Esta web en castellano contiene multitud de enlaces, fotografías e informaciones sobre la serie de animación más popular de las últimas dos décadas, The Simpsons, y posiblemente hará las delicias de todos aquellos que sigan la serie. Contiene un listado con todos los episodios hasta la última temporada emitida en Estados Unidos e incluye resúmenes de muchas temporadas, además de fotografías, noticias, e incluso una especie de "consultorio Simpson", donde se invita a los usuarios a realizar preguntas del tipo "¿En qué episodio salía...?" o "¿Cuál es la canción..." Desde aquí animamos a los creadores de esta web a continuar con este titánico proyecto. Mucha suerte.
Guillermo García Carsi (Madrid, 1974) es director y creador de Pocoyo, una de las series de animación preescolar que más éxito han tenido en los últimos años a nivel mundial. Después de estudiar animación en el Bournemouth Art College en Inglaterra, Guillermo trabaja para Cartoon Network en España como animador y realizador, para más tarde pasar al equipo creativo de Zinkia. Poseedor de un estilo gráfico alocado y brillante, sus dibujos y cortometrajes personales muestran un universo personal complementario de su creación más conocida. 1. ¿Cómo llegaste al mundo de la animación? De pequeño no sabía qué era eso de la animación, quiero decir que me encantaban los dibujos animados pero no tenía ni idea de que eso lo hiciese alguien o de que fuera una profesión. A mí me gustaba dibujar, podría decirse que era "el que dibuja de la clase", aunque luego en el instituto apenas toqué un lápiz; estudiar, tampoco mucho, la verdad. Fue más tarde, en uno de esos maravillosos internados de verano para recuperar asignaturas pendientes donde retomé el dibujo por puro aburrimiento; y me di cuenta que podría ser una opción de ganarme la vida justo cuando se me acababa el tiempo de elegir una carrera. Y así empecé a prepararme para ingresar en Bellas Artes, algo que resultó ser igual de coñazo que el resto. Tras un tiempo tonteando con carboncillos y demás, llegó la revelación y, por fin, encontré mi maldita vocación al descubrir en algunos especiales de la tele y en el programa Metropolis un montón de cortos de animación, de estética y temática totalmente nuevas para mí: los cortos de Joanna Quinn, de los hermanos Quay, los primeros de Pixar , Liquid TV y, por supuesto, el sartenazo final que supuso ver El show de Ren y Stimpy. Después de todo esto se me aclararon bastante las ideas y me encaminé, siguiendo la estela de la que por entonces era mi novia, a Inglaterra a estudiar animación, donde pasé tres años. 2. En tus creaciones más personales se aprecia una gran influencia de animadores como o John Kricfalusi. Amid Amidi, autor de "Style and Design in 1950s Animation" mencionaba por otra parte como el diseño de los 50 parece estar viviendo un revival en todo el mundo. Dentro del universo de la animación en 3D, donde la tendencia hacia el hiperrealismo absoluto había sido la nota predominante hasta hace muy poco, ¿qué importancia crees que puede llegar a tener la animación estilizada y limitada de los 50? Yo disfruto mucho con este tipo de animación porque supone un reto para la imaginación. Con un personaje realista sabes a qué atenerte. Es muy difícil técnicamente, claro está, pero tienes la referencia de la anatomía; sin embargo, con los personajes estilizados te encuentras con que quieres hacer que un personaje como pato se encoja de hombros y resulta que no tiene hombros... ¡! Gestos y acciones normales pasan a ser originales gracias a esa limitación. En mi opinión, hacer algo puramente realista es desaprovechar las posibilidades que te brinda la animación y, aparte, es aburridísimo de hacer. Para que este tipo de animación funcione en 3d te tiene que dar igual "cómo es tu personaje" y tienes que estar dispuesto a rediseñarlo en cada pose, como hacen los animadores 2d, si quieres que quede interesante.
3. En tu trabajo se distinguen multitud de influencias y estilos. ¿Qué autores o personas han marcado tu forma de trabajar? Son muchos los artistas que me han influido e influyen. Por citar algunos: R. Crumb, Kaz, Akira Toriyama, Ibáñez, Buñuel, Base man, Upa, Michael Dudok, Matt Groening, Peter Bagge...en fin, unos cuantos.
