KJFG Nº5

Una de los cortos estrella de varios festivales del año pasado. Se trata de una divertida, absurda y muy breve pieza realizada por Alexei Alexeev,  un estudiante húngaro de Les Gobelins.

Coraline y el club de hombres

"Los mundos de Coraline", una de las películas del 2009 sin duda alguna, puede estar convirtiéndose en todo un acontecimiento por muchos motivos, pero a juzgar por las declaraciones de uno de los animadores, Danny Hayes , el trabajo dentro del estudio de trabajo se pareció más a un club exclusivo para chicos. Según sus propias declaraciones para la publicación feminista "Bitch" :
"No os equivoquéis, "Coraline" puede ser la historia de una chica, pero la industria de la animación sigue siendo un club de hombres. Fijaos en los créditos tras la película y veréis que [casi todo el equipo] eran tíos. (...) En mi limitada opinión, esto creaba un ambiente estresante y a veces hostil. Desde Henry Selick (el a menudo maníaco líder de la película) hacia abajo, había definitivamente un sentimiento machista en el estudio. La competitividad entre compañeros y una atmósfera de cadena de montaje era impuesta a los empleados, la mayor parte de los cuales estaban allí debido a su obsesión con la forma artística pero descuidados en el trato por parte del estudio".
Estas agrias opiniones de una de las películas de animación más sorprendentes en los últimos años sirven como recordatorio de que en la animación comercial las mujeres siguen encontrándose en muchos menos puestos importantes que los hombres, aunque la situación haya mejorado mucho en los últimos años y no afecte por supuesto a la animación independiente.

Animac 2009

Hoy da comienzo oficial la muestra internacional de animación de Lleida, Animac .
Este año, la muestra tendrá un sabor muy europeo con una selección de cortometrajes de la escuela francesa de animación La Poudrière, presentados por su directora Annick Teninge y uno de sus alumnos más prestigiosos, Laurel Pouvaret.
Entre las antologías, habrá una dedicada a los trabajos de Michaela Pavlátová, otra a Florence Miailhe y una selección de los trabajos de Alexander Alexeieff y Claire Parker. También podrá verse una selección internacional de trabajos animados con plastilina.
Entre los largometrajes que se presentan, destaca "Waltz with Bashir" que abre oficialmente el festival, el documental "Megunica" de Lorenzo Fonda sobre las andanzas de Blu por Latinoamérica, el último largometraje del ruso Vladimir Toropchin "Ilya Muroments and Solovey Razboynik", la recuperación del primer largometraje belga de animación de Claude Misonne, así como una charla con los creadores de "Panique au Village ", que están preparando su largometraje.
Entre los talleres podemos encontrar a Coke Riobóo, Abi Feijó y Regina Pessoa, así como las actuaciones del proyecto musical u_mä  de Pau Vallvé y Maria Coma la noche del jueves 26, e Internet2 la noche del viernes 27.
La imagen gráfica y la pieza que da la identidad al festival este año han sido creadas por Carles Porta, que también tendrá una sesión dedicada a piezas escogidas por el autor local.
Más información en www.animac.info.



La Dansa del Llop / Animac'09 de Carles Porta.

Los Simpsons en HD

Tras veinte años en antena, la serie más longeva en la actualidad, "Los Simpsons"han decidido actualizar su cabecera acorde con los tiempos, en un nuevo formato, acorde con la ratio del HD.
La antigua cabecera de la serie era el último vestigio que quedaba de la primera emisión en 1989 creada por  la empresa Klasky Csupo.
La Fox ha decidido desactivar la inserción del video en otras webs, así que para verlo hay que clicar en el centro de la imagen y verlo directamente en YouTube.

Pensando la forma

Cuando construyas la forma de un personaje, ten en mente siempre que la forma es lo más importante para la construcción de un personaje. Olvídate del detalle y concéntrate en las formas.
Éstos son un par de ejemplos de malas construcciones del cuerpo, no por un fallo anatómico, sino porque   el dibujante se concentra en exceso en el detalle (la ropa, los cabellos).

Quizás esto sea interesante para una ilustración de moda, pero no nos sirve para crear un personaje que tenga que moverse tridimensionalmente.

La forma no sólo se reduce a una única forma geométrica. No es sólo un balón o un cuadrado o un triángulo: piensa siempre en una combinación de distintas formas, al igual que el cuerpo humano no se compone de un único volumen.

Sin embargo, es importante que no te pierdas en el camino. Muchas formas muy diversas pueden romper la unidad de la figura. También trata de evitar formas demasiado angulosas, ya que son bastante más complicadas de animar y mal comprendidas acaban dándole un aspecto rígido y plano a la construcción del personaje.

Por último, ten en cuenta que tu personaje rara vez estará solo sino que visualmente se comparará a otros con los que comparta escena. Para ello, dótale a cada uno de una forma única y fácilmente identificable.

