comparan con otros intentos (FluxTime o ShapeShifter, por poner un ejemplo), y teniendo en cuenta que los personajes se animan mediante órdenes en la interfaz y hacer que hablen es tan sencillo como escribir el diálogo, es normal considerar no sólo que la animación terminará democratizándose, igual que la fotografía o el video,  sino sobre todo que las productoras de animación para televisión hagan uso de softwares similares como una manera de producir animación más barata y más rápida.

Los comentarios más entusiastas hacia este tipo de propuestas provienen de la comunidad de animadores neoyorquina, como el blog de Fran Krause o el de Patrick Smith.

 

Entrevista con Fernando Cortizo

Fotografía de Fernando Cortizo: Xoán A. Soler para "La Voz de Galicia" 

Fernando Cortizo (Santiago de Compostela, 1974), tras ejercer un tiempo como veterinario, comienza a interesarse por el cine de imagen real, y realiza dos cortometrajes de imagen real, para pasar a la animación en stop-motion con el cortometraje "Black Cat Spantat". Tras esta primera experiencia,  crea Artefacto Producciones, donde realiza "O Boiro", "O Ladrón de Bonecas", "Leo", "Sombras na noite" y "Promesa", cortometrajes en plastilina que consiguen ser seleccionados en varios certámenes nacionales. Actualmente acaba de estrenar su último cortometraje "El cuidador de gatos" y ya se encuentra inmerso en la dirección de "O Apóstolo", con estreno en 2010, que será el primer largometraje de stop-motion en plastilina del cine español y una propuesta pionera en nuestro país de financiación a través de Internet.

1. Estás a punto de estrenar "El cuidador de gatos" y a continuación dirigirás la primera película de stop-motion española. ¿De dónde surge este interés por la animación?  

Mi relación con la animación es un poco especial. Por una parte, a mediados de los noventa comencé a realizar cortometrajes de ficción con Mario Iglesias y trabajando como ayudante de dirección en alguno de sus largometrajes. Por otro lado, desde pequeño fui un gran seguidor del mundo del cómic, "Creepy", "1984", "Totem",... Cuando nació mi primera hija, vi muy limitada mi movilidad a la hora de desarrollar mis proyectos con lo cual empece a plantearme como poder realizarlos. Tras ver algunos cortometrajes como Vincent, Sandman o El fabricante de pelucas, me di cuenta que se adaptaban a la perfección al tipo de historias que estaba escribiendo, así empecé a realizar pruebas con decorados y muñecos de plastilina, hasta que esta técnica me enganchó totalmente. 

2. "O Apóstolo" es un ambicioso proyecto al introducir el largometraje de stop-motion en el cine español, aunque de otras partes del mundo van apareciendo cada vez más largometrajes hechos en plastilina, algunos de ellos de enorme éxito. ¿En qué se diferencia vuestra propuesta de otras formas de entender la stop-motion, como la que se hace en Aardman, la escuela norteamericana o la que se hace en Valencia?

Quizás algo que nos diferencia sea el tratamiento de ficción que le damos a la animación. En "O Apóstolo" se ha rodado toda la película con los actores, dejándoles libertad interpretativa (Algo que normalmente no se hace). Es una pena que contando con actores de la talla de Geraldine Chaplin, Carlos Blanco, Paul Naschy, X.M.Olveira Pico, Manquiña,…, se limitasen simplemente a doblar unos muñecos. En mi propuesta son los animadores los que seguirán al actor, dándole a los personajes mayor vida.

De todos modos, no tratamos de diferenciarnos sino de hacer lo que nos gusta; como comenté antes tenemos una gran influencia del cómic de adultos, tanto estéticamente como narrativamente. La animación de personajes es un medio fantastico para contra nuestras historias, pero no un fin en sí mismo, quizás y por sus propuestas más arriesgadas estemos más cercanos a la escuela norteamericana. De hecho para “O Apóstolo” hemos fichado animadores procedentes de "Coraline" o de "Robot chicken". Creo que aunque hablemos de animación, en el fondo no es más que cine, y lo fundamental es contar una historia y transmitir un ambiente o sensaciones, para mí eso es mucho más importante que lucir unas cualidades técnicas; la animación debe ser fluida y perfecta, pero siempre al servicio de una historia y no al contrario.  

3. A diferencia de un cortometraje, un largometraje se hace pensando en grandes audiencias. ¿Cómo crees que reaccionará el público español ante este proyecto?