4. La animación preescolar es un terreno al que a menudo animadores y público le dan la espalda por considerarlo "infantil". Pocoyo no sólo consigue ser un producto muy atractivo para niños sino también para adolescentes y adultos. Parte de este éxito se deriva del excelente acabado técnico de la serie, así como de sus muchas innovaciones visuales dentro del campo del 3D. ¿Qué es lo que en tu opinión diferencia Pocoyo del resto de las series infantiles? Mi planteamiento inicial no era hacer algo exclusivamente para niños sino más bien crear un Cartoon que fuera apto para los niños más pequeños. Otra de las claves de Pocoyo son las personalidades de los personajes y su autenticidad. Ni Pocoyo, ni Pato, ni Elli están ahí para hacer reír a nadie; si te hace gracia genial, pero ellos tienen su vida propia con sus diferentes manías y virtudes, no son muñecos sonrientes cuyo único interés sea caerte bien y que no cambies de canal. Por último, tanto el diseño como su actitud huyen deliberadamente de todo lo que sea cursi; me encanta cómo mezclan los japoneses sus personajes "monos" con humor, ironía y fuertes personalidades, pero sin renunciar a un aspecto agradable, incluso tierno. Esto creo que los hace más como los niños reales.
5. El éxito de "Pocoyo" ha sido fulminante en todo el mundo, convirtiéndose rápidamente en una de las series infantiles más conocidas en la actualidad. En una entrevista para la prensa, Víctor López afirmaba que con Pocoyo no pretendíais "crear una serie de dibujos, sino una marca de entretenimiento". En un terreno tan impredecible como es el de la creación, ¿cuáles crees que son los factores que determinan el éxito de un producto? En mi opinión lo fundamental es crear algo que conecte con el público, que emocione, o haga reír, o lo que se proponga el autor. Los demás valores que te ofrezca una serie, película, o lo que sea, no son suficientes. Esa conexión está por encima de las estrategias de marketing, de las marcas e, incluso, de la calidad técnica del producto o de su complejidad; lograr que la gente empatice con tus personajes es la esencia de todo esto y sufrir o disfrutar con sus problemas es la experiencia que buscamos cuando vemos una peli o una serie. Luego, por supuesto, hay que venderla bien, que no es fácil, y si haces una marca, fantástico, pero a mí me interesa y divierte más conseguir dar vida a los personajes, y creo que es el punto de partida ideal.
6. ¿Crees que la industria española de la animación está actualmente lista para afrontar cada vez más éxitos internacionales? No tiene mucha pinta de que eso vaya a suceder y tampoco parece haber una industria propiamente dicha, aunque ojalá con el tiempo sea así. Algo que quizás podría mejorarse es que, en vez de invertir toda esa pasta que se invierte, de las subvenciones en reiterados fracasos taquilleros, se podría gastar en crear escuelas de formacion con medios donde se pueda aprender no solo a ser animador, sino a ser un buen director de arte, de story board, etc.
7. ¿Qué consejo le darías a cualquier persona que quisiera seguir tus pasos? Si lo que quiere es acabar creando personajes creo que es un inconveniente estar influenciado sólo por las series del momento. Investigar los clásicos es fundamental aunque por otro lado no conviene limitarse exclusivamente al mundillo de la animación. Tener influencias de todas las disciplinas posibles y la observacion del mundo real también puede ayudarte a evitar caer en tópicos y endogamias varias . Por otro lado, si quieres dirigir, el story y el animatic son tus herramientas, ahí es donde se cuenta la historia con imágenes y donde marcas tu ritmo, humor y estilo. Podéis encontrar más artwork y cortometrajes de Guillermo García Carsi en su página web: www.guillermogarciacarsi.com
Nadia Barkate, Eider Gutiérrez y Marión Cruza se conocieron en Bellas Artes en la Universidad de Bilbao y desde el comienzo de los estudios han trabajado juntas en proyectos audiovisuales. El videoclip que hacen con la versión de "El baile del Karramarro" de The Paniks ha conseguido llamar la atención de animadores de medio mundo. En esta entrevista, hablamos con Nadia Barkate. 1. ¿Cómo habéis llegado al mundo de la animación y qué es lo que os atrae de ella? Las tres (nos conocimos en la universidad de Bellas Artes del País Vasco y pronto hicimos equipo. Como combo hemos trabajado en unas cuantas realizaciones de tipo Videoarte. El videoclip de los Paniks viene de la colaboracion con este grupo musical al que adoramos y de un deseo de hacer algo conjunto y de adaptar el tema "Baile del Karramarro" a nuestra manera. El hecho de haber utilizado la animación se resume en nuestra aproximación al mundo audiovisual y al de la Gráfica o dibujo y su correspondiente resultado. Yo me encargué de diseñar el disco de los Paniks y mayoritariamente lo resolví dibujando así que el paso lógico al realizar el videoclip era seguir utilizando el dibujo como imagen y como herramienta, para ello nos juntamos las tres en dos meses de arduo trabajo diario. La animación esta realizada a carboncillo, dibujo a dibujo, hay formas más fáciles de realizar una animación, pero nos interesaba el carácter artesanal del proceso y la plasticidad de los materiales. Así que el resultado es una animación de vieja escuela hecha con mucho cariño, entre nosotras y afecto dirigido a los Paniks, fabulosa banda de Rock. Nuestra experiencia con la animación es escasa, pero contamos con algun trabajo más, lo que más nos atrae es la forma en la que se genera la vida, tanto de forma narrativa como textural o cromática.