Al fin, los Oscar

No vamos a hablar de Pe y su oscar aquí (para eso ya están otros medios), tan sólo comentar los Oscar a mejor película animada y al mejor cortometraje de animación.
En el apartado a mejor película de animación, "Wall-E" acabó llevándose el premio, una de las cosas más seguras y predecibles de toda la ceremonia. Competía contra "Bolt" y "Kung-Fu Panda", y había sido aclamada por la crítica norteamericana como una de las mejores cinco películas estadounidenses de 2008. Resulta curioso comparar este premio al de los Annie 2009 , donde "Kung-Fu Panda" acabó arrasando con once premios y ninguno fue para "Wall-E". ¿Qué significa este divorcio tan grande entre la industria cinematográfica tradicional y la industria de la animación?
Andrew Stanton, su director, ya había sido nominado antes tres veces, una por "Toy Story" a guión original y cuatro a "Buscando a Nemo" (director, guión original). También estaba nominado a mejor guión este año, lo que suma cinco nominaciones.
"Mis productores Jim Morris y Lindsey Collins deberían estar aquí conmigo para recoger esto. Ha sido una inspiración pasar tanto tiempo con un personaje que lucha por encontrar la belleza en todo lo que ve. Es una noble aspiración a tener en tiempos como éstos. Me gustaría agradecer a todo el mundo que ha estado en esta película: al reparto, al equipo de trabajo, a todo el mundo en los estudios Disney y Pixar. Me gustaría destacar a Ed Catmull, John Lasseter y Steve Jobs por crear un paraíso cinematográfico sólo en el cual una película como "Wall-E" podría haber sido realizada. A mi mujer Julie, a mis hijos Ben y Audrey, a los cuales quiero tanto y adivino que sería negligente si no agradeciera a mi profesor de arte dramático del instituto Phil Perry, que hace 28 años atrás me asignó el papel de Barnaby en "Hello Dolly!. Las semillas creativas se plantan en los lugares más extraños, así que, uh, muchas gracias a la Academia por esto"

En el apartado de cortometrajes, Kunio Kato y su "La Maison en Petits Cubes" se llevó el galardón. Competía con otros cortometrajes como "Lavatory - Lovestory" de Konstantin Bronzit, "Oktapodi" de Emud Mokhberi y Thierry Marchand, "Presto" de Doug Sweetland (el cortometraje de Pixar de 2008) y "This way up" de Alan Smith y Adam Foulkes.
El discurso de Kato fue mucho más parco que el de Stanton:
"Cómo pesa. Muchas gracias. Gracias a los que me han apoyado. Gracias a todo mi equipo. Gracias a mi productor. Gracias a la Academia. Gracias animación. Gracias a mi compañía, Robot. Domo arigato, Mr Roboto. Muchas gracias"





Con la entrega de los Oscar se da por concluida la remesa de premios para filmes de 2008 y se considera que tras ellos, comienza una nueva temporada de festivales.

Presentación de proyectos en Annecy

Desde la web del festival de Annecy se ha anunciado una extensión de los plazos para el envío de proyectos a la sección Creative Forum. Si tienes un proyecto para un cortometraje, para una serie de televisión, para un largometraje o un proyecto multimedia o videojuego y te encuentras en una fase avanzada de desarrollo pero aún no tienes ninguna empresa que te financie o produzca todo, entonces estás de suerte. Tienes que enviar un dossier con toda la documentación necesaria en tu caso (guión, sinopsis, storyboard, desarrollo de personajes, etc) antes del 20 de febrero a CITIA (la dirección y las bases completas están en los PDF que podéis descargar desde aquí). Los proyectos elegidos obtendrán una acreditación gratuita para asistir al festival, a las conferencias y al mercado, además de la oportunidad de poder exponer tu proyecto ante un grupo de profesionales. El proyecto ganador se llevará además de la posibilidad de ver su proyecto expuesto en el mercado, 6500€ en el caso del proyecto a cortometraje. ¡Mucha suerte a todos los participantes!
Todas las bases en la web de Creative Focus:
- proyectos de cortometraje (PDF) 
- proyectos de series de TV(PDF)  
- proyectos de largometraje (PDF)  
- proyectos multimedia y videojuegos (PDF)

Machinarium

El equipo de Amanita Design (famosos por sus juegos Samorost 1 y Samorost 2) está trabajando actualmente en un juego llamado Machinarium, que esperan tener listo para mediados de 2009.



Más info aquí.

Muñequitos rusos

Dice una entrada de la wikipedia que "como muñequitos rusos se conoce en Cuba a los dibujos animados procedentes de la Unión Soviética y del resto de los países socialistas de Europa del Este. Durante muchos años la programación infantil de la Televisión Cubana estuvo limitada sólo a programas procedentes de estos países, algunos de los cuales eran de una idiosincrasia muy distinta a la cubana." 
Quizás lo más interesante de todo el artículo es cuando dice que "toda una generación de cubanos creció viendo estos muñequitos que hoy algunos recuerdan con nostalgia, y otros con desdén."
Para saber más sobre la animación rusa, podéis encontrar un extenso artículo en español en www.casarusia.com.