Creo que este proyecto no dejará indiferente a nadie, se trata ante todo de una película divertida con cierto humor negro y que trata de exportar tradiciones propias que puedan ser entendidas en cualquier país del mundo. La técnica stop motion con decorados reales producen una atracción sobre el espectador que aún no consigue el 3D, creo que ver unos muñecos hablando y moviéndose solos transmite una magia muy especial. El tono de la película se aproxima al “Baile de los vampiros” de Roman Polanski. 

4. Con Artefacto has realizado una gran cantidad de cortometrajes hasta el momento, como "El ladrón de muñecas" o "El cuidador de gatos". Con tan intenso bagaje, ¿cuál ha sido el proyecto más complicado de desarrollar?

Mis cortometrajes siempre me los he planteado desde dos puntos de vista, por un lado contar pequeños relatos, casi siempre de misterio que simplemente me apetecía contra, y por otro lado ir experimentando diferentes cosas en cada uno de ellos, tanto a nivel narrativo, como de expresiones,.., pero siempre pensado en probar cosas para este proyecto ("O Apóstolo") en el que llevo varios años trabajando.Ninguno de mis cortometrajes me han resultado complicados, ya que siempre me lo he pasado muy bien con ellos. "O Apóstolo" sí está resultando más dificil, sobre todo por dirigir un equipo más numeroso, y por tener un nivel de exigencia máximo, pero tratamos de llevarlo con la misma illusion y diversion que un cortometraje. 

Leo

5. Se podría decir que un cortometraje es como una idea, mientras que un largometraje es como una experiencia. Algunas cosas que funcionan muy bien en un cortometraje, no resisten la duración de un largometraje. Para ti, pasar de un formato a otro, ¿qué retos implica?

El reto en si es levantar un proyecto tan ambicioso como este en un país con presupuestos de cine relativamente bajos. Pero a nivel narrativo, la pelicula se ha planteado como una historia coral dónde cada personaje tiene una historia y una meta, muchas veces contrapuesta a la de otro. Es un guión divertido que ya ha recibido algún reconocimiento como las becas FIA. Creo que es reto es plantearte que vas a rodar siete cortometrajes con un equipo siete veces mayor pero en función de un único guión que llevamos tres años desarrollando. 

6. ¿Qué otros autores y profesionales te han influido más?

Siempre he sido un gran seguidor de la Hammer y toda su estética, pero en general no soy seguidor de un director en concreto, sino más de películas. Pero sí es verdad que me influyen mucho directores como Roman Polanski o Tim Burton y otros procedentes del mundo del cortometraje dónde hay verdaderos genios que aún no han tenido su oportunidad con un largo. 
 

Reportaje sobre "O Apostolo"

7. Tras apuestas recientes como "Coraline" en 3-D estereoscópico, ¿hacia dónde crees que se dirige la animación actual? 

La animación actual es la mayor de la historia, por un lado están las grandes compañias que realizan productos técnicamente perfectos aunque quizás algo vacíos de contenido, y por otro las películas de autores que compensan sus limitaciones técnicas y económicas con historias realmente interesantes. Pero creo que la animación está dejando de ser un producto de consumo infantil y se está convirtiendo en una forma diferente de contar las mismas historias que podrías contar en ficción, pero contando con una libertad creativa y visual que no tiene esta última. 

8. ¿Qué cualidades consideras que hay que tener para ser un buen animador? 

Un buen animador tiene que ser un buen actor. Independientemente de las nociones técnicas que es algo que se consigue con la práctica, un buen animador tiene que poseer conocimientos de interpretación que pueda trasladar a los personajes. Los personajes tienen que tener una personalidad propia y una manera de ser, no basta con moverlos con fluidez. 
 
9. ¿Qué consejo le darías a otros animadores que quisieran seguir tus pasos? 

No me considero nadie para dar consejos. Les aconsejaría que tengan un hijo para no poder salir de casa y que se pasen las noches divirtiéndose animando y contando historias. 

Sobre su último cortometraje,  "El cuidador de gatos":
- realizado en stop motion, con muñecos de foam-latex; 

- rodaje con cámaras Canon 450 D;

- software:  animatorDV (Gratuito);

- el proyecto se realizó en aproximadamente unos cinco meses, aunque no es fiable, ya que se realizó paralelamente a la preparación de "O Apostolo";

- la idea surge de a raíz del cierre de la fábrica de celulosas de Pontevedra y la gran confrontación social que hubo después;

- en el cortometraje han participado unas 7-8 personas, aunque indirectamente colaboraron muchos más amigos. 