2.Vuestro videoclip para se está convirtiendo en un pequeño fenómeno dentro de foros de animación internacionales. ¿En qué os habéis inspirado para este videoclip y cómo fue la tónica de trabajo para el mismo? La inspiracion venia del tema del disco "Panik Piknik" que incluye el tema del karramarro, las letras de este disco son un elogio al rock primitivo, la naturaleza, la vida salvaje y el cine. Tomando estos ingredientes hemos hecho un pastiche de imágenes robadas y reinterpretadas (Truffaut, Mohamed Rafi, Bollywood, bailes regionales y populares...) e imágenes propias. Para ello hemos utilizado tanto la Rotoscopia como la improvisación, para ponernos a trabajar nos fijamos en la obra de otros animadores, como William Kentdridge, y su dispositivo de dibujar-borrar sobre el mismo dibujo nos dio pistas para empezar. El carboncillo permite borrar como en una pizarra, así que como dato de interés te digo que solo utilizamos tres pliegos de papel para realizar toda la animación, pero mucho carboncillo. Y muchas horas. Te puedes imaginar.
3. ¿Cuáles son vuestros planes para el futuro? Seguir trabajando. El futuro es incierto, se supone que en el 2000 los coches iban a ser voladores y yo todavía tengo un 125, con eso te lo digo todo.
4. La música es algo que ha estado muy unido a la animación desde sus comienzos y desde la aparición de la MTV, la animación y el videoclip han tenido muchas aproximaciones. ¿Qué enfoque exige el videoclip para la animación? ¿Por qué se hacen tan pocos videoclips de animación para la industria musical española? No lo sabemos... El enfoque que exige el videoclip para la animación... Yo creo que hay condiciones al realizar un videoclip, el tiempo que dura una canción, el ritmo, la fluctuación de la imagen con el sonido... pero aparte de esto no sabría decirte que otro tipo de exigencias puede haber, igual las exigencias del mercado, u otros factores de tipo tendencioso o de demanda de moda en lo gráfico, pero esto para quien le afecte. Nosotras no hemos tenido nada de esto en cuenta, sabemos que el video no es innovador ni técnica ni gráficamente, y no nos importa.
5. En el País Vasco parece haber últimamente bastante movimiento en lo que se refiere a la animación, en parte al efecto que escuelas como Arteleku están teniendo. ¿Qué importancia le dais vosotros a la formación académica? Nosotras recibimos formación académica en la Universidad. En Bellas Artes la formación es bastante general y poco especializada, esto tiene sus pros y sus contras. De animación hay tan sólo dos asignaturas por ejemplo, pero estudiamos fotografía, pintura, escultura... la mayoría de los estudiantes de Arte acaban "controlando un poco de todo". La especialización viene por cuenta propia. Si te interesa hacer una animación puedes, el proceso es fácil, lógico y mecánico para cualquiera, pero es un trabajo duro y largo. El tiempo que requiere ver una pieza acabada puede echar atrás, pero es muy satisfactorio el resultado. Si llegas al final puedes volver a repetir. En el Euskal Herria hay mucha gente trabajando en el arte, es igual por eso que haya más gente haciendo animación, pero yo creo que la razón es simple proporción.