El actor inexistente

Tal y como le comentaba Peter Jackson a Andy Serkis mientras rodaban las escenas de lo que luego sería el material a partir del cual se construiría el personaje más elogiado de toda la trilogía de "El señor de los anillos": "Andy, en realidad eres una parte de Gollum. Eres la voz y las emociones (y luego los movimientos), pero del cuerpo se encargarán muchas personas de talento que tienen opiniones igualmente válidas. Tu cuerpo se desvanecerá en la nada y será sustituido por unos y ceros digitales."
Tal y como comenta Alfonso Cuadrado en su estudio sobre el nuevo papel del actor en el entorno digital, el caso de Gollum es un caso excepcional porque permitió demostrar no sólo las posibilidades expresivas de un nuevo tipo de actor híbrido, sino que daba carta oficial a una práctica que venía ya realizándose varios años atrás para videojuegos y animación 3D. En efecto, la motion capture o captura de movimiento se aplicaba desde hacía tiempo, de forma cada vez más perfecta, a todo tipo de producciones que necesitaban abaratar su presupuesto a la hora de crear una animación fluida.
La frase con la que Jackson se dirige al actor también abre paso a una nueva dimensión fascinante del trabajo del actor en las producciones audiovisuales del futuro: ya no es el intérprete final sino una pieza más en el engranaje que compone el director, el animador y el personaje. Lo que años atrás había sido máscara o maquillaje, ahora se transforma en una desaparición física del actor, del que sólo queda su esencia: el movimiento.
Lo curioso de todo esto es que el cine español aún no ha creado su gollum particular. El cine español aún desconfía del actor digital, de ese híbrido entre el hombre y la máquina. Es posible que por eso aún no exista ninguna producción de este tipo, pero lo cierto es que el proceso es imparable, y el actor debe aprender que, en vez de enemigo, se trata de una vía abierta más, una nueva forma más de interpretación, comparable a la que ejercen los dobladores o los dobles.
Uno de los aspectos más interesantes de este hecho es que el actor digital acaba con el sistema de estrellas hollywoodiense. Nunca más veremos a Gollum fuera del entorno de "El señor de los anillos", de la misma forma que los personajes de una pieza de animación no interpretan diferentes papeles en otras películas. El cine digital del futuro es un cine sin estrellas.

El eterno desprecio de la gente del cine a la animación

Resulta claro para mucha gente que con la llegada de las nuevas tecnologías, y muy especialmente, la llegada de Internet, las reglas del juego se han cambiado para siempre en el mundo de la imagen en movimiento. Este proceso, en una interpretación bastante abierta de las ideas de Regis Debray, consiste en el paso de una cultura de la imagen a otra de lo visual, preparando el terreno para lo que ha venido a llamarse la cultura de lo audiovisual. Según Debray, la herencia de la imagen, que ejemplificaría la pintura desde el Renacimiento, pero también la fotografía o el cine, implicaba una recepción pasiva y secuencial de la imagen. La imagen tenía una única interpretación y se pensaba como la transmisión de ideas de su creador al espectador que la contemplaba. La cultura de lo visual, que se inicia con la televisión y el video y se hace evidente con la llegada de Internet, se basa en un lenguaje mucho más fragmentado, donde todo el flujo continuo de imágenes de distinto origen y tipo acaban convirtiéndose, en palabras de Josep María Català, en un "ruido para el oído". Aquí ya no cabe una única interpretación sino que el flujo de imágenes están en contacto con otras imágenes y significados, que van modificando continuamente su percepción, valor e interpretación.
Se trata este de un tema complejo, altamente filosófico, que vamos a dejar por el momento aquí. La relación de este aspecto con la animación parte de un hecho tan simple como es el eterno desprecio que la industria del cine ha hecho a la animación. Eternamente despreciada, considerada (no sin razón) como un subproducto infantil, el único autor de animación generalmente considerado ha sido Walt Disney, y eso más por su labor como gestor y creador de una estética que consiguió durante más de cincuenta años convertirse en el único modelo dominante de la animación occidental, contra el que otros autores sólo podían actuar por imitación o rechazo.
Tal y como menciona Emilio de la Rosa en el libro "El largometraje de animación español: análisis y evaluación ": "la animación, para la gente del cine, no existe. Hay un ejemplo muy claro, cuando ganó "Chihiro" en Berlín (2001), había que ver al día siguiente todas las crónicas de los periódicos, Fernández Santos, Carlos Boyero... todos repetían exactamente lo mismo, que debía de ser lo que venía en el programa de publicidad. Estoy convencido de que ninguno había visto la película. Porque, claro, primero se preguntarían: ¿qué hace una película de animación compitiendo?; y segundo dirían: ¿vamos a ver una película de animación que no va a ganar?. Si la propia gente del cine no respeta la animación, ¿cómo va a ser objeto de estudio de los investigadores?"

Para la imagen tradicional, y especialmente para la mentalidad de la cinefilia tradicional, la animación siempre ha sido un género del cine, al lado de otros géneros como la comedia, el western o el terror. Así, podía una película clasificada inmediatamente como "de animación" ya compartía una serie de rasgos comunes con otras películas.