Más información sobre Fernando Cortizo:

Página web de Artefacto Producciones 

Página web de "O Apostolo" 

Enlace directo para participar como productor en "O Apostolo" 

Entrevista en El País (04/06/20008) 

Entrevista en "La voz de Galicia" (09/08/2008) 

Blog Cine Chico 


Muchas gracias a Marta García por su colaboración en esta entrevista.

"Up", en lo más alto nada más despegar

"UP" inauguró oficialmente ayer el festival de Cannes. Los comentarios de la prensa son entusiastas:

Todd McCarthy (Variety): 

"Dependiendo de lo que pienses de "Cars", Pixar puntúa un 9 de 10 o un 10 de 10 en "Up", una aventura cautivadora de una extraña pareja que se va haciendo más divertida y excitante conforme avanza. (...) Aunque la falta de elementos fantásticos podría quitar a "Up" de la lista de estrenos imprescindibles del verano, (...) la película se convertirá en otro clásico, igual que todas las películas de Pixar."

Michael Rechtshaffen (The Hollywood Reporter): 

"(...)El hecho de que "Up" sea la primera película 3-D del estudio puede extrañar porque la película no especialmente innovadora por sí misma. Pero lo que hace de "Up" un placer gozoso es la forma refrescante en la que la película incorpora los elementos 3-D. Y se trata de una maravillosa película. Inteligente, emotiva y posiblemente la película más divertida de "Pixar", (...) se trata de una destilación en 90 minutos de todas las marcas de la compañía que la han precedido".

Roger Ebert (Chicago Sun-Times):

"Se trata de una película maravillosa. Cuenta una historia. Los personajes son tan creíbles como cualquier personaje puede serlo (...), personajes a la manera humana del maestro de la animación Hayao Miyazaki."

Borja Hermoso (El País):

"Up encierra secuencias que son ya momentos de verdadera antología en la historia del cine de animación (la secuencia inicial de la historia de amor entre los protagonistas es conmovedora sin caer en lo blandengue, dura sin pasarse demasiado, divertida, romántica, triste, sabia... "

Luis Martínez (El Mundo) (con evidentes prejuicios a la animación):

"El director Pete Docter, el mismo de 'Monstruos S.A.' y uno de los fundadores de la factoría Pixar, regala lo que, sin miedo a equivocarse, puede ser calificado como una simple obra maestra. Entre Chaplin y 'El mago de Oz', 'Up' ofrece un delicado y nada afectado homenaje al cine, a su historia. Y eso por aquí, aunque se trate de dibujos animados, gusta mucho. La primera media hora, como ya ocurriera en 'Wall.E', se resuelve sin palabras en un auténtico recital de cómo con los elementos mínimos se puede alcanzar todo lo que da un simple gesto, unos zapatos grandes, una forma de caminar. Aquí Chaplin. La vida entera de una pareja resumida en apenas un puñado de planos. Genial."

IV Bienal Interamericana de Videoarte

No solemos mencionar el videoarte, porque se va mucho más allá de las intenciones de este blog, pero hemos recibido esta nota de prensa del Istituto Europeo di Design (IED) de Barcelona, que nos informa de la IV Bienal Interamericana de Videoarte en Barcelona.