6. Vuestro video se basa en una estética muy alejada de lo que domina actualmente el mercado, ilustrando a la perfección la canción. ¿Qué peso tienen para vosotros las nuevas tecnologías y hasta qué punto os planteáis su utilización en el futuro? Utilizamos igualmente altas y bajas tecnologías. Tenemos la misma confianza en un computador que en un lápiz. Ambas son herramientas. Si requerimos alguna tecnología para realizar una idea, la buscamos, la aprendemos y la aplicamos. Así de fácil debería ser.
7. ¿Qué otros autores admiráis y os influyen en vuestro trabajo? Son muchos a mencionar y no necesariamente en el estricto terreno de la animación así que me ahorro la lista diciendo que tenemos siempre los ojos abiertos.
8. ¿Qué consejo le darías a cualquier persona que quisiera seguir convertirse en animador? Pues que es muy fácil e incluso económico y lo único que tendría que hacer es empezar, despues continuar y por supuesto terminar.
Nacho Rodríguez(Oviedo, 1980), más conocido como Nacho Tururú, es uno de los mejores animadores españoles en Flash. De formación autodidacta, sus trabajos para la web Salvamanía tuvieron un impacto importante para la comunidad española de animación en flash en la primera mitad de la década del 2000. De sus trabajos más recientes, su serie Mr Coo ha creado una pequeña legión de fans por todo el mundo. Su estilo de animación, elástico y con ciertas reminiscencias a las bromas anatómicas de Bill Plymptoon y la escuela neoyorquina, pone el énfasis en la enorme plasticidad de este medio frente al abuso generalizado que se le hace como herramienta para la animación limitada.
1. ¿Cómo llegaste al mundo de la animación?
Siempre me gustó dibujar. A los 13 años descubrí un programa bastante arcaico de animación, el Autodesk Animator, y empecé a hacer mis primeras animaciones, con resultados hipercutres, era muy complicado eso de animar. Hacia esa edad vi uno de esos mix de cortos 3D del festival Imagina que ponían en Canal Plus(sería el 93 o 94), y empecé a soñar con dedicarme la animación. Pasaba el rato en clase dibujando con un hemisferio del cerebro y tomando apuntes con el otro. A los 18 me vine a Barcelona para estudiar Bellas Artes. También me interesaba mucho el cómic, y no descartaba cualquier otra forma artística, así que iba con la mente abierta, a ver si descubría algo nuevo. En Bellas Artes hubo altos y bajos, de la mitad de las asignaturas pude sacar provecho, especialmente de dibujo del natural y anatomía, pero había unos cuantos profesores pesaos a los que les interesaba más la teoría que la práctica. Me dedicaba a dibujar cómics mientras ellos soltaban el rollo. Por suerte no se me daba mal vender la moto, que es la base de las Bellas Artes académicas. Me estaba decantando más hacia el cómic (gané algunos concursos en el 2001) hasta que fui a hablar con los de 'El Vívora', y me quitaron toda esperanza de dedicarme a ello profesionalmente. Por desgracia, en España está fatal la industria de este bello arte, y El Vívora, que se suponía que era 'la vanguardia del underground', era cada vez más comercial y cutre. No tardaron en cerrar. Decicí seguir haciendo cómix sólo 'en la intimidad'. El profesor de animación de la facultad (había un par de asignaturas, muy introductorias, no aprendí gran cosa) me dijo que yo 'había nacido para la animación', lo cual me sorprendió bastante en ese momento. Quizás fue el empujón definitivo que necesitaba. Un día de septiembre del 2002 me comunicaron la nota de la última asignatura que me faltaba para acabar la carrera de Bellas Artes (una de pintura, impartida por profesores malos), ¡suspenso! Iba por elpasillo intentando pensar que cuando se cierra una puerta se abre una escotilla de submarino nuclear, cuando me encuentro a mi amigo, que me dice que acaba de dejar su trabajo de animador en Salvamania.com y que andan buscando a alguien nuevo. Una semana más tarde trabajaba allí. Pero aún tardé un año más en sacarme de encima esa carrera que ya me hastiaba.