Sin embargo, la llegada de lo digital a la imagen ha venido a trastocarlo todo. No sólo ha dado la animación la posibilidad de expresarse con más técnicas y mejores medios, de forma más rápida y barata, sino que en general, ha hecho que todas estas categorías sean mucho más difíciles de aplicar y hasta ha resquebrajado la propia concepción de género.
De todo esto se ha beneficiado la animación, porque ha pasado de una posición de inferioridad a otra de absoluta presencia en todo lo audiovisual. Hoy en día resulta cada vez más difícil encontrar algún producto audiovisual donde la animación no sea una pieza integrante más del engranaje total, tan sólo es necesario ver la publicidad, los últimos videoclips o las películas más exitosas para darse cuenta de esto. Incluso las películas más convencionales suelen presentar hoy en día un elaborado trabajo de créditos.

La conclusión a la que queremos llegar: que mientras que para el cine predigital, la animación no era más que un entretenimiento infantil, para la cultura del audiovisual y lo digital esta concepción está más que desfasada, hasta el punto de que se podría afirmar que la animación acabará devorando por entero la cultura visual en cuestión de una década. Y entonces, ¿qué pasará con la animación?

La primera fotografía pertenece a la Librería del Congreso de los Estados Unidos (Library of Congress Prints and Photographs Division. New York World-Telegram and the Sun Newspaper Photograph Collection .)
Las otras fotografías son un collage de tres películas de gran repercusión, que no se pueden entender sin el uso de la animación digital: "300", "Ironman" y "Sweeney Todd", sacadas de la web The Art of the Title.

Jurado por un día: Anifest 2009

El festival checo Anifest ha vuelto a convocar su concurso online para votar las mejores animaciones para Internet desde su página web. La mayoría de las piezas, de corta duración,  muestran que en el mundo de la animación para Internet, Flash ha ido perdiendo la exclusiva para dar paso a una mezcla entre After Effects, 3D y video. No está de más echarles un vistazo a algunas de las piezas como la alemana "Our wonderful nature", una divertida parodia de los documentales de naturaleza en 3D inspirada en "The Matrix"; la técnicamente imperfecta pero muy interesante parábola de la crisis actual "Na jedné lodi"; la brevísima pieza en 3D "Emily" o una reflexión sobre la globalización económica "Rebel with a cause". La única pieza de habla hispana, "Ensueño lunar", a partir del tema musical de David Bowie "Moonage Daydream" ha sido creada por el argentino residente en Barcelona Guillermo Daldovo .
Puedes encontrar el concurso entrando en esta dirección web. 

Ratones y gatos en la Berlinale 2009

Quizás uno de los autores de animación más radicalmente innovadores del panorama actual, el polémico David O'Reilly. Aquí puedes ver la pieza ganadora al mejor cortometraje, titulada "Please say something".

PSS (1-5) de David OReilly en Vimeo.

Entrevista a César Díaz

Cesar Díaz Meléndez (Madrid, 1975) es, además de bajista en el grupo "El combolinga", animador desde 1994. Ha trabajado en más de cuarenta series de dibujos animados para TV, en varios largometrajes como "El Cid, la leyenda" y "El sueño de una noche de San Juan", ganadores del Goya, además de "Famous Fred" de Joanna Quinn, nominado al Oscar en 1998. A partir de 2002 comienza a realizar cortometrajes de animación stop-motion con plastilina (“Arroz pegao”, 2004), arena (“En tierra”, 2006; “No corras tanto”, 2008; “Atormenta”, 2009) y objetos ("Documentales animados”, 2002; “Cocina Salvaje”, 2006; “Vida Nocturna”, 2007), además de participar en cortometrajes ajenos como "El viaje de Said" o los títulos de crédito de "¿Y tú quién eres?".


1. Dentro de la animación, la animación con arena permanece en un área virtualmente inexplorada o una técnica a la que algunos autores se acercan ocasionalmente. ¿Cómo es en tu caso la aproximación al medio y qué te lleva a elegir la arena como tu forma de trabajo?
Desde hace casi quince años me dedicaba exclusivamente al 2D tradicional, trabajando en series para televisión, hasta que me lancé a experimentar con otras técnicas en los ratos libres. Probé con plastilina, con objetos, recortables y la verdad es que cuando animé con arena juré no volver a hacer nada con ésta técnica. Me pareció desesperante. Pero con los años me volvió a picar la curiosidad, realicé varios mini cortos y trabajos hasta que surgió hacer un videoclip y aquí fue mi oportunidad para poner en práctica todas las inquietudes que tenía sobre la arena. En realidad aún sigo explorando y probando con otras formas de animación. Me gustaría experimentar con otras cosas antes de decantarme por una técnica.