"IED BARCELONA ACOGE LA IV BIENAL INTERAMERICANA DE VIDEOARTE 
Barcelona, 29 de abril de 2009. 
El Istituto Europeo di Design (IED), en el marco del Festival Loop de Videoarte, acogerá la noche del próximo 26 de mayo la IV Bienal Interamericana de Videoarte. 
El Festival Loop, que como cada año se extiende por museos, centros culturales y otros espacios dela ciudad, ha escogido la acogedora Terraza del IED, como localización para la exhibición de los vídeos ganadores y resto de seleccionados de la IV Bienal Interamericana de Videoarte. 
El Centro Cultural del Banco Interamericano de Desarrollo (BID), con sede en Washington, organiza cada dos años este festival internacional de videoarte. 25 videos, provenientes de 13 países, y entrelos que se encuentran los 3 ganadores, conforman la Bienal y fueron seleccionados previamente deun total de 201 trabajos de 15 países. El jurado estuvo compuesto por Bélgica Rodríguez y GermánPubiano Caballero. 
El Istituto Europeo di Design, escuela de formación pionera en el área del diseño, se confirma así como un espacio integrante más de la escena cultural en Barcelona. Además, de acoger actividades del festival, el IED, se suma con proyectos de sus alumnos de Video Design y Media Design, que se proyectaran durante el Loop en el Media Lounge Hotel Catalonia Ramblas, así como en elCaixaForum. 
Una de las novedades de última hora de este año es el diseño integral del Chill Out del Loop por losalumnos del master Interior Design for Comercial Spaces con la colaboración de Illy y Moritz. IV Bienal Interamericana de Videoarte Localización: Terraza Istituto Europeo di Design Torrent de l’Olla, 208 Barcelona Fecha y hora: 26 de mayo, 21:00h Actividad gratuita abierta a todo el público Durante el evento se servirá un cóctel
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Para más información: Cristina Cabezas, Dep. Prensa IED Barcelona, comunicacion@bcn.ied.es, Tel. 93 238 58 89"

Convocatoria para Anima'09 (hasta el 3 de julio de 2009)

La quinta edición del ANIMA, que tendrá lugar entre el 8 y el 10 de octubre de 2009, estará dedicada a explorar e investigar sobre el concepto de Señas de Identidad. Con este fin, se abren las siguientes convocatorias:
- A largometrajes y cortos de animación de cualquier género y temática. Especial interés se presta a los trabajos en los cuales la intención expresiva del realizador sobresale frente a los requerimientos del mercado; y a aquellos trabajos producidos en el marco de instituciones educativas. La participación está abierta a trabajos de cualquier lugar del mundo, con especial interés en aquellos procedentes de América Latina; desarrollados para cine, video, televisión o Internet.

- A ponencias y presentaciones multimedia sobre el concepto "Señas de Identidad".

No hay costo de inscripción.

Fecha límite de recepción:
3 de julio de 2009 (Animación para Cine, video y televisión)
3 de julio de 2009 (Ponencias y presentaciones multimedia)
17 de julio de 2009 (Animación para Internet)

El reglamento y la ficha de inscripción están disponibles en el sitio web del Festival, desde aquí. 

( Fuente: Medios y empresas )

ITFS 2009 - PALMARÉS

La decimosexta edición del Festival Internacional de Animación de Stuttgart , el evento de animación más importante de Alemania, otorgó ayer los siguientes premios:
Gran Premio del Festival: "Muto " de Blu "por hacer del mundo real un lienzo de posibilidades ilimitadas".
Premio de Promoción Internacional y Mejor trabajo de fin de estudios: "Rabbit Punch" de Kristian Andrews por "tener el valor de contar un cuento muy personal sobre la violencia en nuestra sociedad".
Mejor música: "DaVinci's Timecode – A moving picture " de Gil Alkabetz "por adaptarse perfectamente a las imágenes".
Mención especial y Gran premio del público: "Skhizein " de Jeremy Clapin "por una brillante línea argumental que se adapta perfectamente a los condicionantes de una pieza de animación".
Mejor animación joven: "About socks and love" de Michaela Čopíková "por crear un trabajo hilarante a la vez que personal"
Mención especial animación joven: "Never drive a car when you're dead" de Gregor Dashuber "por estar lleno de fantasía y honestidad al mismo tiempo. Es agresivo a la vez que entrañable. En una palabra: ¡es punk! No te deja indiferente, lo amas o lo odias."
Mejor película infantil: "The happy duckling" de Gili Dolev.
Mejor largometraje: "Mary and Max" de Adam Elliot "por ser el largometraje con la línea argumental, el estilo y el formato más original e impresionante, de un enorme nivel visual y emocional".
Mención especial al largometraje: "Idiots and angels" de Bill Plympton "por crear un largometraje que está a medio camino entre el minimalismo a la vez que genera una rica imaginería visual y ser capaz de generar una fuerte empatía hacia su personaje protagonista".
Mejor serie de televisión: "Histoires comme ça - L'enfant d'elephant" de Jean-Jacques Prunes "por su extraordinaria dirección artística".
Mención especial de serie de televisión: "Moot Moot: L'enfer de la mode" de François Reczulski por "ser una muy divertida comedia para adultos, bien dirigida y con un ritmo y unas bromas bien llevadas".