2. Comenzaste realizando cosas en 3D, hasta que descubriste Flash ¿Qué es lo que te atrae de este software y por qué lo has hecho tu principal herramienta de trabajo?
Había descubierto el flash hacía poco, y me gustaba la versatilidad de opciones que ofrecía. Ya se veían cosas muy chulas en internet hechas con flash. Me atraía sobre todo el poder hacer una animación completa yo sólo, con los medios mínimos, saltándome las partes aburridas de la animación tradicional (tablas de animación, filmación, etc...). Al ser un proceso muy rápido, favorecía mucho el aprendizaje por 'prueba y error'. A propósito de esto, todo lo que he aprendido de animación ha sido autodidacta.
3. ¿Qué ventajas le encuentras a esta técnica frente a otras formas de animación? Por otro lado me gustaba mucho la posibilidad de flash de trabajar con Action Script. En un primer momento mantenía a la par mis investigaciones sobre animación con las de Action Script. Como decirlo... Una imagen estática, la pintura, por ejemplo, me parecía presuntuosa, en el sentido de que estaba fijada en el tiempo, queriendo durar por siempre, como diciendo 'aquí estoy yo'. En la animación todo fluye, cada dibujo dura una fracción de segundo, tanto trabajo que por su propia naturaleza es volcado en el vacío y desaparece... Igual que un mandala budista, hecho de arena, efímero. Pues la programación de locuras voladoras con actionscript es un paso más. Porque la animación es fluida, pero te lleva por unos carriles, sólo pasa una cosa. Pero con programación se pueden hacer cosas interactivas, aún más 'etéreas' que la animación (donde siempre se puede pulsar 'replay'), movimientos irrepetibles. Más tarde me centré exclusivamente en la animación, y cuando quise volver a programar me encontré desactualizado. Había aprendido con Flash 5, y de repente estaban hablando de Programación Orientada a Objetos (?). Los experimentos de estas épocas locas se encuentran en mi primera web. Por desgracia Geocities me cerró una de las dos cuentas que utilizaba para ello, y muchos links están perdidos para siempre.
La décima edición de CARTOON MOVIE tuvo lugar entre el 5 y el 7 de marzo de 2008 en la ciudad de Babelsberg, entre Berlín y Potsdam. Se trataba de una edición especial al celebrar CARTOON los diez años del evento y los veinte de creación de la organización europea. CARTOON MOVIE se trata del principal mercado europeo de películas de animación, al que acuden productoras de toda Europa en busca de financiación para sus proyectos, una coproducción o una distribuidora. Quizás uno de los aspectos más interesantes del CARTOON MOVIE sea el de haber servido para dinamizar el mercado del largometraje de animación europeo. Según las estadísticas aportadas por la organización, desde la creación en 1998 de Cartoon Movie hasta 2008, en Europa se han producido 123 largometrajes de animación, más del doble que en los veinte años anteriores (52 durante el período 1989-1998, y 52 durante el periodo 1979-1988; 37 entre 1969-1978; 17 entre 1959-1968; 6 entre 1949-1958). De estos 123 largometrajes, el presupuesto medio por largometraje de animación era de unos 6,675.000 €, constituyendo un presupuesto total de 800 millones de euros durante este periodo. De estos 123 largometrajes, 41 corresponden a Francia; 26 a Alemania; 25 a España; 17 a Dinamarca; 9 a Italia; 8 al Reino Unido; 7 a Bélgica; 6 a Irlanda; 5 a Luxemburgo y 4 a Suecia. La buena salud de la animación española, que ha experimentado una importante subida en la última década fue justamente motivo de comentario por parte de los organizadores. La estructura del Cartoon Movie permite la presentación de casi 50 proyectos en dos días. Al mercado se presentan por un lado proyectos aún en concepto y que van en busca de financiación o coproducción, largometrajes ya en producción que necesitan más financiación o distribuidores y largometrajes ya terminados. Las presentaciones tienen un tiempo limitado frente a la audiencia, siendo de 10 minutos para los proyectos en concepto y de media hora para los que están en producción, aunque en este caso y en el de los largometrajes ya realizados, tienen lugar dos simultáneamente en diferentes espacios. Al encuentro acudieron bastantes empresas españolas, presentándose Makebelievers de Ink Apache y Shâh Namêh (The Book of Kings) con Dibulitoon Studio en coproducción con Cyrus Prod. y LuxAnimation como proyectos en concepto, Las aventuras de Don Quijote de Milímetros Corporaciones Industriales Audiovisuales y El corazón de la montaña de Granada Film Factory como proyectos en desarrollo y Donkey Xote y Nocturna de Filmax Animation y Mocland, la leyenda del Aloma de Forma Animada como largometrajes terminados.