2. Si bien la arena puede encontrarse en el caso de algunos autores, sí que es cierto que en el caso de la animación comercial se trata de casi un tabú. ¿Crees que sería posible plantear series o largometrajes realizados con esta técnica?
En el caso de series pienso que sería totalmente posible. De hecho estoy con la idea de desarrollar una serie de cuentos de misterio-terror-risas de un minuto, que podría funcionar como tal. La textura y el aspecto de la arena da mucho juego para crear atmósferas oníricas, siniestras o románticas ideales para contar algunas historias. Para un largometraje ya… buf. No se si se soportaría más de una hora ésta técnica. Y no quiero ni pensar el tiempo invertido en realizarlo. Pero ¡porqué no!

3. ¿A qué crees que se debe este desencuentro entre la animación con arena y su aprovechamiento por parte de las empresas?
Supongo que en parte por el desconocimiento de la técnica. Y como siempre hay prisas, quizás por el tiempo invertido en la realización, que suele ser muy lenta, dependiendo de la complicación de los planos.

4. A pesar de su indudable belleza plástica, da la sensación de que debe resultar muy difícil el poder recrear aspectos como el color, la diferencia entre texturas o el volumen sólo con arena. ¿Qué ventajas encuentras tú en el medio frente a otras técnicas?
Para mí, una ventaja es poder ver en resultado final al momento de acabar un plano. Importar las fotografías a un programa de edición de video y darle al play. Sin necesidad de efectos o retoques. También me ocurre que con la arena, a veces parece que los dibujos tienen vida propia y se crean ellos mismos (¿me estaré volviendo loco?). Me refiero a que cuando mueves la arena para pasar de un dibujo a otro aparecen formas que te sugieren otra cosa y acabas tirando por otro camino al original. Otra ventaja es que no hace falta ser muy detallista porque el resultado es agradable aunque el dibujo sea sucio y abocetado. Pero sobre todo la libertad de improvisación.

5. Esta técnica plantea una serie de cuestiones muy diferentes respecto a otras áreas de la animación, que en cualquier otra técnica no se plantean. La propia ductilidad de la arena hace que aspectos como la propia cualidad del plano o el paso de un plano a otro sean mucho más problemáticos incluso que en un medio tan libre como la animación por dibujo. Algunos autores, como es el caso de Caroline Leaf, aprovechan esta cualidad para hacer que sus imágenes vayan fluyendo continuamente, en una continua transformación, prescindiendo casi de saltos de plano. ¿Tiene la arena por tanto una relación muy diferente con el lenguaje cinematográfico a, digamos por ejemplo, la animación 2D tradicional o el 3D?
No creo que sea muy diferente, se puede aplicar el mismo lenguaje que en 2D o cualquier otro. Pero sí es verdad que con arena puedes enlazar un plano con otro sin cortes, con transformaciones, y eso es una ventaja que hay que aprovechar. En lugar de destrozar el dibujo para pasar a otro plano, que siempre da pena y no hay marcha atrás, mejor destrozarlo foto a foto para transformarlo en otro.

5. ¿Cómo planificas cada nueva historia? ¿Utilizas herramientas habituales, como el storyboard o una hoja con modelos de personajes?
Soy muy vago para eso. Suelo improvisar mucho. Empiezo a animar a partir de una idea difusa o de un plano en concreto y a continuación van surgiendo ideas que apunto en un papel o animo directamente. Desde luego no se lo recomiendo a nadie. Mucho mejor tenerlo claro desde el principio y tener un storyboard. Aunque siempre dejando un hueco a la improvisación. En el caso de “No corras tanto” pasé más días pensando qué hacer y cómo continuar, que animando.

6. Da la sensación de que la única forma en la que se puede trabajar aquí es mediante animación continua, sin posibilidad de marcarte fotogramas principales. ¿Cómo vigilas el timing de tu historia?
Pensando la acción continuamente. Siempre edito el plano según lo voy animado. Cuando llevo rodado tres o cuatro segundos o tengo alguna duda de cómo continuar el movimiento, las voy pasando a Premiere para ver si voy bien. Cada foto la pongo durante dos fotogramas y estiro algunas a tres fotogramas o encojo a uno, dependiendo del movimiento, y a seguir animando. Así, cuando he terminado de animar el corto, también está ya editado.

7. Posees un dominio excepcional de la técnica, del cual se podría esperar prácticamente cualquier cosa en los próximos años. Surge la pregunta: a la hora de tomar influencias, ¿quiénes son o han sido tus maestros?
Bueno, El culpable de que empezara con la animación fue Jesús Minguet, que me puso a trabajar en un estudio, Tábano Films, mientras me enseñaba animación 2D. Lo que me lanzó a experimentar con arena fue una revista sobre animación, ya desaparecida, que se llamaba “Píxel”. Con ella descubrí que había vida mas allá de los dibujos animados. Y en concreto un articulo sobre la técnica, de Begoña Vicario, que me habré leído cien veces por si hay mas información escondida. Empecé a ciegas mirando fotos y buscando cortos. Así descubrí a Isabel Herguera , Caroline Leaf , Abi Feijoo , Regina Pessoa , Alexander Petrov  o más recientemente Ferenc Cako .