Más información en la web del ITFS.

Mundos Digitales (hasta 24 de mayo de 2009)

El festival Mundos Digitales, que tendrá lugar entre el 8 y el 11 de julio de 2009, abre su convocatoria para presentar cortometrajes de animación realizados a partir de 2008. Las bases completas se encuentran aquí:
www.mundosdigitales.org
¡Gracias, Marilyn!

El extraño y desafiante mundo de David O'Reilly

Ya hemos hablado anteriormente del irlandés asentado en Berlín David O'Reilly, considerado por muchos bloggers y autores como uno de los animadores independientes más importantes surgidos en los últimos años. Su universo, definido como una mezcla "entre Kubrick, Kaufman y ketamina", es el desafío digital más interesante actualmente a la animación 3D tradicional.
En su pieza "RGBXYZ", O'Reilly teoriza sobre las bases sobre las que ha ido construyendo posteriormente su obra: mientras que la animación tradicional se basa en el movimiento suave entre posiciones, su estilo, descrito como RGBXYZ, entiende la animación como una supresión de las curvas de movimiento y una restricción de colores y opciones, es decir, la limitación como base de la creatividad.

Su primera pieza polémica "Octocat", causó bastante polémica en la red. Compuesta de cinco piezas creadas originalmente con MS Paint y bajo nombre falso, la pieza evoluciona hacia un estilo cada vez menos crudo hasta la parte final, marcadamente diferente del resto. Las primeras cuatro partes aparecieron en 2008 en YouTube bajo el usuario RANDYPETERS1, un niño de nueve años de Chicago que era en realidad una identidad falsa de O'Reilly. La historia de un gato de nueve patas que busca a sus padres atrajó la atención de una pequeña comunidad de seguidores, hasta que en el capítulo final, presentado en septiembre de 2008 , O'Reilly cambia el estilo, añade un final en 3D y se presenta como autor real del conjunto. La intención detrás de la jugada: "El público no necesita ni refinamientos ni una animación ingeniosa para engancharse a una historia. Son felices de seguir la película peor animada, peor diseñada y peor doblada de todos los tiempos y aún así reír y llorar y hace todo lo que hacen viendo las supuestas producciones de calidad. Es increíble. Nunca me había sentido tan excitado con la animación independiente." Tal y como afirmó AWN en su página, la pieza también sirve para recordar que la creatividad comienza en la mayor parte de los animadores en forma de garabato en un cuaderno.

"Please say something" es quizás su primer trabajo de madurez, en la que todos estos contenidos teóricos se unen en una pieza fascinante. La improbable historia de amor entre un gato y un ratón, presentada en un estilo crudo e innovador, fue premiada en la pasada edición de la Berlinale 2009 como mejor cortometraje de animación. Hace poco, O'Reilly, ferviente defensor de las obras de libre uso y distribución, hizo disponible el corto al completo, que es el que por fin puede verse aquí. En ciertas secuencias pueden verse algunos de los objetos que más tarde O'Reilly ha usado en el video de la cantante M.I.A. "Bang" .

La particular cruzada de O'Reilly contra la animación tradicional le ha llevado a ofrecer en su web un modelo poligonal de la cabeza de Walt Disney en una bandeja (la idea está clara) de forma totalmente libre. Este modelo es el que aparece en su último trabajo, una pieza creada para el proyecto colectivo PSST3. La pieza, de poco menos de un minuto, vincula a Walt Disney con el nazismo y la familia. En este trabajo  su estilo parece ir alejándose de cierta radicalidad visual para ir ganando en contenido y capacidad de sugerencia.

Para saber más sobre David O'Reilly, se puede seguir sus trabajos en su web (www.davidoreilly.com) o en su página personal en Vimeo (vimeo.com/davidoreilly).

Fácil, fresco y familiar

Camilo Duarte , estudiante colombiano de animación residente en Barcelona, nos envía su último trabajo realizado en la escuela Pepeschoolland , titulado "Fácil, fresco y familiar".