Por la parte europea, algunos de los proyectos que más expectativas crearon fueron los presentados por los franceses Les Armateurs Brendan and the Secret of Kells, Why I did (not) eat my father y Ernest y Celestine, y la sátira danesa en 3D de A.Film Journey to Saturn, que se convirtió en la presentación más concurrida de todo el evento junto con el preestreno mundial de Dragon Hunters.
También fueron entregados los premios Cartoon Movie, donde arrasaron las candidaturas francesas. En la categoría a mejor director europeo del año, donde estaban nominados Víctor Maldonado y Adrián García por Nocturna, el premio recayó en Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud por Persépolis; el de mejor distribuidor del año, para Europa Distribution (Francia); y el de mejor productor europeo para Prima Linea Productions, por Peur(s) de noir.
La XII Muestra Internacional de Cinema de Animación de Cataluña - ANIMAC 2008 tuvo lugar entre el 25 de febrero y el 2 de marzo de 2008 en Lleida. Este año la muestra tuvo como país invitado a Japón, con una retrospectiva de Koji Yamamura y la presencia del propio Yamamura y de Animation Soup, un colectivo de artistas y animadores japoneses independientes. Asimismo, ofreció retrospectivas de la obra de Charles y Ray Eames y del británico Chris Shepherd, así como una selección de cortometrajes relacionados con las enfermedades mentales.
Entre los cortos españoles mostrados se encontraban Tadeo Jones y el sótano maldito de Enrique Gato, y ganador del Goya al mejor cortometraje de animación 2008, A meiga chuchona de Pablo Millán, Hezurbeltzak, una fosa común de Izibene Oñederra, La flor más grande del mundo de Juan Pablo Etcheverry, El ataque de los Kriters asesinos de Sam Orti, Atención al cliente de Marcos Valín y David Alonso, Jazz Song de Jorge González Varela, Perpetuum Mobile de Enrique García y Raquel Ajofrín, Teenage Mutant Brother Agents de Niko, y Timelapsus de Pablo Barquín, Marcos Coral y Mauro Gimferrer.
La muestra contó también con la presencia de diversos talleres, organizados por Olaf Ladousse y por el Cucinema de Genzano, y del artista vasco Judas Arrieta.
Durante la presentación de cortos sobre la locura en el Animac 2008, Erik van Drunen, organizador del HAAF de Holanda hizo un interesantísimo comentario sobre si es posible acercarse o hablar de documentales de animación. La pregunta, que quedó un tanto en el aire y sin resolver, venía a discutir incluso el propio concepto de documental. ¿Puede una obra de animación considerarse documental? ¿Puede un documental definirse como tal dentro de la animación?
Los cortometrajes presentados sobre el tema enfermedades mentales fueron Camouflage de Jonathan Hodgson, Obsessively Compulsive de Andy Glynne, A is for Autism de Tim Webb, História Trágica com final feliz de Regina Pessoa, Dr Jeckyll and Mr Hide de Paul Bush, The Old Fools de Ruth Lingford, 62,3 de Jocmijn Dijkers y Dada de Piet Kroon.
La mayoría de los cortos utilizaban sonido documental y por tanto real o eran de técnica mixta, utilizando imagen real y animación.
Esta web en castellano contiene multitud de enlaces, fotografías e informaciones sobre la serie de animación más popular de las últimas dos décadas, The Simpsons, y posiblemente hará las delicias de todos aquellos que sigan la serie. Contiene un listado con todos los episodios hasta la última temporada emitida en Estados Unidos e incluye resúmenes de muchas temporadas, además de fotografías, noticias, e incluso una especie de "consultorio Simpson", donde se invita a los usuarios a realizar preguntas del tipo "¿En qué episodio salía...?" o "¿Cuál es la canción..." Desde aquí animamos a los creadores de esta web a continuar con este titánico proyecto. Mucha suerte.