8. A la hora de ir animando con arena, te ves obligado a ir modelando la luz y a jugar con los huecos. ¿Te lo planteas más como algo relacionado con el dibujo o llegas a sentir la materialidad de la arena casi como algo escultórico?
La verdad es que no sé, ni me lo planteo. Aplico lo que conozco de dibujo y animación y juego con dibujar en positivo o en negativo, en iluminar por arriba o por abajo, o en usar menos o más cantidad de arena para crear volumen.

9. ¿Qué consejos le darías a otros animadores en tu misma situación?
Pues mucho ánimo, y que aprovechen los momentos sin trabajo para crear sus propias historias. Y si tienen mucho curro, que me pasen alguno.

Sobre tu último cortometraje, "Atormenta":
a) técnica/software con el que se hizo
Se utilizó arena y sal. Capturando con una cámara de fotos digital Canon EOS 400D. Editado en Adobe Premiere. La lluvia y rayos se hicieron con Freehand y Photoshop y los relámpagos con una linterna de leds bajo el cristal y la sal.

b) tiempo aproximado desde la concepción del proyecto hasta su estreno
Una semana. El mismo día que se nos ocurrió la idea empezamos a animar hasta dos horas antes del fin de plazo de inscripción en el festival. No dio tiempo para más.

c) ¿cómo surgió la idea?
Al acabar “No corras tanto”, en el último plano, utilicé sal. Me pareció perfecto para dibujar nubes. Y me arrepentí de no haberla utilizado antes.
Estuve dando vueltas a utilizar esas nubes en otro corto hasta que se mezcló con el miedo que tengo a los rayos y con la idea de hacer otro corto siniestro de un minuto, sobre “venganzas raras” similar a “Entierra”, de hace unos años.

d) ¿cuántas personas participaron en el corto?
Isabel Heredia, diseñadora gráfica que se encargó de la lluvia, créditos y planificación de los planos junto conmigo como animador.

Barriola, San Adriango azeria (El zorro ladrón)-Trailer

Según informa el diario Gara, este año se estrenarán un total de quince largometrajes de animación procedentes del País Vasco, lo cual puede suponer un fuerte empuje a la cada vez más pujante presencia vasca en el panorama nacional de la animación.
El primer estreno del año, y un tanto de puntillas para los medios, ha sido la nueva película de Juanba Berasategi, uno de los nombres más ilustres de la animación comercial vasca. La película recrea la tradición popular de los carboneros de Aizkorri a través de la figura de un zorro con un estilo de animación tradicional.

No corras tanto

Animación con arena sobre cristal por César Díaz Meléndez. Música de El combolinga.

Entrevista a Isabel Herguera

Isabel Herguera (San Sebastián, 1961), licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, prosigue sus estudios en Alemania y Estados Unidos. Primero en la Academia de Artes de Düsseldorf , Alemania, como alumna de Nam June Paik y mas tarde en el California Institute of the Arts, en Los Angeles, donde realiza un Master en el departamento de animación experimental, dirigido por Jules Engels. Posteriormente trabajó en diferentes estudios de animación en Los Angeles. En 1994 fundó junto con Satinder Singh un estudio de animación: Loko Pictures, donde se realizaron varios trabajos de publicidad para clientes como HBO, FOX International y Proctor&Gamble entre otros. Ha trabajado con todo tipo de técnicas: arena, pintura, recortables y tiza, entre otras. Algunos de sus trabajos incluyen "Spain loves you" (1998), "Safari" (1988), "Cante de ida y vuelta" (1989), "El sueño de Iñigo" (1991), "Baquine" (1992), "Los muertitos" (1994) Su último cortometraje de animación "La gallina ciega" (2005) fue nominada a los premios Goya de 2006. Ha impartido diversos cursos y talleres en CALARTS – California Institute of the Arts (Los Angeles), en EICTV - Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (Cuba) y actualmente coordina el curso de animación experimental en N.I.D. - National Institute of Design en Ahmedabad (India). Desde marzo de 2002 dirige Animac, Muestra Internacional de Cine de Animación de Cataluña en Lleida.
Fotografía: Carlos Cazurro


1. Cuando tú iniciaste tus primeros pasos, no era muy habitual decantarse por la animación como carrera profesional. ¿Qué fue lo que te atrajo de este mundo?
La animación era un medio que yo conocía muy poco. Al carecer de referencias tenía mucha libertad para hacer las cosas sin atenerme a reglas, sin saber nada, sin pretender nada. Me gustaba su honestidad, pues me lo planteaba como un juego. El escenario apenas era más grande que una hoja de folio y allí los personajes eran libres de hacer cualquier cosa. Una forma directa y accesible en la que la técnica era comprensible y muy manejable.

2. Tu primer trabajo dentro de la animación, "Spain loves you", supuso un muy personal punto de partida, ya que partías de detalles autobiográficos mezclada con la más reciente historia española, temas poco habituales en el mundo de la animación. ¿Por qué elegiste este enfoque tan
personal para tu primer proyecto de animación?
En aquel momento yo estaba trabajando con fotografías familiares. La ampliadora estaba situada en el mismo estudio en el que había una truca de animación. Coincidió que un compañero de clase, Gul Ramani, me invitó a hacerle de asistente en un seminario de animación que estaba impartiendo a niños. Un accidente fortuito del cual surgio "Spain loves you".