Según el propio Camilo, "la idea surgió en clase con Daniel Martínez Lara como una secuencia de acciones cómicas, con un final estrepitoso. Nada quizás muy elaborado a nivel de guión pero con bastante contenido de actuación de personajes, que era mi idea.
En el apartado técnico he utilizado 3dsMax 9 para el modelado, rigging y animación, render con VRay, las texturas y el retoque en Photoshop y la composición y los efectos en After Effects CS3. Por último, el audio fue creado con ProTools. Casi todo fue creado en un PC Quad Core 2,4, de 8 gigas de RAM y una tarjeta gráfica Nvidia Gforce 8800 GT, aunque también usamos un MacBook pro de 15" con una Intel Core Duo 2,4, 4 gigas de RAM y tarjeta gráfica GeForce 9600M GT de Nvidia, 256 megas.
Estuvimos unos catorce meses con intervalos de tiempo y fuimos un total de cuatro personas (Juan Cristóbal Calle para diseño de personajes y storyboard, Mauricio Cañón para shaders e iluminación, Fredy Álvarez alias Smenetan para el diseño sonoro y yo mismo haciendo la animación, rigging y composición)."
Cuando habla de sus intereses y el porqué de su acercamiento a la animación, confiesa que "siempre he estado mas atado al mundo de la publicidad, pero me gusta participar en proyectos interesantes y donde especialmente prime la animación y actuación de personajes y el buen diseño. Cuando empecé me gustaba muchísimo la animación norteamericana, creo que tienen los deberes muy aprendidos y siempre logran que las cosas funcionen, pero últimamente me inspira más admiración la animación francesa, de las archiconocidas escuelas Supinfocom y Gobelins . (...) Espero seguir en esa ruta, aportando buenas ideas y animaciones a proyectos interesantes."
Desde aquí deseamos mucha suerte a Camilo en futuros proyectos.

Vamos a la Luna

"Vamos a la Luna" , (originalmente titulada "Fly me to the Moon") se estrena esta semana en nuestras carteleras. Aunque fue la primera película película 3D concebida enteramente para 3-D, su retraso en nuestro país indica que posiblemente la distribuidora ha prefierido esperar a que esta tecnología estuviese disponible en más cines, tras el empuje que ha supuesto el paso de "Monstruos contra alienígenas" para esta tecnología.
La película, realizada en Bélgica por nWave  con Maya y Renderman, algunos plug-ins creados expresamente para la película y Fusion para la composición final, con un presupuesto de entre 25 y 30 millones de dólares, una gran cantidad para lo habitual en producciones belgas.
Lo cierto es que más allá de esto, la película adolece de un cierto simplismo en su trama y su diseño de producción está ciertamente anticuado -incluso "Bichos" de Pixar aguanta mejor el tipo diez años después de su estreno, en comparación a la película que se estrena hoy.

Cómo hacer un niño

Continuando con la nueva ola de cortos explicando cómo llegan los niños al mundo según la mente de un animador, "How to make a baby" es una interesante pieza de tan sólo treinta segundos creada mediante pixilación y realizada por Cassidy Curtis, animador en DreamWorks, y su esposa, Raquel Coelho. Lo más interesante del clip es que ilustra el problema de filmar animación a lo largo de extensos períodos de tiempo, como es el caso del embarazo.
"Animar durante un período de tiempo largo, con una mujer cada vez más embarazada como uno de tus personajes, significa básicamente desechar todo lo que harías en una película de animación. Por ejemplo, muy al principio pensamos en que deberíamos vestir la misma ropa cada vez, para garantizar la continuidad visual. Pero conforme el estado de Raquel fue evolucionando, pronto descubrimos que el esfuerzo extra que requería vestirse y desvestirse de nuestros uniformes iba a interferir en el objetivo de filmar tantos frames como nos fuera posible, y podría incluso impedirnos acabar el proyecto. Decidimos bajar el nivel de perfeccionismo y acabamos el proyecto divirtiéndonos más con él".

La gloria del praxinoscopio

El praxinoscopio es uno de los inventos que no sólo anteceden al cine de animación sino al propio cine en sí, al igual que la linterna mágica, el zoótropo y demás antecesores del cinematógrafo. ara los interesados en la prehistoria del cine y de la animación, el Museo del Cinema en la ciudad de Girona ofrece una de las colecciones más extensas y mejor presentadas de aparatos pre-cinematográficos de todo el mundo.]
En el video musical "We got time", creado por David Wilson, el director ha usado exclusivamente praxinoscopios para crear la animación del videoclip, que sinceramente, tiene momentos absolutamente sorprendentes.