3. ¿Crees que se explota poco el potencial de la animación para expresar la subjetividad de cada autor?
Hay mucha gente que se dedica a la animación no comercial. Normalmente desconocemos ese segmento de la industria porque apenas tiene visibilidad. Tan solo podemos ver este trabajo en los festivales especializados o en algunos programas de televisión que se dedican al cine de autor. La animación tradicional por su naturaleza comercial tiene más presencia pues forma parte de un mercado de gran rentabilidad económica. La animación de autor, como el cine de autor es menos conocido y tiene menos visibilidad. Pero la gente que se dedica a este género tiende a contar historias personales y desarrolla estilos muy diferentes a los de la animación tradicional.

4. Como una de las animadoras más personales del panorama español, ¿crees que el medio tiene aún un enorme potencial por descubrir o está ya todo dicho?
Las historias son siempre las mismas, el transcurrir del tiempo hace que éstas se cuenten de una forma u otra. Aún así, yo soy de la opinión que esta aún todo por decir y más en un medio relativamente nuevo como es el cine o la animación que formal y conceptualmente esta muy sujeto a los avances técnicos.

5. Como directora del Animac de Lleida, tienes acceso a las tendencias y nuevas vías que se van abriendo cada año. Esta claro que los últimos años han sido los de la consolidación de las nuevas tecnologías en la animación, lo cual a su vez ha permitido una democratización y un mayor acceso del medio a todo tipo de personas. ¿Hacia dónde crees que se dirige ahora mismo la animación mundial?
El medio es cada vez mas accesible y por lo tanto mayor numero de gente se atreve a hacer cosas. El lenguaje audiovisual es hoy parte del aprendizaje natural de cualquier chaval. Si lo comparamos con el concepto de espectáculo cinematográfico de hace cien años, el cine de hoy en día no tiene nada que ver. Me encantaría ser una visionaria para poder imaginar como será el cine dentro de cien años...

6. Tras "Los muertitos" se produce un lapso en tu obra de once años, de los cuales, siete los inviertes en realizar "La gallina ciega", un excelente trabajo sobre dos cuentos de Max Aub. ¿Qué fue lo más complicado e interesante de este trabajo? ¿Con qué dificultades específicas te encontrastes y cómo las resolvistes?
Desde que acabé "Los muertitos" hasta que comencé "La gallina ciega", pasaron nueve años en los que trabajé en la industria de la animación comercial. “La gallina ciega” fue un trabajo personal para el cual no existían clientes o remuneración económica al uso. Este trabajo requirió perseverancia y disciplina. Creo que mantener la motivación durante los tres años que duró la producción fue lo más difícil.

7. Aunque la animación es un campo en el que suelen verse muestras de una gran libertad creativa, gran parte de la animación comercial que se hace en el mundo suele ser poco original, formularia y bastante repetitiva y esto también se refleja en muchos cortometrajes independientes. ¿Crees que los autores de animación son poco conscientes del potencial que tienen entre manos a la hora de hacer animación?
En la animación comercial la experimentación es una actitud que conlleva riesgos económicos y por lo tanto se utiliza con mucha cautela. El artista, sea animador, músico o bailarín, es un reflejo de aquello a lo que está expuesto, si sólo se nutre de un tipo de forma de hacer repetirá aquello que conoce o ha visto. Si en cambio está receptivo a cualquier manifestación artística, no exclusivamente animación, su trabajo se enriquecerá con otras maneras de percibir el entorno. La gente dispone hoy en día de las herramientas como para poder conocer cualquier cosa en el lugar mas recóndito del planeta... La curiosidad por el conocimiento es aquello que se debe fomentar el aprendizaje, el oficio viene naturalmente con la práctica del mismo.

8. Llegaste a crear tu propia empresa de animación en Los Ángeles, una aventura que ahora has acabado definitivamente. ¿Qué dificultades encontraste? ¿Qué aspectos positivos te ha aportado?
Los Ángeles es una sala de espera donde el talento mundial espera su oportunidad. La gente es brillante, ambiciosa y muy competitiva... La experiencia de montar un estudio de animación en Los Ángeles fue un acto de ingenuidad y locura. La competitividad era muy grande por lo que aprendí a no escatimar esfuerzos. Esto me ha sido de gran ayuda pues siempre intento al aplicar ese rigor profesional, que exige el trabajo comercial, en mi trabajo personal.

9. El libro "Mamá, quiero ser una artista" es una propuesta insólita en el panorama editorial sobre animación español: un libro sobre las mujeres profesionales en España. ¿Crees que la animación sigue siendo una profesión esencialmente machista?
"Mamá, quiero ser una artista" es un libro que nos encargó la Comunidad de Madrid y Animadrid en 2004 que se centró en el tema de la mujer. Es verdad que la mayoría de los animadores en el ámbito comercial son hombres. Y también es cierto que dentro de la animación independiente hay tantas mujeres como hombres. Yo personalmente nunca me he sentido en inferioridad de condiciones por el hecho por ser mujer.