En este otro video, David Wilson explica cómo desarrolló el clip y más importante aún, cómo lo filmó para que el efecto del praxinoscopio quedara bien registrado. Todo un ejemplo de como se puede utilizar algo supuestamente muy antiguo de una forma novedosa.

Sin leyes físicas aparentes

El universo del holandés M.C.Escher es un buen ejemplo de las limitaciones del cine de imagen real frente a las ilimitadas posibilidades de la animación. Las torsiones lógicas que el artista imponía a sus universos, donde la noción de arriba-abajo o delante-atrás se ponía siempre en duda, es algo que sólo tiene sentido dentro de un universo gráfico, en este caso, la ilustración, el cómic o la animación.
Los problemas espaciales de Escher dan pie a uno de los aspectos más relevantes de la animación: lo prescindibles que se hacen las leyes físicas en el mundo de la animación, donde los seres no sólo pueden volar (todos los superhéroes), rebotar en el suelo tras una caída sin hacerse daño, vivir eternamente sin envejecer (cualquier personaje de una serie de animación) o ser reducido a polvo y fragmentos para recomponerse en seguida (cualquier cortometraje de Warner Bros.).

RAIMUND KRUMME, "Seiltänzer"

Algunos autores han explorado esta vía metafísica de la animación, para ofrecer universos donde las nociones físicas son difícilmente aplicables a las del mundo real. Uno de los mejores ejemplos constituye la obra completa de Raimund Krumme, el alemán al que se le ofreció un homenaje por su carrera en la última edición del FilmFest Dresden. Krumme, obsesionado con la obra de Escher, se lleva este problema a la animación, para ofrecer una interrogante continua sobre los problemas que la línea (una dimensión) ofrece cuando trata de mostrar la realidad (tres dimensiones) sobre un universo bidimensional, el papel. La española Isabel Herguera participó en "The Message", quizás su obra de madurez, aunque "Die Kreuzung" o "Seiltänzer" sean quizás más explícitos en este sentido.

JONATHAN BAIRSTOW, "Prophet and lo$$"

"Prophet and Lo$$" fue el debut de Jonathan Bairstow, un autor norteamericano, con un cortometraje muy de su época (era el año 1988), inspirándose en el mito de Orfeo y Eurídice. El corto, basado en la idea de eternos ciclos, revela como el artificio del ciclo, algo inequívocamente propio de la animación, en realidad es una de las más poderosas armas con las que cuenta un animador para romper el principio de realidad y verosimilitud. Es por eso por lo que los animadores 3D usan tan pocos ciclos, ya que se notan en seguida.

ZBIGNIEW RYBCZYNSKI, "Tango"

Otro corto insistiendo en la misma línea del ciclo como arma anti-naturalista y que justamente sirve de nexo entre la imagen gráfica y la fotográfica es el famosísimo "Tango" del autor polaco Zbigniew Rybczynski, ganador del Oscar en 1983. El corto está realizado con las fotografías recortadas de treinta y seis actores diferentes, superponiéndose en un ciclo imposible de acciones y espacio.

CAROLINE LEAF, "Two sisters"

El problema de la verosimilitud espacial es un tema realmente enorme dentro de la animación, ya que la afecta en lo más íntimo. Los famosos principios de Walt Disney fueron justamente creados para hacer lo más verosímil posible, dentro de las leyes físicas del mundo real, a cualquier personaje animado. Sin embargo, hay técnicas que conllevan esta ruptura en su base, como es el caso de la animación con arena o de pintura sobre cristal. Por ello, la obra de Caroline Leaf, una de las mejores exponentes de ambas técnicas, sería una investigación no consciente de la representación de espacios continuos.
"Two sisters / Entre deux soeurs", corto con un parecido temático a "The Pierce Sisters" de Luis Cook, es la historia de dos hermanas que viven en una isla tranquilamente hasta que su existencia se ve interrumpida por la llegada de un marinero.

JOSÉ ANTONIO SISTIAGA, "White Room Syndrome"

Un terreno donde esta cuestión se disuelve, por razones claras, es en la animación abstracta. José Antonio Sistiaga, el pintor abstracto español más interesado por la animación, cierra el tema con "The white room", porque en este terreno, las nociones espaciales o temporales dejan de tener sentido. Enlazo este cortometraje en vez de "Impresiones en la alta atmósfera", su obra más conocida, porque no he sido capaz de encontrar ningún video con suficiente calidad.