10. La organización de un evento como Animac supone un enorme reto. ¿Cuáles son los retos que plantea la organización de una muestra como la de Animac?
Creo que el reto mas importante es contagiar entusiasmo y pasión por cualquier actividad creativa. Suscitar la curiosidad por cualquiera de los aspectos que directa o indirectamente se muestran durante Animac. Este entusiasmo se ha de transmitir tanto a aquellos que conocen Animac como a los que se acercan por primera vez.

11. ¿Crees que los festivales y muestras de animación tienen algún tipo de consecuencia o beneficio sobre la comunidad internacional?
La respuesta a un estímulo es inmediata y no se atiene a fronteras. Ese entusiasmo del que hablaba antes no queda encerrado en las paredes de tu casa sino que fluye orgánicanimente como las ideas, el cine, el arte o la cultura.

12. Por último, ¿qué consejo le daríais a otros cineastas y animadores?
Que se ha de hacer lo que uno siempre ha soñado. El apoyo tanto económico como humano está a nuestra disposición. Hay que atreverse a ello, nada más.

El video completo puede encontrarse en el portal Veoh

El proceso de crear "La gallina ciega":
a) técnica/software con el que se hizo
Dibujo tradicional, tinta sobre papel . Composición digital en After Effects.
b) tiempo aproximado desde la concepción del proyecto hasta su estreno
Tres años.
c) ¿cómo surgió la idea?
La idea surgio a partir de dos libros del escritor Max Aub. Uno de ellos de relatos cortos titulado "Crímenes ejemplares" y otro llamado "La gallina ciega".
d) ¿cuántas personas participaron en el corto?
Es difícil de decir, pues la producción fue muy fragmentada. Tuve que adaptar la producción del corto a mi trabajo en la dirección de Animac. Creo que trabajamos unas veinte personas, algunas tres meses otras tres días.

Para saber más sobre Isabel Herguera, podéis leer entrevistas sobre ella en la web Mosaic, en el libro "Mamá quiero ser artista", (ed. Ocho y Medio, ISBN: 978-84-95839-87-9) y en el libro "Cortografía: Animación", (ed. Iberautor Promociones Culturales, S.L., ISBN: 97-88480486-35-4.)
También podéis acudir a la web de Animac.

Premios Goya 2009

Mejor película de animación

"El lince perdido" de Manuel Sicilia y Raúl García.



Web de la película: www.themissinglynxmovie.com.

Mejor cortometraje de animación

"La increíble historia del hombre sin sombra" de José Esteban Alenda.



Enhorabuena a todos.

La noche de los Goya

“Será entretenida, divertida, ingeniosa, inteligente y amena”. Así es como la actriz Carmen Machi asegura que será la vigésimo tercera ceremonia de los premios Goya. Mañana, lunes 2 de febrero, todos los medios hablarán de las películas y actores ganadores, aunque lo cierto es que muy pocos se acordaran de los cortometrajistas y de la animación. Es posible incluso que, como ya se hizo el año pasado, cuando la academia jugueteó con la idea de suprimir los goyas a los cortometrajes, estos premios se entreguen durante la publicidad, para no aburrir al personal y que bajen las audiencias.
No sabemos qué grado de importancia le puede llegar a dar un académico a la animación, saturado de casillas que tachar y cegado por lo que sabe que será uno de los titulares del día siguiente: el actor, la actriz, la película. Lo que no se da cuenta la Academia -ni el cine español- es que la animación inició hace tiempo un proceso de fagocitación de su supuesto hermano mayor, donde ya no se sabe qué es real y que es recreado por medios digitales, y que actualmente es el que arrasa en las taquillas mundiales. ¿Estamos hablando de arte o de taquilla? De las dos, ya que es la aspiración de nuestro cine y de la Academia.
Desde Animaholic le deseamos mucha suerte a todos los nominados al mejor largo y al mejor corto de animación. Entre los largos, muchos animales (un asno universal, la fauna de un bosque literario gallego y nuestra especie autóctona más en peligro) y un no-humano sevillano. En nuestra encuesta sobre cuál sería la película ganadora de los Goya, no hubo mucho entusiasmo a la hora de votar:
Donkey Xote: 5 votos (31%);
El Lince Perdido: 7 votos (43%);
El Espíritu del Bosque: 3 (18%);
RH+ El Vampiro de Sevilla: 1 (6%)
Los nominados al mejor corto de animación han sido entrevistados al completo en Animaholic. Si queréis recordar quiénes han sido, aquí tenéis un enlace a su entrevista, donde podréis ver su cortometraje nominado.
Mucha suerte a todos:

El ataque de los kriters asesinos
Samuel Orti "Sam"

Espagueti western
Entrevista a Sami Natsheh

La increíble historia del hombre sin sombra
Entrevista a los hermanos Alenda

Malacara y el misterio del bastón de roble
Entrevista a Luis Tinoco

Rascal' street
Entrevista a Marcos Valín, María Monescillo y David Priego